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martes, 20 de febrero de 2018

Museo Etnográfico abre un espacio cómic con 'Moby Dick' de José Ramón Sánchez


El Museo Etnográfico de Castilla y León inaugurará un nuevo proyecto denominado Espacio Cómic dedicado al mundo de la novela gráfica con la presentación del libro ilustrado Moby Dick, en el que el ilustrador y dibujante cántabro José Ramón Sánchez recrea con viñetas la novela homónima de Herman Melville.

La presentación, a cargo del propio ilustrador, tendrá lugar el próximo jueves en el salón de actos del museo con entrada libre hasta completar el aforo, según ha informado este centro en un comunicado.

José Ramón Sánchez ya eligió el Museo Etnográfico de Castilla y León (Mecyl) para presentar hace algo más de un año una exposición retrospectiva de su obra bajo el título "La gran aventura del mar".

En este caso, Sánchez, que fue Premio Nacional de Ilustración en 2014, presenta una obra que le ha llevado nueve meses de trabajo y que narra la historia de Moby Dick a través de 642 viñetas en blanco y negro recogidas en 176 páginas.

Con ese libro el ilustrador ha cumplido un sueño que tenía desde la infancia, el de recrear una novela a través de los dibujos y convertirla en cómic.

José Ramón Sánchez también ha recreado con sus dibujos escenas de otras obras literarias como Don Quijote de la Mancha, la Biblia, la Divina Comedia y obras del Beato de Liébana.

El libro de cómic Moby Dick está prologado por el cineasta Daniel Sánchez Arévalo, hijo del dibujante, que ha confesado que no sabe si "pintar es la manera que tiene mi padre de espantar a los demonios o de acercarse a ellos, supongo que es una mezcla de ambos".

Ha subrayado además en el prólogo que su padre, a sus 80 años, tras una "impresionante trayectoria" profesional y personal, ha "soltado lastre", para quedarse solo con un lápiz y con él hacer "una de sus obras más rotundas e importantes" que además supone una "ópera prima" por ser su primera novela gráfica.

En la presentación de Moby Dick estará presente el editor de la editorial cántabra Valnera, Jesús Herrán Ceballos, y el editor de la multinacional Panini, José Luis Córdoba, junto al profesor de Historia Diego Castaño López, que será el encargado de presentar el acto.

lunes, 19 de febrero de 2018

RTVE:La vida de Graciela Iturbide, la gran fotógrafa mexicana, llega al cómic


“Mi enfoque es personal. Sin teleobjetivos. Con intimidad y respeto. Respeto lo que retrato porque yo también quedo retratada a mi vez. Siempre” (Graciela Iturbide)

La belleza de las imágenes de la fotógrafa Graciela Iturbide (México, 1942) hacen que sea muy fácil calificarlas como mágicas o surrealistas, calificativos que a ella no le gustan porque durante los últimos cuarenta años ha buscado la verdad, el retrato del auténtico México que mezcla lo indígena y lo poscolonial en algo que ella define como “tempo mexicano”.

Ahora la vida de Graciela, considerada la fotógrafa más importante de México, llega al cómic en la apasionante novela gráfica Iguana Lady. La vida de Graciela Iturbide (La Fábrica), de la escritora norteamericana Isabel Quintero y el ilustrador, dibujante y pintor Mexicano Zeke Peña.

Un libro que, por increíble que parezca, logra captar la belleza plástica de la fotógrafa mexicana, a la vez que constituye un apasionante recorrido por su vida y su búsqueda de la verdad, que plasma en cada una de sus instantáneas. También indaga en lo que significa ser artista. Y tiene mucho de poético, tanto en lo literario como en lo visual.

Una novela gráfica extraordinaria en la que se combinan la prosa poética de Isabel quintero, con los bellísimos dibujos de Zeke Peña que reinterpreta el mundo de Graciela a su manera, consiguiendo que evoque el universo de la fotógrafa pero que, a la vez, sea algo completamente nuevo y diferente.

Destacar que el cómic contiene más de dos docenas de fotografías de Graciela, incluyendo su instantánea más famosa: Mujer ángel (1979).

Se hizo fotógrafa por el dolor tras la muerte de su hija
El cómic nos describe cómo Gabriella quería ser escritora, aunque la tradición y la familia la llevaron a casarse, con 19 años, y tener hijos. Y su inquietud la llevo a estudiar teatro y cine. Pero fue el dolor por la muerte de su hija Claudia la que la llevo a coger la cámara de fotos y a recorrer México y el mundo entero.

Empezó como ayudante del fotógrafo Álvarez Bravo, que pertenecía a la misma comunidad artística que Tina Modotti, Diego Rivera y Frida Kahlo; y cuyo trabajo celebraba la rica cultura indígena mexicana. Pero pronto Graciela no se conformó con fotografiar lo que veía sino que quiso dar un enfoque más personal a sus fotografías, una visión que iba mucho más allá de la realidad que retrataba. De hecho, partiendo de esa realidad, fue capaz de crear su propio y reconocible universo. Sus propios símbolos.

En las profundidades de México fotografíó rituales prehispánicos, pero también católicos. Como la matanza ritual de miles de cabras en la región de la mixteca.

Durante diez años retrató a las mujeres de Juchitán, que no temen decir lo que piensan. Nos descubrió la naturaleza en el jardín etnobotánico de Oaxaca. E incluso viajó a la india, donde nos mostró que los objetos cuentan historias sobre sus propietarios.

La Mujer ángel
Pero siempre vuelve a casa, a México, como en su famosa serie dedicada a los Seris, un pueblo indígena del estado Mexicano de Sonora donde, en 1979, “…con los seris, en el desierto que es su hogar, tomo mi fotografía preferida. Y la más famosa: Mujer ángel".

Se trata de la imagen de una mujer seri que camina a través de la inmensidad del desierto, dando la espalda a la cámara. Viste el traje tradicional de las mujeres seris y en su mano derecha cuelga una radio-grabadora.

Lo curioso es que Graciela no fue consciente de tomar esa imagen y se la encontró al revelar las fotografías por lo que la considera “Un regalo que me hizo la vida”.

Un mundo en blanco y negro y sin trucos
Da igual a donde le lleven sus viajes, el mundo de Graciela siempre es sencillo, directo, auténtico, un mundo en blanco y negro y sin ningún tipo de trucajes fotográficos, como teleobjetivos. Porque a Graciela le gusta meterse en los mundos que fotografía.

Así surgieron series tan famosas como Naturata, En el nombre del Padre, Tránsitos. Fiesta y muerte en México, Juchitán de las Mujeres, Los que viven en la arena, No hay nadie... O la archiconocida El Baño de Frida, que realizó en 2004 (cuando dicha estancia se reabrió, 50 años después de la muerte de la famosa artista) y cuya gestación se refleja en este cómic.

“Entré en el cuarto y le pedí a los objetos que me contaran la historia de Frida”.

Se deja guiar por los pájaros
“Los pájaros me hablan desde el fondo de mi ser, como cuando los fotografío”

El cómic también refleja la obsesión de Graciela por los pájaros, que siempre están presentes en su obra.

Pájaros a los que sigue por todo el mundo, dejándose guiar por ellos en una desesperada búsqueda de libertad que la llevará a descubrir nuevas culturas y gentes.

Desde que comenzó a hacer fotografías, hace casi 50 años, Graciela no ha dejado de volar. De descubrirnos el mundo con su mirada de pájaro que surge desde lo más profundo de su alma.

Destacar la cuidadísima edición de la editorial La Fábrica, famosa por sus libros de Fotografía y Arte. Iguana Lady. La vida de Graciela Iturbide es su la primera novela gráfica que publica.

sábado, 17 de febrero de 2018

El mundo del cómic inunda Córdoba de arte, humor, crítica y fantasía


El mundo del cómic inundará Córdoba de arte, creación, crítica social y política, humor y fantasía, a través de las múltiples actividades programadas en la sexta edición de las Jornadas Te-Beo en la Calle, que se desarrollarán en diversos lugares de la ciudad a lo largo del fin de semana y que incluyen muestras, encuentros con autores, clases magistrales y actividades lúdicas, entre otras. Una de las apuestas más importantes de esta cita, organizads por la delegación de Juventud con la colaboración del área de Cultura, la Diputación y el IAJ, son las cinco exposiciones de las que los cordobeses y visitantes podrán disfrutar durante todo el mes de marzo, y que en algunos casos ofrecen un recorrido histórico a través de la viñeta y el dibujo. Tras la inauguración, el pasado jueves, de la muestra del IV Fancine Trampa, que recoge en la Casa de la Juventud las obras ganadoras y seleccionadas del certamen de Historieta, Caricatura e Ilustración, ayer se abrieron dos nuevas exposiciones en la Casa Góngora y en la galería Arpillera de la Diputación.

Bajo el título Sátiras de papel, una propuesta del Centro de Estudios Andaluces, en la sala Galatea de la Casa Góngora, rinde homenaje a diez de los humoristas gráficos andaluces que han interpretado con su afilada y particular visión los acontecimientos, personajes e idiosincrasia de nuestro país a lo largo de tres siglos, desde las viñetas de Luis Mariani de 1861, en tiempos de Isabel II, hasta los trabajos sobre el 15-M de Miguel Brieva, en plena democracia. Además de su valor histórico, esta muestra también goza «de un gran valor artístico», como señaló Mercedes de Pablo, directora del Centro de Estudios Andaluces, que acudió ayer a su inauguración junto al concejal de Juventud, Antonio Rojas; el delegado de Juventud y Deportes de la Diputación, Martín Torralbo; el coordinador del IAJ en Córdoba, Alberto Mayoral, y el delegado municipal de Cultura, David Luque.

Desde la interpretación de Martín Morales de la Marcha Verde aún en vida de Franco hasta un dibujo de un nazareno firmando autógrafos a un grupo de turistas, la muestra acoge una amplia gama de temáticas que la hace «entretenida y divulgativa», ya que cada una de las viñetas lleva un texto que la contextualiza en su época.


Comisariada por Luis Pavón, la muestra recorre la historia del género desde mediados del siglo XIX a nuestros días, a través de una selección de diez creadores de la tierra como Martínez de León, López Rubio, Vázquez de Sola, Summers, Ballesta y Martín Morales, entre otros, para significar el cariz político, social, cultural y periodístico de cinco épocas. «Es una exposición para todas las edades y con muchos puntos en común respecto a cada época», empezando por la España de Isabel II, con Luis Mariani, «que se jugaba ir a la cárcel y se autofinanciaba las publicaciones», hasta llegar a Miguel Brieva, «que empezó haciendo crowdfunding para poder editar sus primeros trabajos, según explicó Pavón.


«Lo que se pretende es mostrar la evolución de un importante género cultural y de comunicación desde el punto de vista del contenido, de la producción, del estilo y en la relación con la sociedad de cada momento», continuó Pavón, que añadió que «no es solo una exposición sobre temas políticos, ya que en todas las épocas del humor gráfico se han tratado cuestiones que tienen que ver con la vida cotidiana».

viernes, 16 de febrero de 2018

Eugenio Benet homenajea al arte y al cómic sobre la base de circuitos electrónicos


El pintor Eugenio Benet (Madrid, 1962) se centra en la historia del arte y en personajes del cómic para conceptualizar una treintena de obras que ha creado sobre placas de circuitos electrónicos, y que desde este viernes se pueden ver en la Escuela de Artes ‘Pedro Almodóvar’.

Se trata de una original propuesta titulada ‘Reload sources on motherboard’, algo así como recargar pilas en la tarjeta madre, en la que el hijo del escritor Juan Benet reflexiona sobre el arte mientras muestra el resultado de sus indagaciones en torno a nuevos materiales.

Los trabajos que el artista ha traído a Ciudad Real, donde ya había expuesto, siempre de la mano de su amigo Vicente Ruiz, son de pequeño formato y, por tanto, inquietantes para el espectador, sobre todo por los efectos de la luz de las composiciones, que varían por los brillos de la propia textura de las placas electrónicas sin componentes.

Dice que estas superficies metálicas le inspiraron para montar escenas con pastel graso (cera fina) y óleos dentro de la derivación expresionista en la que trabaja en los últimos años.

Precisamente, sin ser tan purista en este estilo como lo fue en sus primeros años, dichos materiales le permiten en la actualidad trabajar sobre fondos en los que consigue un acabado “con otro cariz”.

Su nueva visión y el uso de las planchas madre desde hace tres años para “hacer algo diferente”, le ha permitido tener el reconocimiento social del público. Ya debutó con este tipo de obras en una exposición colectiva en Madrid, en las que enseñó creaciones dentro de su tendencia “rupturista”, en un viraje impulsado por su “ánimo investigador”.

En la actualidad, está combinado las placas de acero en soportes de madera, con el fin de ampliar el tamaño de los cuadros, y para aprovechar la textura de ambos materiales tanto en las figuras como en el fondo.

Sobre el contenido de la muestra que se en los próximos días se puede ver en la capital, hace un homenaje a los dos mundos “que me llenan” como es el arte y su trayectoria con destacados nombres, y el cómic y sus patrones más reconocibles.

«‘El corto maltés’ nos hizo amar los cómics para adultos»


No tiene pudor en afirmar que fue el que le hizo «amar los cómics para adultos» y que cuando se les propuso retomar el personaje que Hugo Pratt sintieron tanto él, Juan Díaz Canales como Rubén Pellejero «una responsabilidad». Lo dicen en un diálogo que acaba derivando sobre cuál sería el mejor volumen para introducir a alguien en el universo de El corto maltés antes de que ambos coincidan que mejor por sus primeras obras porque, al final, «Pratt no tenía ya muchas ganas de seguir con la serie». Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero recibieron ayer en la librería Milcomics.com de Zaragoza el premio Zona Cómic (otorgado por las librerías especializadas españolas) a la mejor obra nacional por El corto maltés. Equatoria (Norma).

Se trata del segundo volumen de los autores sobre la serie de El corto maltés que han recuperado: «Hay una responsabilidad de tener una herencia brutal por lo que supone, es un icono del cómic mundial, un referente que abarca muchas generaciones de lectores, que supone el comienzo de muchas cosas que vinieron después en el cómic», explica el guionista Díaz Canales a lo que el dibujante Rubén Pellejero añade: «Tenía cierto punto de temor porque sé que el personaje crea expectación... Ocurre en muchas series pero en El corto maltés es más importante sentirte aceptado».

Y el resultado no ha podido ser mejor en la aceptación entre el público llegando además a nuevas generaciones, algo que no tenía el éxito asegurado antes de su publicación: «No creo que sea algo tan obvio... El tiempo desde la última publicación del álbum de Pratt al nuestro es bastante largo, han pasado más de 20 años. El mundo ha cambiado muchísimo, la manera de leer y de hacer cómic también y si se ha conseguido llegar es más mérito del personaje que nuestro», razona Díaz Canales que desgrana las características de la serie del personaje: «Tiene muchísimos valores pero tiene también sus hándicaps. Es un personaje que tiene mucha carga literaria con lo cual en un mundo como el actual que es más visual que literario es un lastre. Además, es exigente a nivel de lectura porque tiene mil referencias históricas, geográficas, culturales en general, con lo cual en un mundo de consumo rápido sabes que va a ser una barrera que va a frenar a muchos lectores que lo que hacen es consumir de una manera voraz y sin mucha reflexión. Y ahí, la misma manera de narrar de Pratt, que hemos seguido nosotros también, es muy pausada y peculiar. Entonces hay que respetar todas estas señas de identidad y que no es tan claro que vayan a funcionar con los lectores de hoy en día».

Con respecto al dibujo, Pellejero cree que la mayor dificultad ha estado en «conservar ese espíritu prattiano de narrar y a nivel visual, conservar ese espíritu y a la vez transmitirlo de una manera diferente hasta cierto punto. No hemos roto con el personaje de manera radical, no hemos hecho una renovación total, hemos intentando aproximarnos a su universo conservando sus pautas más reconocibles y eso ha sido la parte difícil, llegar a este nexo, por un lado, nosotros sentirnos libres como autores y por otro lado que el lector que ya conoce al corto maltés se vuelva a enamorar de las nuevas historias».

En Equatoria, segundo trabajo por el que recibieron ayer el premio, han tomado más protagonismo los personajes femeninos: «Nos decían que había poca presencia femenina en el primer álbum que hicimos que por otro lado era en aras de una coherencia, sucedía en la fiebre del oro en Alaska en un territorio ajeno a la presencia femenina, y por eso no había mucho personaje femenina y aun así sí había cierta presencia. En esta ocasión, quisimos poner el acento en los personajes femeninos. No me gusta romper la coherencia histórica que es una seña de identidad de El corto maltés. Hemos tratado de buscar personajes femeninos que fueran creíbles en el sentido de que tuvieran roles que a principios del siglo XX que empezaba la emancipación de la mujer fueran creíbles, y, a pesar de ese hándicap, que sean mujeres fuertes, que tengan algo que decir y un papel destacado en la historia, que pasan al final el test que nos habíamos propuesto, que es que cada una de ellas merecería una historia», concluye Juan Díaz Canales. El tercer volumen ya está en preparación.

jueves, 15 de febrero de 2018

TVE:Carlos Salem: "Adaptar tu novela al cómic es como verla con los ojos de otro"



El novelista, poeta y periodista argentino Carlos Salem (Buenos Aires, 1959) reside en España desde hace 30 años, donde ha triunfado con sus novelas (traducidas a varios idiomas) y merecedoras de premios nacionales e internacionales (como el Premio de la Semana Negra de Gijón a la primera novela policial). Ahora debuta en el cómic con Que decidan las cerillas (Navona Gráfica) con dibujos del cineasta, guionista y realizador Kike Narcea, que también se estrena en la novela gráfica. Una historia de serie negra en la que Carlos adapta parte de su novela El huevo izquierdo del talento.

“A pesar de que el proceso de reescritura ha sido muy laborioso –confiesa Carlos- también ha sido muy interesante volver a contar la historia de otra manera. Es lo más cercano al cine para contar una historia y añades la visión del dibujante, que aporta muchísimas cosas nuevas. Es como ver tu libro, por primera vez, con los ojos de otro”.

El escritor asegura que ver su novela en viñetas es: “Muy emocionante. Ya tuve un atisbo sobre ello hace unos años cuando se representó mi única obra de teatro publicada, pero esto del cómic ha sido incluso más emocionante porque Kike ha estado cinco años con este libro y ha hecho un trabajo muy personal. Es una pasada”.

“De hecho -añade- ahora quiero hacer una historia directamente para el cómic, hombro con hombro junto a Kike o al artista argentino Iñaki Echeverría… para que sea puro cómic. Aunque este libro también lo es porque he tenido que desmontar la novela entera para rehacerla a modo de cómic. Pero de momento sólo son proyectos”.

Es una adaptación parcial de ‘El huevo izquierdo del talento’
El cómic adapta un fragmento de la novela de Carlos El huevo izquierdo del talento (Ediciones Escalera). La historia de Poe, un poeta sin rima que hace mucho que dejó de escribir y pasa las noches en el bar de una ciudad sin mar, en la que están sucediendo enigmáticas desapariciones. En ese local conviven personajes de los más variopintos cuyas historias van formando una tela de araña en la que nuestro protagonista se quedará atrapado.

“En realidad no elegí yo este libro sino Kike –nos comenta Carlos-. Le gustó mucho y me lo propuso. Era complicado adaptarlo, porque casi toda la acción transcurre en un bar, pero hicimos una completa reconstrucción de la historia. Y estoy tan contento que me he planteado adaptar otras de mis obras con otros dibujantes”.

En cuanto a la estructura de la novela (de muchas historias cruzadas y con saltos espaciotemporales), Carlos nos comenta que: “Me gusta esa forma de narrar. Que también he usado en mi última novela, Un violín con las venas cortadas (Navona), en la que tengo cuarenta personajes. Me gusta gustan mucho esas historias corales donde en un momento dado una ciudad habla a través de los ojos de varias personas sobre lo que sucede en un mismo momento. En una novela hay que hacer malabarismos con tantas naranjas que da igual si se te caen la mayoría. Con que te queden cuatro o cinco ya lo has conseguido. Afortunadamente, creo que aquí no se nos han caído muchas”.

“El azar lo provocamos nosotros mismos”

En muchas novelas negras parece que los protagonistas no pueden escapar a su destino, al azar. Pero no en las de Carlos Salem: “Yo creo que el azar lo provocamos nosotros mismos. Hay imponderables pero hay una parte de lo que llamamos mala suerte de la que nosotros tenemos la culpa. Como es el caso de Poe, al que llaman así porque es medio poeta y medio cabronazo, no porque tenga nada que ver con Edgar Allan Poe. Lleva encima un malditismo que se ha creado él mismo y con el que se siente cómodo”.

“Poe no quiere sentir pero siente, no quiere pensar pero piensa, no quiere actuar pero actua -afirma Carlos-. Es un antihéroe total. Y un tío muy inteligente que debería darse cuenta de las cosas mucho antes. Si no lo hace es porque está embrutecido con la noche, con el alcohol y con su propia historia”.

Las cerillas que dan título a la novela y que el protagonista lanza cada vez que tiene que tomar una decisión complicada son un elemento autobiográfico: “Hubo una época en la que salía mucho por las noches y bebía mucho. Y durante algún tiempo lanzaba las cerillas para tomar decisiones, porque estaba cansado de equivocarme. Pero enseguida me di cuenta de que me equivocaba igual. Así que dejé de hacerlo. Por lo menos me equivocaba yo y no las cerillas”.

Poe ha protagonizado tres novelas de Carlos. “La última historia que publiqué sobre Poe fue hace dos años, En el cielo no hay cervezas (Navona), que es una historia que transcurre quince años después de esta. Poe se ha afeitado la perilla, se parece más a mí (ahora), y aunque es un personaje que avanza poco, a medida que va creciendo en edad va asumiendo que le importan más los demás de lo que quiere reconocer”.

“En Poe hay mucho de autobiográfico pero nunca lo confesaré porque yo no soy tan salvaje como él y porque hay delitos que todavía no han preescrito” –concluye Carlos Salem-.

Los otros personajes
El local donde Poe ahoga sus penas en alcohol es el Bar de Lola, donde conviven una serie de personajes inolvidables, empezando por la propia Lola, de la que Poe está enamorado: “No se confiesan ese amor mutuo porque Poe piensa: “Como me gusta Lola lo mejor que puedo hacer por ella es no acercarme. Se pasan la vida como dos navajeros, siempre alerta para atacarse, pero nunca se atacan porque si lo hacen se van a herir de verdad”.

“No es una tensión sexual no resuelta de manual para darle interés a la novela -asegura Carlos-. Salió así y también está basado en una situación autobiográfica. Un amor fugaz lo olvidas o dejas que lo matice el tiempo; pero algo que no dejas que ocurra, sabiendo los dos que podía ocurrir, es lo más valiente y lo más cobarde que puedes hacer; y no lo olvidas nunca”.

Entre los otros fantásticos personajes de la novela, Carlos destacaría a: “El Gato, un policía que investiga las desapariciones y que, a su extraña manera, puede ser el único amigo de Poe. El gato sospecha que Poe podría ser responsable de esas desapariciones, lo que, al mismo tiempo, sería un alivio pero también un palo muy fuerte”.

“También –continúa- me gusta mucho el personaje del flautista que toca en el bar. Está basado en un tipo que conocí que tocaba en un bar en el que le dejaban dormir. Tocaba como un borrachín, peo cuando se cerraba el bar se encerraba en el baño y entonces sonaba como los ángeles. Quizá estábamos es que a esas horas ya estábamos borrachos”

“Eso demuestra que, al final, la ficción supera a la realidad. Porque en la realidad casi nunca conoces la historia completa de nadie y mucho menos su final; pero en la ficción casi siempre tienes los datos que necesitas para entender a los personajes y sabes cómo acaban La ficción tiene una lógica que no tiene la realidad”.

Poesía y novela negra
Carlos Salem es escritor de novelas pero también de poesía, lo que no parece tener mucha relación: “En realidad tiene mucho que ver –afirma- Yo creo que una novela que no tenga poesía, que no tenga lirismo, es un ensayo. Aunque sea una novela seca como podría escribir Hemingway, hasta ahí una poética interna en la manera de expresarse, en los silencios”.

“Por eso Manuel Vázquez Montalbán, al que considero el mejor escritor de novela negra en español, también era poeta. Carlos Zanón también combina las dos cosas. E incluso Raymond Chandler (El sueño eterno) también fue poeta, auqnue no tuviera mucho éxito. Yo creo que es como decir que ser periodista es malo para escribir una novela. Quien dice eso es que no ha escrito una novela en su vida”.

Kike Narcea: Un gran dibujante
Destacar los dibujos de Kike Narcea, que comenzó en el cine realizando los storyboards de películas como Gente Pez (2002) y ha rodado numerosos cortos e incluso un largometraje, El Tiempo de Plácido Meana (2013).

“En realidad no hay tanta diferencia entre el lenguaje de las novelas y el de los cómics -asegura Carlos-. Lo único es que hay menos palabras porque el dibujante te evita las descripciones. Y Kike ha captado a la perfección el ambiente de la novela. Incluso al principio metimos mucho texto mío en el cómic pero al final terminamos quitándolo porque había cosas que podían narrarse perfectamente con las imágenes”.

En cuanto al arte de Kike Narcea, Carlos lo define así: “Es un blanco y negro muy rotundo que describe muy bien el ambiente de la novela. De hecho con los dibujos de Kike se dice mucho más de lo que yo habría podido expresar con palabras. Hay un juego muy expresionista en el dibujo (por ejemplo, en cómo se baja una persiana o se apaga una lámpara), que es ideal para una historia negra como esta”.

“Y además –añade- Kike es capaz de cambiar de estilo para adaptarse al argumento. De hecho, en este cómic, dependiendo de quién sea el personaje que cuente su historia, Kike lo dibuja con un estilo más europeo o más manga. Porque imagina cada historia con un tipo distinto de dibujo. Y eso es un trabajazo, porque tiene una forma de trabajar muy artesanal”.

Ya prepara otra novela gráfica
Carlos nos comenta que: “El concepto de la novela gráfica siempre me interesó y de joven participé en varias cosas que tuvieron distinta suerte. Luego lo fui dejando pero los cómics siempre estaban presentes en mi vida. Pero después de este, ya tengo el mono y, de hecho, ya estoy preparando otra novela gráfica con un dibujante argentino, Iñaki Echeverría, para el año que viene. Serán cinco historias que conformarán un libro más voluminoso. Creo que ya no voy a poder parar”.

“Además, en junio publicaré un poemario y en noviembre un nuevo volumen de una serie infantil con la que estoy muy contento, Minerva Watson (Edebé), protagonizada por una chica de 13 años, que es la única serie que tengo. Para mí es más difícil escribir para niños porque, aunque tengo la misma libertad creativa, la responsabilidad es mucho mayor”.

miércoles, 14 de febrero de 2018

¿Cuál es el cómic más caro de la historia?


Los cómics clásicos y más reconocidos que se encuentran en buen estado pueden llegar a venderse por grandes cantidades de dinero entre coleccionistas. Las cifras pueden llegar a superar el millón de dólares. ¿Conoces cuál es el cómic más caro de la historia y a qué época pertenece? Os lo explicamos.

El primer cómic de Superman

Superman es, posiblemente, el superhéroe más conocido de la cultura popular pese a no ser el primero de la historia. Este personaje acumula una gran legión de seguidores desde que fue creado en el cómic número 1 de la serie Action Comics en 1938 y se convirtiera posteriormente en el icono de DC Comics.
Tal es su leyenda que el cómic más caro del mundo es una de las copias de la primera historieta en la que apareció este personaje. En 2014 se vendió un ejemplar de este por 3.207.852 dólares. Sí, más de tres millones de dólares por un cómic que en 1938 se comercializaba por 10 centavos.

El precio de este cómic que fue vendido a través de Ebay se debe a que sólo existen cuatro ejemplares en el mundo del mismo y al buen estado en el que se encontraba dicha copia. El tebeo había obtenido una valoración de 9, la máxima posible, por la Certified Guaranty Company, la empresa que se encarga de examinar y evaluar de manera imparcial el estado de los libros. El ejemplar no se encontraba deteriorado y mantenía las páginas blancas en un estado inmaculado. Esto fue lo que provocó que la subasta en Ebay empezara por 99 centavos y acabara en más de 3,2 millones de dólares.

De hecho, parte de las ganancias de la venta de este ejemplar fueron destinadas a la Fundación Christopher y Dana Reeve, fundada por el actor que interpretó a Superman en su primera película, que investiga lesiones y daños en la médula espinal.