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sábado, 30 de julio de 2016

Chalice, la primera heroína transgénero del cómic


Spiderman, Superman, dejad paso. Ahora llega Chalice, la superheroína transgénero destinada a revolucionar el mundo del cómic.

Chalice hará su debut el próximo mes de septiembre en «Alters», (AfterShock) una serie de historias acerca de personas en los márgenes de la sociedad, cuyas circunstancias únicas les confieren sus superpoderes.

La nueva superheroína cambia de género y su uniforme se compone de una minifalda y una capa. Chalice ha desarrollado una habilidad para controlar la mecánica cuántica. Otros compañeros en «Alters» son un hombre tetrapléjico y otro que sufre síndrome de estrés postraumático.

Aunque los derechos de las personas transgénero han copado los titulares de la prensa de Estados Unidos recientemente, la historia de esta superheroína no tiene como objetivo interceder en la política, de acuerdo con las palabras de su creador, Paul Jenkins.

«Su cambio de género es un punto importante de la historia. Pero el meollo del asunto es, ¿por qué es grande Chalice? Porque es formidable», ha afirmado Jenkins a la Thomson Reuters Foundation.

Ante el debate abierto en Carolina del Norte (Estado que ha aprobado una ley por la que las personas transgénero deben ir a los baños públicos deacuerdo con su sexo de nacimiento), se va a preparar una portada especial del cómic, aunque todavía no se han decidido todos los detalles, podría ser saludando desde el parlamento o dudando de en cuál entrar frente a los dos símbolos que indican el sexo en cada baño. «Queremos sibrayar lo absurdo del asunto», ha señalado su creador.

Chalice no es el primer personaje transgénero en el cómic, pero sí el primero en tener un papel protagonista. Entre sus predecesores se encuentran Alysia Yeoh, que apareció en un cómic de Batgirl en 2013, y Shvaughn Erin, que reveló en 1992 en una historia de Legín de Superhéroes que había nacido hombre.

viernes, 29 de julio de 2016

Muere el dibujante Jack Davis


El dibujante Jack Davis (Atlanta, 1924) ha muerto este miércoles a los 91 años de edad, ha informado la revista de humor estadounidense Mad Magazine, de la que fue cofundador en 1952. El ilustrador y caricaturista era conocido por sus portadas de revista, posters de películas, carteles publicitarios y por sus numerosos cómics.

"Supone una gran tristeza comunicar la muerte del legendario artista de la Mad Jack Davis", anuncia la publicación en un comunicado en su página web. "Fue un artista superdotado y versátil, su trabajo apareció en el primer número de la Mad y, virtualmente, en todos los números durante las cuatro siguientes décadas", continúa el texto. "No había nada que Jack no pudiera hacer", afirma el director de la revista, John Ficarra.

"Portadas, caricaturas, escenas de deporte, monstruos —su gama cómica era simplemente increíble. Su capacidad para dar energía y movimiento a sus dibujos, su uso del sombreado, su trabajo con el pincel y su uso audaz del color verdaderamente le hicieron uno de los grandes", escribe Ficarra. "Jack siempre será recordado por su encantadora modestia y por sus modales de caballero del sur, que se contraponen por completo a su sentido del humor pícaro y su ingenio mordaz", concluye.

Davis empezó muy joven. Ganó un concurso de cómics a los 12 años, aunque su carrera se inició oficialmente en su veintena. Además de ser conocido por su trabajo en la Mad Magazine, es famoso por sus carteles de películas, entre las que destacan American Graffiti, Animal House, It’s a Mad, Mad World y Bananas, dirigida por Woody Allen.

El director artístico de Mad Magazine, Sam Viviano, destaca que cualquier pieza de Davis era reconocible. Sus figuras eran famosas por estar distorsionadas, con grandes cabezas y pies y finas piernas. Y asegura: "No ha habido ningún ilustrador humorístico en los últimos 50 años que no haya estado influenciado por él". 

miércoles, 27 de julio de 2016

Portada del número nueve de Atalanta


El dibujante Crisse ha desvelado en sus redes sociales cual será la portada del número nueve de Atalanta en la edición francesa.

Aquí os la dejamos.

martes, 26 de julio de 2016

ABC:Los dibujantes andaluces triunfan en el país de los superhéroes


Lo que en los años setenta parecía un sueño inalcanzable para los dibujantes de cómic españoles es hoy una realidad: su huella creativa puede rastrearse en las viñetas de los grandes superhéroes como Batman, Spiderman o Superman. Más de medio centenar de dibujantes en España están trabajando para el mercado americano, algunos de ellos, incluso, para las míticas «majors» Marvel y DC Comics, creadoras de un universo de superhéroes que consumen millones de personas en todo el mundo.

Una veintena de ellos son andaluces y entre ellos se encuentra el gaditano Carlos Pacheco, que además de ser uno de los primeros en introducirse en ese mercado en los años noventa, está considerado como uno de los grandes creadores contemporáneos, como demuestra su paso por DC y Marvel, su actual casa, y haber dibujado iconos de la cultura popular como Superman, Batman, Los Vengadores, La Patrulla X...

Tras sus pasos, trabajan para los grandes sellos Jesús Merino, Gabriel Hernández, Juan José Ryp, Rafa Sandoval, Jorge Jiménez, Javier Fernández, Agustín Padilla... por solo citar a algunos que muestran el camino abierto por Pacheco en los noventa. La inmensa mayoría trabaja para el mercado de superhéroes y lo hacen desde España, en contacto con las editoriales gracias a las nuevas tecnologías de la información, dejando atrás los envíos por mensajería y comunicación por fax que conoció Pacheco cuando empezaba.

Pero más allá de esto, afirma este dibujante, «lo que sí ha cambiado» respecto a cuando empezó a trabajar para EEUU es «la confianza del propio mercado a los dibujantes españoles. Los editores no tenían, entonces, la experiencia de trabajar con dibujantes ajenos al ámbito anglosajón, es decir, Estados Unidos, Canadá e Inglaterra. En el tema de los superhéroes, pensaban que los dibujantes de fuera de ese ámbito no tenían ese conocimiento para dibujar ese material con absoluta facilidad. Ahora, en cambio, son los editores los que vienen a los salones del cómic en busca de talento». Esto signfica, por otra parte, «una gran competencia con el resto del mundo y entre los propios españoles».

¿Por qué ese interés del mercado americano en los dibujantes españoles? La respuesta la aporta uno de los mayores expertos sobre cómic en Sevilla y, actualmente, gerente del ICAS, Francisco Cerrejón. «Posiblemente, el país con más autores trabajando para Estados Unidos es España, porque siempre hemos tenido una cantera de autores de primer nivel internacional, pero muy poca industria». «No hay una industria real, hay pequeños esfuerzos muy loables y quien puede vivir del mercado español, pero eso no crea industria. La mayoría de autores necesitan compaginar esta actividad con, por ejemplo, dar clases. Las cifras de ventas no son suficientemente razonables. Se ha optado por una línea más artística y se ha abandonado el interés de la gran masa», añade Pacheco.

Mejor pagados que en España
Esa falta de idustria hizo que el sevillano Diego Galindo tratara de introducirse en el mercado americano cuando llegó la crisis. Entonces este licenciado en Bellas Artes por la Hispalense abandonó la pintura por falta de mercado y se le pusieron las cosas cuesta arriba como profesor interino en la Universidad. «Primero pensé en el mercado nacional, pero te pagan muy poco, no te da para vivir. Aquí del cómic pueden vivir cuatro autores que llegan al público que no es tradicional del cómic. Vender 4.000 ejemplares es una pasada en España, pero una cifra habitual en EEUU. Por un tebeo de 22 páginas puedes ganar del orden de 1.200 euros para arriba y te da para vivir porque te haces uno al mes. Aquí te haces un tebeo de ochenta páginas, para el que estás seis meses trabajando, y te dan un anticipo de 1.000 euros».

Trabajar para el mercado americano significa, señala Cerrejón, hacerlo para «una industria cultural similar al cine, es decir, trabajan con franquicias de los personajes». ¿Qué margen de creatividad queda entonces? «Está, sobre todo, en el aspecto gráfico. Por ejemplo, si un personaje muere, no es decisión del guionista, sino editorial. Con todo, se producen ejemplos de creación potentes». Pero esas limitaciones pueden ser un acicate. Galindo, que ha publicado en IDW y que trabaja ahora junto al guionista Elliott Serrano, en «Army of Darkness: Ash for President», un especial para las elecciones americanas, afirma que «casi siempre, cuando tienes todos los recursos para ser creativo, no lo eres tanto. Cuando te limitan, hacen que te busques la vida para diferenciarte. A veces, el guión son cuatro apuntes, así que interviene muchísimo tu creatividad».

Una industria por crear
Junto a estos dibujantes también destaca la figura del malagueño Juan Antonio Torres, más conocido como El Torres, ya que los editores de Estados Unidos están interesados solo en dibujantes. De hecho, el malagueño es el único guionista que trabaja regularmente en este mercado, tras haber publicado con gran éxito IDW en 2009 «The Veil», dibujado por Gabriel Hernández. Además, El Torres fundó Amigo Cómics en 2012, con el que edita en inglés en Estados Unidos. Y eso, sin descuidar el mercado español, donde lanzó «El fantasma de Gaudí», con guión propio y dibujos de Jesús Alfonso Iglesias, que se llevó el premio a la mejor obra nacional en el último Salón del Cómic de Barcelona.

Sobre su situación como editor en EEUU, El Torres reconoce que «soy una rareza por mi escaso potencial económico, ni llegamos a pyme. Pero me extraña por qué ninguna editorial española edita allí, porque se puede crear una industria. En mi caso, propuse a las editoriales independientes distribuir mis propios comics allí. Funciono por miniseries, como «Rogues!» y otras centradas en el terror. Ninguna ha sido un gran bombazo de ventas, pero sí de crítica, con seguidores poquitos pero muy fieles y exigentes. Siempre tenemos pequeños pedidos, no son tebeos con fecha de caducidad».

Fallece Carlos Nine, el virtuoso


El pasado domingo falleció el maestro Carlos Nine (Haedo, Buenos Aires, 1944). Dibujante, ilustrador, pintor, escultor, guionista, animador, un personaje brillante en la gráfica argentina. Desde la mítica revista Fierro saltaría su obra al mundo, publicado en periódicos como El Clarín, Le Monde y The New York Times, en editoriales de Argentina, Brasil, México, Estados Unidos, España, Italia, Francia, Inglaterra, Alemania, Bélgica, Taiwan, Hong Kong y Macao. Recibió diversas distinciones en las que destacan: Silver Clio en el International Clio Awards (1993), el Caran D’Ache al mejor ilustrador (1995) y el mejor autor extranjero traducido al francés en el Festival de Angouleme (2001).

Sus obra va tomando referencias de la novela policiaca, el western, el tango, la tradición criolla, los dibujos animados, la pintura clásica de la academia, la literatura, las citas… entrando, saliendo y tomando distancia.

Yo lo recuerdo por sus libros, por las féminas y por el sinuoso camino de las formas que dibujaba, me parecían un sueño distorsionado. En voz de sus colegas y amigos, Nine era un tipo severo pero generoso. Nunca esta de más darse una vuelta por sus universos.

Enlace a la noticia ampliada: http://nfgraphics.com/carlos-nine/

lunes, 25 de julio de 2016

Brie Larson será la primera mujer protagonista de Marvel con 'Captain Marvel'


La actriz estadounidense Brie Larson, ganadora del Óscar a la mejor interpretación femenina por 'Room' (2015), se convertirá en la primera protagonista que lidere una película del universo cinematográfico de Marvel con la cinta 'Captain Marvel'.Así seha anunciado de manera oficial en el evento que la célebre editorial de cómics Marvel celebró en la Comic-Con, que tiene lugar estos días en San Diego, y en el que apareció por sorpresa la intérprete."Llamadme Captain Marvel", publicó poco después Larson en su cuenta oficial de Twitter.

Aunque se desconocen los detalles del argumento de este largometraje, que según la web oficial de Marvel se estrenará en marzo de 2019, se espera que gire en torno a la superheroína que se esconde bajo el nombre de Carol Danvers, cuya primera aparición en los cómics fue en 1967.Nacida en 1989 en la ciudad californiana de Sacramento, Larson comenzó su carrera con papeles más o menos puntuales en la televisión, como en las series 'Raising Dad' o 'United States of Tara'.Poco a poco se abrió hueco en el cine y participaría en los filmes '21 Jump Street' (2012), 'Short Term 12' (2013) y 'Trainwreck' (2015), antes de dar un paso de gigante con 'Room', que le supuso la estatuilla de la Academia de Hollywood.Dirigido por Lenny Abrahamson, este filme relataba la terrible historia de una joven que es secuestrada a los 17 años con un hombre que abusa sexualmente de ella. De esas violaciones nace su hijo, con el que vive en una pequeña habitación y hará todo lo posible, usando la imaginación y el amor, para proteger al pequeño y sacarle de ese encierro.Entre los proyectos futuros de Larson se encuentra también 'Kong: Skull Island', centrada en los orígenes del mítico King Kong y que cuenta con Tom Hiddleston en su elenco.

viernes, 22 de julio de 2016

El Mundo:El matiz de ser Zipi o ser Zape


El 31 de marzo de 1994 Josep Escobar i Saliente moría en Barcelona a los 86 años de edad. "Pasarán los lustros, las centurias, los siglos, y el mundo continuará hablando de Escobar" había escrito años antes Francisco Ibáñez para describir de su amigo y maestro en la Editorial Bruguera en un especial titulado Escobar, rey de la historieta. Han pasado 22 años y la predicción del creador de Mortadelo se ha cumplido: se vuelve a hablar y escribir de Escobar con motivo del estreno de Zipi y Zape y la isla del Capitán, adaptación al cine de sus personajes más famosos, que se estrena el 29 de julio.La figura de los hermanos traviesos ya se había explotado en el cómic antes de que Escobar los adaptase al paisaje español en el número 58 de Pulgarcito, publicado en 1948. El origen del arquetipo se remontan a 1865, cuando el alemán Wilhem Busch publicaba la primera historia de Max y Moritz, dos niños en guerra permanente con los adultos de su entorno, que a su vez castigaban a los chiquillos de las formas más despiadadas. El éxito del concepto hizo que sus viñetas fueran un éxito en Europa, Estados Unidos y hasta Japón y surgiendo las correspondientes réplicas. Las más reconocida fue la tira estadounidense The Katzenjammer Kids, creada por el inmigrante alemán Rudolph Dirks para el New York Journal de William Randolph Hearst y que sigue publicándose en la actualidad. Hergé, el padre de Tintín, también haría su aportación al género en 1930 con Quique y Flupi.

En 2016, la responsabilidad de adaptar el mito en la actualidad ha recaído en el bilbaino Óskar Santos, quién ya dirigió la primera entrega, Zipi y Zape y el club de la cánica, que pese a su éxito de público recibió críticas por no permitirse algunas licencias con respecto al material original. "En mi generación había dos tebeos: Mortadelo y Filemón y Zipi y Zape", explica el bilbaíno, autor también del guion junto a Jorge Lara. "Yo siempre he dicho que era más de Mortadelo y Filemón pero leía a Zipi y Zape. Lógicamente, nos han criticado y nos seguirán criticando pero yo no hago las películas a la carta, yo tomé una serie decisiones y creo que el tiempo me da la razón. Hemos trabajado siempre desde el máximo respeto a Escobar, pero creo que un tebeo y una película son completamente diferentes. Son formatos diferentes. En un cómic tú puedes permitirte ciertas cosas, puedes orientarlos a un público más infantil y permitirte un cierto esquematismo. Y eso en una película es imperdonable. Nosotros creemos que había que crecer en complejidad con respecto a la primera y lo hemos hecho".A la hora de abordar la historia, Santos asegura que se hizo una pregunta. "¿Qué sabemos de Zipi y Zape?". Para hilar la respuesta, es necesario estudiar la figura de Escobar. A los lectores más tardíos de Bruguera llegó la imagen de abuelo bonachón, canoso, de prominente nariz, gafas de pasta y pipa, que era como el mismo se autorretrataba. Pero lo cierto es que la figura de Escobar se puede encontrar retazos de un niño travieso que no se pliega al orden establecido. Con 12 años dibujó en una pared de Granollers a varios futbolistas con la esperanza de que fuera vista por algún editor y le fichara. Nadie se puso en contacto con él. "Muchos años más tarde me consolé de aquel fracaso. ¡Recordé que no la había firmado y ese descuido compenso mi desilusión!" Recordaba en 1981 en una entrevista a la revista Bruguelandia.Con 14 años inició finalmente su carrera como dibujante, pero su defensa de la República antes y durante la Guerra Civil provocó que fuera expulsado de Correos y encarcelado. Condenado a seis años y un día de prisión por motivos políticos, cumpliría un año y medio de prisión, donde se sacaba unas pesetas como caricaturista. Al salir desempeñó todo tipos de oficios hasta que en 1947 decidió volcar nuevamente su hiperactividad en las viñetas, creando personajes como Carpanta, Petra, Doña Tula o los conocidos gemelos.

"En realidad no eran gemelos, porque uno es moreno y el otro rubio", bromea Santos en su reflexión sobre los personajes. "Lo que sí está claro es que eran gamberros los dos. Y esa es la base sobre la que partimos: dos niños traviesos. Pero claro, había que dotarles de personalidad. A mí me parece que en el tebeo son demasiado parecidos y de alguna manera forman una única persona. Un equipo en el que me cuesta diferenciarlos excepto por el color del pelo. Y eso en una película no aguanta. Había que evolucionarlo. Por eso decidimos darle unos rasgos, unas virtudes y unos defectos".En el filme, que se estrena el 29 de julio y tienen a Elena Anaya como villana, "Zipi es el niño inteligente, brillante, el hombre del plan, el cerebro del grupo, pero a la vez es un pagafantas de cuidado. Es un enamoradizo, pero el problema es que le gustan todas, entonces acaba siendo bastante ridículo", explica el director. Zape en cambio "es un niño soquete, cabezón, que no piensa las cosas pero a la vez es el hombre acción, por así decirlo. Es noble con su hermano, siempre hará lo que él le diga. Es valiente, no se arruga ante nada. Ese contraste entre la personalidad de cada uno y el equipo que forman juntos, hace que funcionen tan bien en la aventura.En la nueva película Zipi y Zape siguen siendo iguales, pero yo creo que los hemos llevado un poquito más allá".Ese más allá incluye otra mirada hacia las viñetas. A diferencia de la primera, donde no aparecía ningún personaje de las mismas salvo los hermanos, en esta entrega sí hace acto de presencia los padres de Zipi y Zape, quienes tienen una vital importancia en historia, aunque nunca son llamados por sus nombres, Don Pantuflo Zapatilla (Raguncio Feldespato en sus primeras apariciones) y Doña Jaimita Llobregat. "La película tiene varios guiños a la historieta. Nosotros no hemos pretendido ser irreverentes, aunque le hemos dado un camino diferente al de Escobar. Lo que hizo durante 40, 50 años está ahí y es muy respetable, pero yo tenía la responsabilidad de hacer una adaptación. Creo que lo que hemos hecho es lo que es lo que había que hacer y que el tiempo nos está dando la razón, pero en España te van a criticar hagas lo que hagas, no sólo a mí si no a todos. En este país se critica siempre, forma parte de nuestra naturaleza y hay que aceptarlo. Y yo acepto las críticas a eso por supuesto", sostiene el director bilbaíno.

Con todo, Escobar estaría especialmente contento por la adaptación de sus personajes al séptimo arte. El mismo llegó a ejercer de guionista y actor de obras de teatro, y director y animador de dibujos animados. Y también era inventor. Así que no tardó en unir todas sus pasiones. En 1942 inventó el cine Skob, un proyector de películas infantiles hechas en papel, entre las que se recogía algunas de los traviesos hermanos, como Zipi y Zape y tío Federico. Una década después, lo evolucionaría al Cine Stuk. Incluso daría un motivo por el que los productores han mirado hacia sus creaciones. En una entrevista concedida al periodista Carles Santamaría en 1988, sostenía que Zipi y Zape no se nunca se quedarían anticuados porque los niños podían continuar identificándose con ellos "ya que comparten los mismos problemas". En las viñetas, los mellizos, más allá de las travesuras, se desvivían por conseguir una bicicleta, y para ello buscaban obsesivamente hacer una buena obra que generalmente acababan en desastre. Desastres que si fueron aligerados no fue por decisión del autor. Igual que otros compañeros con Vázquez y las Hermanas Gilda, el Decreto de 24 de junio de 1955 sobre la Ordenación de la Prensa Infantil y Juvenil le obligó a suavizar la crudeza de las pillerías y los castigos de la serie. Dos años después, Escobar dejaría Bruguera para embarcarse en un proyecto con otros cinco autores de la editorial: Giner, Cifré, Conti y Peñarroya. Tenía 47 años y una familia a su cargo, pero se lanzó a la aventura y fundó la revista Tío Vivo. La aventura fracasaría y los dibujantes volverían a Bruguera, historia que es recogida de manera brillante en la novela gráfica de Paco RocaEl invierno del dibujante. El que no paró de evolucionar fue el trazo gráfico de los personajes, que mutó adaptándose a las modas de cada época. Las tramas, por su parte, se apartaron del costumbrismo familiar llegando a instalarse en el mundo de las aventuras y de la ciencia ficción. "Si Escobar hubiera hecho historias largas como hizo una, o dos a lo mejor no hubieran estado tan alejadas del universo que nosotros hemos dado", se lamenta Santos, que sin embargo enlaza su película con esa etapa más aventura de los personajes. "Yo tuve claro que había que quedarse con la esencia de los personajes esos dos niños traviesos, que es algo inmortal e imperecedero y universal. Sobre eso había que construir un relato de aventuras, con humor, con acción, con misterio, con un montón de cosas y sobre todo había que dotarlo de todo de esa magia que tiene ese cine y esa literatura con la que yo crecí. Bueno, pues ese es el cóctel que hemos preparado. Estoy muy orgulloso de lo que hemos hecho y creo que lo que es una magnífica idea pero no puedo convencer a todo el mundo", concluye.

miércoles, 20 de julio de 2016

Trabajando en DOGGY BAGS 3


En Dibbuks  ya están trabajando  en la edición de DOGGY BAGS 3 para que esté disponible a primeros de noviembre.

lunes, 18 de julio de 2016

Kaboom es la explosión del cómic


Da igual que sean en papel o en el intangible digital. Nos gustan cuadradas, rectangulares, redondas. En splash-page o en 3x3. Panorámicas y diminutas. Kaboom es el nuevo blog de EL PAÍS dedicado al tebeo en todas sus facetas y aristas. Lo que queremos contarte en Kaboom es qué es el cómic, de dónde viene y adónde va.

Scott McCloud —el André Bazin del noveno arte que lo ha descifrado como nadie en libros como Entender el cómic (Astiberri, 2007) o Hacer cómics (Astiberri, 2007)— ha definido el tebeo como: “la juxtaposición de lo pictórico y otras imágenes en una secuencia deliberada que está pensada para expresar información o provocar una respuesta estética en el espectador”. Es decir, viñetas cuentacuentos e imágenes que nos emocionan.

¿Qué encontrarás en Kaboom? Pues todo tipo de visiones sobre el cómic presente, pasado y futuro. Nos importa tanto hablarte de cómo Will Eisner sentó las bases del lenguaje secuencial desde una tira dominical llamada The spirit o de cómo Randall Munroe, para muchos el genial xkcd, tira todas esas convenciones por la ventana en su multipremiada, interactiva y asombrosa Time.

En Kaboom te hablaremos también, por supuesto, de superhéroes, el gran filón de siempre en las viñetas y ahora también en la gran y pequeña pantalla. La batalla eterna de Marvel y DC por el trono mitológico del presente, su expansión a otros medios y la influencia que esto tiene en los cómics y las entrevistas con aquellos que han definido a tus héroes favoritos también tendrán cabida en Kaboom. Nuestro estreno es, de hecho, es con la complicada historia del Miracleman de Alan Moore y Neil Gaiman.

Aprender a entender el cómic nos preocupa también. Explicarte, por ejemplo, cómo autores como el mangaka Tsutomu Nihei entienden que entre viñeta y viñeta pueden mediar siglos, que cada rectángulo encerrado en su marco es una unidad de tiempo y espacio independiente. O cuál es la diferencia fundamental entre un cómic clásico impreso en papel y los nuevos formatos digitales de los webcómics. Descifrar el todo y las partes de este noveno arte será también tarea de Kaboom.

Y en Kaboom, por supuesto, también queremos contarte lo que se hace en España. Visitar las escuelas de cómic. Descubrir cómo trabajan los talentos más conocidos y los que están por explotar. Analizar la situación económica del sector, sus fortalezas y carencias. Transmitirte, en definitiva, cómo nos va y a quiénes hay que seguir la pista.

No lo dudes. Desempolva el antifaz, los leotardos y la capa al menos una vez a la semana para sentarte frente a tu pantalla y disfrutar con tu pasatiempo favorito. Gozar de las historias en formato viñetas. Historias en las que, de tanto en tanto, te espera un gran ¡KABOOM!.

sábado, 16 de julio de 2016

Miracleman: el cómic perdido de Neil Gaiman


Miracleman era hasta 2014 casi una leyenda urbana. Era la historia del superhéroe adorado por los veteranos que los jóvenes nunca habían podido leer. Era, sobre todo, la única obra escrita por dos de los autores más laureados del cómic: la que catapultó a Alan Moore antes de V de Vendetta y Watchmen, y descubrió a Neil Gaiman antes de Sandman. Pero también el relato frustrado que este último nunca acabó. Una que, ahogada en batallas legales, no tuvo recopilaciones ni adaptaciones. Después de 20 años de litigios, Gaiman y el dibujante Mark Buckingham retomarán ahora su aventura donde la dejaron.

El lanzamiento de Miracleman: La edad de oro, que llegó hace unas semanas a las estanterías españolas es mucho más que una noticia, es un evento histórico. Por fin se reeditan los primeros cómics que escribió Gaiman a principios de los noventa. Por fin podrá cumplir el sueño de acabar la historia del superhombre que heredó de Moore.

"¡Mirad! Os muestro al superhombre... Es este relámpago, ¡es esta demencia!" 1982. Todo comenzaba con una cita de Nietzsche y el despertar de Michael Moran, un periodista cuarentón que se da cuenta de que al gritar Kimota se convierte en un justiciero añejo, con poderes de un dios y mallas azules y rojas. Entonces descubre que nada de lo que sabía era cierto. Su mundo y su matrimonio estaban a punto de derrumbarse. El ridículo origen del personaje, creado en los cincuenta por Mick Anglo como respuesta británica a los tebeos estadounidenses, quedaba atrás. Moore quería hacer un retrato metafísico y revisionista del übermensch y de los cómics de superhéroes clásicos. La pequeña revista británica Warrior (que también editó V de Vendetta) lanzaba una etapa llamada a cambiar la forma de escribir cómics de superhéroes.

"Miracleman era el cómic de segunda mano más buscado", explica Jesús Marugán, propietario de la tienda madrileña Akira cómic. Y es que la obra no había vuelto a pisar una estantería hasta que en 2013 la editorial Marvel logró poner de acuerdo a todas las partes implicadas en su complicada propiedad.

"Conceptualmente la historia de Moore es más importante que la posterior Watchmen", clama el editor de Panini, Alejandro Viturtia, encargada de publicar el cómic hasta entonces prácticamente imposible de encontrar en español. "Es la continuación de la definición del superhéroe que Stan Lee hizo en los sesenta con Spiderman o La Patrulla X". Moore, eso sí, firma sin nombre, simplemente como Guionista original. La condición por la que el enfant terrible cedió su parte. "Dejemos a Moore hacer lo que quiera y disfrutemos de su obra fundamental", subraya Viturtia. Sí colaboraron con la edición los dibujantes Garry Leach y Alan Davis, que ayudaron al equipo de restauración y que han creado portadas para la ocasión.

Moore trastocaba el origen del personaje, nacido como una copia del Capitán Marvel de DC, para desmenuzar un retrato intimista sobre lo que significa ser un héroe. No había nada cándido en su Miracleman. ¿Cómo responderá a sus poderes una sociedad paranoica por los residuos atómicos? ¿Y su mujer? ¿Y el Gobierno que trató de destruirlo? ¿Cómo reconfigurará el mundo un nuevo panteón de dioses? El revisionismo por el que Moore se hizo aclamado, en estado puro, con diversas capas de metalenguaje. El autor había llegado para destruir y refundar el género de los superhéroes. El británico de la gran barba se hizo experto en dinamitar un concepto y volverlo a construir desde una perspectiva moderna. Así lo hizo también con La Cosa del Pantano o con sus historias de Superman y Batman.

20 años cogiendo polvo

"Era el Moore que faltaba", subraya Marugán. Su etapa llegó a España en 1990, con cinco años de retraso, pero la de Gaiman, que permaneció dos años en el título, ni siquiera tuvo tiempo de ver la luz. El responsable de American Gods había tomado las riendas de su maestro, pero nunca pudo acabar su historia. El relato fue cancelado súbitamente tras la bancarrota de la editorial Eclipse. El entonces imberbe escritor solo desarrolló ocho de los 18 números que planteó al lado del rompedor Buckingham. Su historia era una especie de Sandman antes de Sandman, historias cortas y autoconclusivas sobre personajes menores o secundarios que rompían con su estilo personal las barreras entre viñetas y narración convencional. Entre sus invitados, por ejemplo, estaban unos clónicos Andy Warhol.

Su historia, que buceaba en la recién creada utopía que habían erigido el clan de superhombres, chocó de bruces con el cierre de Eclipse. El número 25, acabado pero no coloreado, nunca se publicó. Desde entonces, el de Portchester ha sido el más implicado en la batalla legal por Miracleman, luchando codo con codo con Marvel para rescatarlo del silencio. Fundó la compañía Marvels and Miracles LLC para recuperar su "propiedad", e incluso escribió dos series para la Casa de las ideas, 1602 y Eternals, con el objetivo de financiar el litigio. La idea ahora es reunir de nuevo a la pareja para, dos décadas más tarde, continuar su historia inacabada.

Pero llegar a este punto no fue sencillo. Miracleman había sido editado por tres compañías. Sus derechos, asimismo, se repartían de una manera mucho más complicada y equitativa a como lo hacen las grandes editoriales, propietarias únicas de sus personajes. El 30% de los derechos del personaje pertenecían el fundador de la revista editora, Dez Skinn, y otro tanto iba para Moore y el dibujante Garry Leach —que eran además propietarios de las historias con su firma—. El otro 10% era para la editorial matriz. Con la llegada de nuevos autores, cada uno tomaba su porción. Alan Davis cogió el 30% de la editora, mientras que Gaiman distribuyó con su dibujante la parte heredada de Moore.

La matemática se complicó cuando Eclipse cerró y su parte revertió a los autores. En 1996, el magnate y creador de Spawn, Todd McFarlane, vio en esta situación un vacío legal (y una oportunidad), así que se compró la editorial por 25.000 dólares. Su objetivo: recuperar Miracleman y aprovecharse de los ejemplares que registraban récords en el mercado de segunda mano. La decisión enfureció a Gaiman, que veía cómo se le iba de las manos la pelea por su propiedad. Pero, paradójicamente, el británico poseía tres personajes de Spawn. Así que los utilizó para luchar contra McFarlane. Uno de ellos, Angela, aterrizó en 2013 en Marvel como parte del acuerdo para reunir los derechos de su añorado héroe.

En 2001, McFarlane anunció a bombo y platillo la llegada de Miracleman a Image e incluso presentó a Mike Moran en la serie Hellspawn. Pero Gaiman ganó las demandas de autoría que interpuso, evitando que su alter-ego con poderes apareciera. McFarlane se conformó con una copia llamada Man of Miracle y en valerse de su poder juguetero para lanzar una línea de figuras.

El autor británico paró aquel proyecto y dedicó a su antiguo asociado su trabajo "a sueldo" en Marvel: "A Todd, por hacerlo necesario". Se abre un capítulo en la historia de esta leyenda urbana. Gaiman vuelve al cómic que lo convirtió en mito.

Una escuela de Cómic en la Provincia de Jaén


Aquí os dejamos una información que desde el Festival de Cómic nos da mucha alegria. Poco a poco el mundo del cómic se abre camino en la provincia.

En la imagen tenéis toda la información si queréis contactar con ellos.

Les deseamos toda la suerte del mundo.

miércoles, 13 de julio de 2016

Muere el editor de cómics Paco Camarasa


El editor alicantino Paco Camarasa, fundador de Edicions de Ponent, editorial asentada en la provincia de Alicante y considerada un referente del cómic nacional, ha fallecido a la edad de 52 años, según han informado a Efe fuentes cercanas al fallecido. El funeral por Paco Camarasa se oficiará el martes, a las 10.30 horas, en la iglesia de Castalla (Alicante).

Edicions de Ponent se fundó en 1995 con la finalidad de impulsar el mundo del cómic y, "a través de su emblemática colección Mercat, comenzó su labor editorial publicando libro gráfico, cuya principal característica es la calidad en cuanto a forma y contenidos", según indica en la web de la editorial.


"Autores consagrados y nuevas promesas del cómic han contado sus historias en la Colec.ció Mercat desde 1995 hasta hoy: Sento, Micharmut, Calatayud, Max, Pere Joan, María Colino, Keko, El Cubri y Ana Juan, son algunos de ellos", destaca. Edicions de Ponent obtuvo, entre otros galardones, el Yellow Kid en 2005 y el Millor Contribució Cultura del Cómic en los XII Premios Turia 2003.

El vicerrector de Cultura, Deportes y Política Lingüística de la Universidad de Alicante (UA), Carles Cortés, ha lamentado "la desaparición de un emprendedor de la cultura", como ha definido a Paco Camarasa, y ha considerado que será "difícil" su relevo.

"Era una persona ejemplar y una figura muy importante en la actividad cultural de la provincia de Alicante, no solo como editor, sino también como impulsor de otras iniciativas y premios en el ámbito de la cultura", desde su filantropía, ha dicho Cortés. 

Además, ha indicado, destacó por ser una persona comprometida con el tejido empresarial de la provincia y por desempeñar una labor como editor en la que se caracterizó por "el cuidado" y "el lujo" de las ediciones, tanto en su forma como en su contenido, y por ser "muy exigente" en sus productos.

Por su parte, el concejal de Cultura en el Ayuntamiento de Alicante, Daniel Simón, ha manifestado que el fallecimiento de Paco Camarasa es una "pérdida irreparable" para el mundo del cómic. Simón ha subrayado que Edicions de Ponent es un referente del cómic nacional, del que han salido trabajos independientes y de gran calidad, entre otro El arte de volar, Premio Nacional de Cómic en 2010.

martes, 12 de julio de 2016

ABC:La vida del Bosco llega al cómic


No hay muchos datos acerca de la vida del Bosco (1450-1516), así que reflejar su biografía en forma de viñetas requiere una gran labor de investigación, tanto acerca del propio pintor como de la existencia diaria en una ciudad como Den Bosch (en español, Bolduque) entre los siglos XV y XVI. El autor holandés Marcel Ruijters (1966) dedicó cuatro años a esta labor para sacar adelante «El Bosco», publicado por Rey Naranja Editores. Una lectura muy recomendable para acompañar la exposición que le dedica el Museo el Prado, hasta el 11 de septimbre, por su V centenario.

Así, con retazos, pistas y elementos de sus cuadros, Ruijters reconstruye la historia de uno de los pintores más geniales y desconocidos del mundo del arte. Para ello a veces tiene que recurrir a ciertas dosis de ficción con visos de realidad.

Una de las principales preguntas que se hace Ruijters es de dónde salían esos pequeños monstruos que pueblan, sobre todo, su obra más conocida, «El jardín de las delicias». La respuesta está en lo que se presentaba delante de sus ojos cada día: brutales ejecuciones públicas, mendigos, enfermos de lepra o afectados por lo que se conocía como «fuego de San Antonio» (producido por a la ingesta de un hongo que crecía en el centeno y el trigo, sus afectados solían tener las extremidades deformadas)... Todo ello era habitual por las calles en aquella última etapa de la Baja Edad Media.

Hieronymus van Aken, nombre real del Bosco, procedía de una familia de pintores. Su abuelo se instaló en la ciudad hacia 1427, y tanto sus hijos como sus nietos continuaron sus trabajos en el taller fundado por él. Nuestro protagonista compartía el trabajo con sus dos hermanos varones y, como algo excepcional en la época, con una mujer, Katelijn, casada con el mayor, Goessen. Aunque este último era el maestro pintor, pronto Hieronymus destacaría como el de más talento de la familia.

Aquí es donde arranca la narración, con los cuatro artistas tratando de sobrevivir a base de encargos de instituciones religiosas y gente acomodada, aunque también, en un «flashback», se nos muestra cómo un niño Hieronymus asiste horrorizado al incendio de la ciudad, que realmente ocurrió en 1463, aunque por suerte apenas afectó a la casa de los Van Aken.

Poco a poco los «diablillos» van poblando la imaginación del Bosco, que hace un intento por salir de la su ciudad natal acompañando al maestro de obras Allart Duhameel, quien trabajaba en la construcción de la catedral. El pintor se arrepiente y vuelve enseguida para no volver a intentarlo, pero, debido a su fama, son sus obras las que acaban viajando por todo el mundo.

Marcel Ruijters utiliza para retratar aquella época un dibujo muchas veces grotesco, pero que casa muy bien con el momento histórico en que aparece «El jardín de las delicias». Unos rasgos caricaturescos que también resultaron muy adecuados para su adaptación del «Infierno» de Dante Alighieri, que le valió el título de mejor novela gráfica de los Países Bajos en 2008.

lunes, 11 de julio de 2016

En preparación lo nuevo de Alfonso Azpiri



Empezamos a conocer la nueva publicación de Alfonso Azpiri que sacará Dibbuks en septiembre.

Estaremos muy atentos.



domingo, 10 de julio de 2016

Personajes de lo nuevo de Juanma Cañada Aguilera


Diseños de personajes para CUARTO REICH escrito por Rafael Jimenez Sanchez, seguro que no hace falta deciros de que bando estarán estos uniformados señores.

sábado, 9 de julio de 2016

Tokio convertirá la casa de los «dioses del manga» en un museo


Los conocidos como «padres del manga» no solo compartían su afición por los cómics japoneses y su talento en el dibujo de los mismos, también convivían, muchos de ellos, en la célebre residencia Tokiwa de Tokio.

El edificio de madera, que fue demolido en 1982 debido al deterioro de la estructura, será reconstruido y reconvertido en un museo del tebeo y la animación japonesa. Este se alzará a 200 metros de su ubicación original en el barrio tokiota de Toshima y abrirá sus puertas en marzo de 2020, coincidiendo con el año de celebración de los próximos Juegos Olímpicos de Tokio.

«Esto atraerá a los turistas que visitarán la capital japonesa con motivo de los Juegos Olímpicos de verano», explicó Yukio Takano, alcalde de Toshima, en una rueda de prensa. Además, Takano señaló que «el museo enseñará a las generaciones más jóvenes qué representa Tokiwa, donde se originió la actual cultura del manga».

Así, el museo será un punto de encuentro para los aficionados del mundo del manga, ya que podrán visitar las habitaciones del bloque de apartamentos de dos pisos donde residieron artistas mundialmente reconocidos como Osamu Tezuka, alias «el dios del manga», que vivió en Tokiwa durante los años 50 y creó series como «Atom Boy» («AstroBoy» en el exterior) o «Nueva isla del tesoro».

Destacan también otros residentes como el autor de «Cyborg 009», Shotaro Ishinomori, más conocido como «El rey del manga», Fukijo Fujio, pseudónimo empleado por la pareja de dibujantes que creó «Doraemon», o Fujio Akatsuka, gigante del cómic humorístico en Japón.

En cuanto a la reconstrucción del inmueble, el exterior será reconstruido reproduciendo fielmente las características del edificio original, mientras que en el interior, que correrá a cargo de la dibujante Machiko Santonaka, las galerías se ofrecerán en un espacio aproximado de 420 metros cuadrados.

jueves, 7 de julio de 2016

Iron Man, mujer y negra ¿Llegará al cine el nuevo personaje de Marvel?



Tenemos nuevo «Iron Man» (hombre de hierro) aunque la realidad es que es de hierro, pero no hombre. Acostumbrados ya a Tony Stark, Marvel, como los Oscar, ha decidido adaptar uno de sus personajes a la realidad demográfica: el nuevo «Iron Man» será mujer y negra.

De momento la versión ya está disponible en cómic y veremos si, como otras heroínas, pega un salto al cine. Marvel trabaja ya en su nombre.

Riri Williams, que así se llama, es un genio de la ciencia que se inscribe en el MIT a los 15. Llama la atención de Tony cuando construye su propio traje de Iron Man en su dormitorio.

El creador de «Iron Man», Brian Michael Bendis, también padre (junto a otros dibujantes de la nueva hornada Marvel) de Williams, ha valorado en Time el nacimiento de este nuevo personaje de Marvel que se inspira en una historia real vista en Chicago por Bendis. «La de una mujer brillante y joven cuya vida se vio empañada por la tragedia que fácilmente podría haber terminado en la calle y entregada a la violencia». La persona real en que se inspira la nueva «Iron Man» continúa en la universidad, donde destaca hasta ser hoy una reconocidísima científica. «Era la versión más moderna de una historia de superhéroes o superheroína que jamás había oído», asegura Bendis.

Riri Williams ha aparecido hasta la fecha en el último número de Iron Man, donde asombra al superhéroe tras haber creado un robot similar en su habitación y con escasos medios. Responde a la necesidad de «no volvernos paranoicos creyendo que arruinamos la infancia de algunos niños, que en realidad de mayores nos reprochan que seguimos haciendo el mismo cómic que leían a los 10». bromea el dibujante.

El personaje ha creado cierta controversia, y en Marvel son conscientes: «No creo que las personas se den cuenta de lo racista que suenan», opina Bendis. Polémico o no, a buen seguro veremos pronto en cine a esta nueva heroína basada en la realidad y que toma el testigo del viejo y arruinado Spark.

miércoles, 6 de julio de 2016

Nuevo proyecto de Juanma Cañada Aguilera


Nuestro amigo Juanma Cañada estainmerso en un nuevo proyecto que esperamos ver pronto en la calle.Aquí os dejamos unas palabras suyas al respecto:

"El nuevo proyecto en el que ando metido como dibujante va cogiendo forma, una historia escrita por el incombustible Rafael Jimenez Sanchez repleta de acción, superheroes y Nazis malvados todo ambientado en la America de los años 50, que mas se puede pedir?? Estad atentos porque va a ser la bomba.."

martes, 5 de julio de 2016

ABC:El asombroso parecido del nuevo villano de Marvel con Donald Trump


Modaak es el nuevo villano de Marvel que aparece en el último anuario de Spider Gwen. Creado por Jason Latour, su nombre está formado por las siglas Mental Organism Designed as America’s King (Organismo Mental Diseñado como Rey de América en inglés)

Con el mismo tinte de pelo que Trump, traje dorado y aversión a los extranjeros, Modaak parece ser el doble del candidato republicano a la Presidencia de Estados Unidos.

Las imágenes del cómic, publicado el pasado 29 de junio, que atestiguan el parecido ya han aparecido en Twitter, de acuerdo con el periódico británico The Telegraph.

lunes, 4 de julio de 2016

El primer ministro canadiense, de cómic


Portero de discoteca, instructor de esquí, profesor de colegio, actor de miniserie, diputado, primer ministro y, dentro de pocas semanas, Justin Trudeau también incursionará en las páginas de un tebeo de Marvel. El 31 de agosto saldrá a la venta el quinto número de Civil War II: Choosing Sides, y en una de las portadas alternativas y a lo largo de varias páginas aparecerá el político canadiense, aunque sin traje y corbata; tampoco con capa y antifaz.

El 31 de marzo de 2012, el entonces diputado liberal Justin Trudeau se enfrentó en un combate de boxeo al senador conservador Patrick Brazeau, en un evento con fines benéficos en Ottawa. Trudeau venció en el cuadrilátero. Su aspecto en el cómic es muy parecido al de aquel día: pantalón corto deportivo, camiseta sin mangas con la hoja de arce impresa en el pecho, guantes rojos y tatuaje de un cuervo amerindio en el hombro.

“Es un primer ministro intrépido y joven con gran apoyo, además es muy sociable con los medios. La idea de dibujar a Trudeau como boxeador obedece a estos rasgos de su personalidad, a modo de reflejar esa frescura que escapa de lo convencional”, señala Ramón Pérez, el encargado de dibujar a Trudeau.

Nacido en Toronto, de padre español y madre polaca, Pérez comenta que Marvel le pidió al principio una imagen de Trudeau acorde con la del político tradicional, pero siempre supo que debía hacer algo diferente y la figura de boxeador le pareció idónea. “Aceptaron mi propuesta, aunque al inicio dudaron un poco y me preguntaron si no era mejor dibujarle con prendas de vestir más largas”, afirma entre risas.

En la portada alternativa, Trudeau está rodeado de Puck, Aurora y Sasquatch, integrantes de Alpha Flight, un equipo de superhéroes canadienses. También se divisa en el fondo a Iron Man. La historia se centra en el trabajo de Alpha Flight en un programa de defensa mundial. Igualmente aparece Ulysses, un nuevo personaje con la capacidad de predecir eventos futuros. Las dudas éticas surgen entre los superhéroes sobre el uso de este poder, así que recurren a Trudeau en busca de consejo.

En declaraciones a The Canadian Press, Chip Zdarsky señaló que Marvin le pidió un guion con superhéroes oriundos de Canadá. Tuvo entonces la idea de incluir a Trudeau en la trama. “Parece estar muy asociado en este momento a la cultura popular canadiense, justo detrás del rapero Drake”, expresó.

Thierry Giasson, experto en comunicación política en la Universidad Laval de Quebec, comenta que el perfil de Trudeau está vinculado también con el uso de nuevas tecnologías, e incluso el primer ministro se ha declarado seguidor de la ciencia ficción. Señala de igual modo que Trudeau comparte con otras figuras de la política el hecho de llamar la atención en otras esferas y de participar en ellas, algo que no es nuevo, pero que se ha ido acentuando con el tiempo. Así, no es sorpresivo ver cada vez más “cameos” de políticos en películas, series televisivas y cómics.

Justin Trudeau no es el primer político que aparece en una historieta de superhéroes. Su padre, Pierre Elliot Trudeau, figuró en un número de Uncanny X-Men. Los mandatarios estadounidenses son los más asiduos en este tipo de cómics. Franklin D. Roosevelt regaló un escudo al Capitán América, Kennedy y Reagan interactuaron con Superman, Richard Nixon solicitó apoyo a Los cuatro fantásticos e, igualmente, Obama –coleccionista de cómics de Spider-Man- protagonizó una historia con el superhéroe trepador de edificios.

Pero el tebeo también ha mostrado dibujos de algunos enemigos de las democracias. Abundan las historietas donde el rival a vencer es Hitler, Sadam Husein enfrentó una vez a Black Panther y, en una pieza memorable, el ayatolá Jomeini colaboró con The Joker en maléficos proyectos, pero Batman y Superman intervinieron a tiempo.

Respecto al cómic donde aparecerá Trudeau, cabe destacar que el guionista Chip Zdarsky contactó a la oficina del primer ministro para informar sobre el proyecto. Le respondieron que pese a que no podían respaldar la historieta, estaban de acuerdo en que continuara con sus planes. Thierry Giasson señala que diversas voces en Canadá, tanto en la prensa como en los corrillos políticos, coinciden en que el primer ministro debería concentrarse más en su trabajo y menos en su imagen. No obstante, dice que la historieta difícilmente provocará problemas a Trudeau, ya que resalta una vez más ese lado amable que tan buenos resultados le han generado. Ramón Pérez comenta que hasta el momento no ha tenido noticias sobre la opinión del primer ministro respecto al cómic. “Veremos lo que diga”, añade.

domingo, 3 de julio de 2016

Nuevo vídeo de los invitados del IV Festival de Cómic Europeo de Úbeda


Seguimos con las entrevistas a nuestros invitados de la IV edición del Festival de Cómic Europeo y en esta ocasión le preguntamos sobre que les parece que hagamos este evento en la ciudad de los cerros.

viernes, 1 de julio de 2016

La crónica ilustrada por Sileno de la Primera Guerra Mundial, en el Museo ABC


Cuando amaneció el 28 de junio de 1914, el mundo no imaginaba que ese día cambiaría la Historia. El asesinato en Sarajevo del archiduque Francisco Fernando de Austria provocó un efecto dominó en todas las potencias, que acabó con el estallido de la Gran Guerra. El 2 de agosto aparecía publicado en ABC un dibujo en el que los líderes mundiales bailan cogidos de la mano una danza de alianzas. Está firmado por Sileno, el gran caricaturista político español, al que el Museo ABC le dedica una exposición, «Tambores de guerra», centrada en su monumental crónica ilustrada de la I Guerra Mundial. No pisó el campo de batalla, pero desde la retaguardia, armado con una pluma (muy afilada, por cierto), supo dibujar como pocos esa otra guerra (más geopolítica que histórica) que se libró en los despachos de los Gobiernos de los países combatientes.

España vio los toros desde la barrera. Así dibujó Sileno la decisión del Gobierno de Eduardo Dato de mantener la neutralidad. El humor de Sileno, en cambio, fue casi neutral. Como explica el comisario de la exposición, Víctor Zarza, se le acusó de ser germanófilo y abiertamente anglofóbico. Sus filias y fobias se advierten entre líneas en sus ilustraciones. La mayoría de las veces, de forma sutil, velada. Y es que sus críticas, siempre ácidas, eran muy inteligentes. «Fue un hombre culto. Tenía un sentido del humor muy fino y agudo. A menudo utiliza la parodia», añade Zarza.

e los más de 3.700 dibujos de Sileno que atesora la Colección del Museo ABC, 540 están centrados en la I Guerra Mundial. Para esta muestra se han seleccionado 90. Aborda en ellos los hechos más trascendentales de la contienda, como las batallas de Verdún, Dardanelos y el Somme (el viernes se conmemora el centenario del comienzo de esta última, una de las más largas y sangrientas), el desembarco de Galípoli, la entrada de Estados Unidos... La I Guerra Mundial dejó un terrible saldo: unos 10 millones de soldados y siete millones de civiles perdieron la vida. Pero la muerte apenas se asoma en los dibujos de Sileno (tampoco hay sangre, ni bayonetas). Solo aparece en diez. El más sobrecogedor, uno publicado el 27 de marzo de 1916 sobre la Batalla de Verdún. En él su personaje más popular, Gedeón, se quita el sombrero y contempla emocionado un campo sembrado de muertos.

Este Pepito Grillo pícaro y bonachón da nombre a una revista que se gestó, como cuenta Víctor Zarza, en 1895 en una tertulia de periodistas que solía reunirse en la cervecería La Iberia, en la madrileña Carrera de San Jerónimo. Nació como semanario satírico. Se autoproclamaba «el periódico de menos circulación de España». Acabó siendo un suplemento de ABC de tres páginas. Para dar vida a Gedeón, Sileno se inspiró en el cerillero de La Iberia. Le puso barriga cervecera y una nariz prominente. Ocultaba su calva con un sombrero, vestía levita y llevaba bastón. Solía disfrazarlo. Zarza lo ve «como un antecedente del popular Mortadelo de Ibáñez». Años más tarde Sileno fundaría una nueva publicación satírica, «Buen Humor», donde colaboraron nombres como Jardiel Poncela, Tono, Mihura, Neville, los hermanos López Rubio... y de la que fue heredera «La Codorniz».

Narró Sileno la Gran Guerra publicando una o dos viñetas religiosamente cada semana tanto en ABC como en Blanco y Negro, donde colaboró, intermitentemente, desde 1893 hasta 1939. Es una de sus señas de identidad, junto a nombres como Mingote, Xaudaró, Eulogio Varela, Enrique Climent, Méndez Bringa... Como curiosidad, en el ABC republicano tres de sus viñetas fueron manipuladas: cambiaron su texto por otro. Para la directora del Museo ABC, Inmaculada Corcho, esta exposición «nos descubre a un maestro del dibujo y a un gran caricaturista político, uno de los grandes maestros que renovaron la ilustración española».

Dardos contra Inglaterra
Sus dardos envenenados apuntan especialmente a una diana: Inglaterra. La dibuja como una mano en cuyos dedos aparecen los dirigentes de las potencias aliadas como si fueran títeres manejados por ella. En otra viñeta retrata a John Bull (personificación nacional del Reino Unido en el humor gráfico político) como el Hamlet shakespereano, solo que en vez de calavera porta en su mano la bola del mundo. Y en una tercera, demoledora, un fusilero inglés posa sonriente con una pipa en la boca y apoyado en su arma. Tras él, dos muertos con los carteles de traidor y desleal. Sileno contaba así el alzamiento en 1916 de unos paramilitares independentistas de Irlanda contra el Gobierno británico y la reacción de éste al intento de crear la República irlandesa. ¿Cómo dibujaría hoy el triunfo del Brexit?

Hombre entreguerras (nació poco antes de que estallase la Guerra Franco-Prusiana y murió en plena II Guerra Mundial), también analiza en sus viñetas otros asuntos colaterales de la contienda, como el bloqueo económico y la guerra de propaganda. Ejemplo de esta última, un curiosísimo dibujo en el que se están peleando un soldado ruso y otro alemán. Sileno lo firmó arriba y abajo con el objetivo de que se pudiera exhibir de dos formas: dando la vuelta al dibujo, el ganador era uno u otro. Además, utiliza muchas alegorías, como si fueran fábulas: a cada país atribuye un animal.

Sobre las peculiaridades del estilo de Sileno, comenta el comisario que su dibujo «es sintético, expresivo y dinámico». Nada fue ajeno a las irónicas observaciones y comentarios críticos de Sileno. Aunque sus caricaturas políticas ensombrecieron el resto de su trabajo, su carrera fue mucho más amplia: también abordó la ilustración de textos literarios, realizó escenas costumbristas, siluetas negras... Veinte obras dan buena fe de su trayectoria en la exposición.

La muestra cuenta con la colaboración del Gobierno de Flandes y el Museo de Brujas, que ha cedido una docena de fotografías tomadas por Arthur Bruselle y los hermanos Maurice y Robert Antony entre 1918 y 1921 de un Flandes en ruinas. Los antiguos negativos en vidrio han sido digitalizados por Carl de Keyzer, fotógrafo de Magnum.

En un dibujo publicado el 10 de noviembre de 1918, Sileno ilustra el fin de la Gran Guerra con un puzle en el que se trata de recomponer a la vieja Europa destrozada. Fue una guerra, advierte Víctor Zarza, que todos perdieron en mayor o menor medida. La guerra que nadie supo ganar.