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miércoles, 30 de noviembre de 2016

Muere Micharmut


El pasado domingo moría en su Valencia natal, tras una larga enfermedad, el que puede considerarse como el mayor innovador del cómic español: Juan Enrique Bosch Quevedo, “Micharmut”. Considerado como uno de los referentes más importantes de la vanguardia en el cómic, sus primeros trabajos se dan ya en los años 70 en fanzines como Ademuz Km.6 o El Gat Pelat, donde comienza a compartir espacio con autores como Sento Llobell, Manel Gimeno, Mique Beltrán, Miguel Calatayud o Daniel Torres. Tras estas primeras incursiones, colabora en el proyecto Els tebeus del Cingle con Bzzz (1977), una atrevida publicación donde ya deja evidente su querencia por la absoluta ruptura de las claves del medio. A partir de los 80, con el boom del cómic de autor en España, colabora en revistas como Bésame Mucho y, más tarde, la mítica Cairo, donde coincide con el resto de autores valencianos en una generación de autores que estaría llamada a revolucionar el cómic europeo. Conocidos como “La Nueva Escuela Valenciana”, en una etiqueta afortunada mediáticamente —aunque la mayoría de ellos la rechazaran—, formaron un grupo ecléctico en el que el estilo limpio de la línea clara se articulaba como eje común y donde la figura de Micharmut se revelaba como indispensable e influyente. Reconocido por casi todos sus compañeros como el gran innovador, como el aquél que animaba a romper barreras, su obra se reveló rápidamente como incómoda para una industria y público que difícilmente aceptaba la radical vanguardia de propuestas tan rupturistas como Dogon, Glen Radar o, sobre todo, la magistral Raya. Profundo estudioso de la cultura popular, las obras de Micharmut eran una reescritura de los clásicos de la historieta y novela popular proyectada con fuerza hacia el futuro a través de un grafismo de inusitada potencia y extrema rebeldía. Una constante que trasladaba también a sus diseños gráficos, que en los años 80 iluminaron la ciudad de Valencia en carteles, pubs o librerías. Adelantado a su tiempo, en 1990 rompía cualquier canon de la historieta con Marisco (La General Ediciones), pero ahondando en una etiqueta de autor de culto para unos y maldito para otros, de la que ya no se desprendería. A partir de 1995, se une al también recientemente fallecido editor Paco Camarasa para crear la revolucionaria colección Mercat con Veinticuatro Horas, una obra que profundiza en su peculiar visión creativa, que transforma lo inorgánico en pura vitalidad gráfica. Con el mismo editor publicaría obras como La noche de la rata (2001), Pip (2004) o Arf (2005).

Su desbordante imaginación encontraría en la web un lugar donde dar salida a su constante caudal creativo con el blog Solo para moscas. Desde enero de 2008, prácticamente toda su obra —excepción hecha de la coordinación del Almanaque Comestible (2009) o el Almanaque del Fin del Mundo (2011)— se publicaría a través de esta vía, dando rienda suelta a todas sus inquietudes sin la presión y la dificultad de ser publicado en papel. En esta página aprovechó además las posibilidades de la creación digital para explorar nuevas ideas y posibilidades, siempre investigando en el filo de la navaja, retándose a sí mismo sin misericordia a la hora de traspasar cualquier línea roja preestablecida. En 2012, Edicions de Ponent publicó un recopilatorio de lo publicado con el mismo título del blog, Solo para moscas, que se alza como un monumento imponente a la vanguardia en la historieta que puede ser calificado, sin temor, como la obra que marca el camino del cómic del siglo XXI.

Tras esta edición, en 2013 creó un nuevo blog con el que buscar nuevos retos: Teatro eléctrico; un proyecto que queda, por desgracia, inconcluso. Su última historieta publicada en papel, Time in Time Out, en la antología Panorama (Astiberri, 2013), una alegoría sobre la muerte, resultó inquietantemente profética.

Con su desaparición, el noveno arte pierde a uno de sus autores más vanguardistas, que deja una obra que resiste a cualquier clasificación posible, ninguna otra etiqueta que no sea la de genial.

martes, 29 de noviembre de 2016

RTVE:Las nuevas y "terrenales" heroínas del cómic


'El cómic está lleno de heroínas, aunque hay personajes femeninos que no usan superpoderes para superar a sus previsibles adversarios, como ocurre en La historia de mis tetas (Reservoir Books), Amarga Rusia (Norma) o Las emocionantes aventuras de Lovelace y Babbage (Editorial UOC), tres obras protagonizadas por mujeres con los pies en el suelo.

'La historia de mis tetas'
Si la historietista norteamericana Jennifer Hayden quería llamar la atención con el título de su primera novela gráfica larga lo ha conseguido: La historia de mis tetas (Reservoir Books) es un intenso relato autobiográfico sobre la importancia que estos apéndices han tenido en su vida, primero como obsesión por su tamaño cuando era una adolescente, y ya, de adulta, por la aparición de un cáncer que le obligó a extirparse los pechos.

Hayden narra con humor, toques surrealistas y ciertas pinceladas de terapia de autopsicoanálisis, el shock que sufrió cuando, con 43 años, le diagnosticaron cáncer de mama, el mismo que había sufrido su madre, otra superviviente como la propia Jennifer, con la que la autora había tenido siempre una relación afectiva complicada.

El ansia de supervivencia, la importancia del apoyo de su marido y de la familia para poder afrontar el día a día, la muerte de otras mujeres cercanas por la misma enfermedad, las recaídas anímicas... Hayden no parece olvidarse de nada en esta novela gráfica elegida por The New York Times entre las mejores de 2015.



'Las emocionantes aventuras de Lovelace y Babbage'

La animadora canadiense Sydney Padua -con la reciente versión de El libro de la selva de Disney a sus espaldas- sabía muy poco de la figura de Ada Lovelace cuando una amiga le propuso hacer un cómic para internet sobre esta matemática victoriana hija de Lord Byron, para muchos madre de la informática moderna gracias a los trabajos teóricos que realizó junto a su colega Charles Babbage (quien como hombre logró un trato más generoso en los libros de historia).

El personaje le resultó tan apasionante, explica Padua, que se dedicó a investigar a fondo sobre una joven que, con el apoyo de su madre, que la apartó del ambiente poético romántico, rompió los miriñaques que enconsertaban a las mujeres de la época al preferir la ciencia teórica y los números al punto de cruz y al piano al que por origen social y género estaba abocada.

Las emocionantes aventuras de Lovelace y Babbage (Editorial UOC) es una divertida -y densa- aproximación en forma de novela gráfica a los trabajos de esta pareja de matemáticos, con material inédito encontrado por la autora en su rastreo, al que aporta además una trama de ficción sobre el desarrollo de la llamada "máquina de las diferencias", ingenio que la pareja no llegó a ver realmente materializado, aunque Padua se tome aquí esa licencia.

"Después de leer tanto sobre ella sigue siendo un personaje misterioso y complejo, no la conozco realmente", reconoce la autora sobre la única hija legítima de Byron, a la que se atribuye la autoría en 1843 del primer programa informático completo de la historia, antes de morir a los 37 años.

La obra ha recibido el Premio Neumann de la Sociedad Británica de Historia de las Matemáticas y ha sido nominada a dos premios Eisner (los Oscar del cómic) como mejor álbum gráfico y mejor artista, un hito al tratarse de una primera novela.

La traducción española ha sido iniciativa del departamento de Estudios de Informática de la Universitat Oberta de Catalunya, deseosos de promover vocaciones femeninas en el ámbito de las TIC, donde las mujeres cuentan con pocos referentes de su género.



'Amarga Rusia'

El argumento de Amarga Rusia (Norma) resulta por su parte más tristemente verosímil, y, de hecho, se trata de una ficción basada en hechos reales: una madre coraje rusa dispuesta a lo que sea para recuperar a su hijo retenido por un grupo insurgente en Chechenia.

La obra de la pareja francesa formada por el guionista Aurelién Docoudray y la dibujante Anior -que se publica aquí en edición integral- acompaña en este viaje a Katerina Kitaev, una frágil mujer sin recursos enfrentada al silencio administrativo de la estructura militar de su país, para quien su hijo Volodia es una simple ficha.

Tras leer en un periódico que el líder checheno que lo tiene retenido anuncia que dejará libres a los soldados rusos si son sus propias madres las que vienen a por ellos, la decisión está tomada.

Docoudray y Anior componen la crónica de un viaje de toques clásicos, una odisea a la inversa, un fresco en gama de grises sobre el enquistado conflicto en Chechenia en el que ya no queda mucho espacio para el matiz o el segundo pensamiento, sepultados bajo el ruido de las explosiones y las balas de los francotiradores.

Sin embargo, y a pesar de la atracción abisal hacia la desesperanza de los habitantes de este helado paisaje humano con los que acaba conviviendo, Katerina logra mantener su sentido práctico de la vida, una obcecación por la dignidad que le mantiene a flote, convertida en símbolo para otras madres de la Plaza Roja de Moscú.

lunes, 28 de noviembre de 2016

Paul Pope, el referente del cómic


Paul Pope está considerado justamente como uno de los grandes maestros del cómic contemporáneo. Esta semana el autor estadounidense estuvo en Barcelona, pero no por tener novedad alguna sino por vacaciones, aunque para un dibujante como él no conoce el descanso porque lo acompaña a todas partes un cuaderno de dibujo. En un encuentro con este diario, Pope explicó que en la capital catalana ha estado acabando la segunda entrega de su aclamado héroe Battling Boy. «Quería buscar inspiración, encontrarme con algunos amigos míos artistas que viven en España y, sobre todo, ver nuevo arte para alimentarme e inspirarme. Por ejemplo, pasé por Bilbao para ver la exposición de Francis Bacon. El estilo para Battling Boy es muy específico y hasta ahora me había alimentado de Moebius o Jack Kirby. Ahora estoy preparado para beber de otras fuentes», aseguró.

Pope, además de crear universos propios, ha sabido moverse a la perfección en mundos de tinta ajenos como los de Batman o, incluso, «Star Wars». A ello se le suma que su trabajo resalta en un momento en el que los superhéroes se han convertido en un recurso con el que llenar las multisalas de medio mundo. ¿Está viviendo el mundo una época dorada? El dibujante apunta que «puede ser una época dorada en términos económicos, pero no me da la sensación que lo sea en cuanto a creatividad e innovación. Lo que haga el cine me importa más bien poco, aunque hace que el género sea cada vez más popular».

Cuando se le pregunta si volvería a trabajar con personajes que no son propios y si sentió libre con ellos, Paul Pope afirma que se sintió como «un compositor de jazz. Si tomas una composición clásica, la puedes interpretar de diferentes maneras, es decir, siempre y cuando mantengas la estructura y el nucleo de la pieza siendo reconocible, puedes introducirle distintos cambios. Con Batman es un poco lo mismo: hay elementos que definen el personaje y mientras mantengas claro el objetivo concreto, a partir de ahí puedes ir más allá e incluir otros elementos».

En el portafolios de Paul Pope hay páginas ya acabadas de su nuevo Battling Boy, un personaje que parte de algunas vivencias de su infancia. «Cuando era niño viví con mis abuelos quienes estaban muy ocupados. Así que después de la escuela mi hermana y yo pasábamos mucho tiempo solos, lejos de nuestros padres. A mi sobrino le pasó algo parecido. En este sentido, Battling Boy está basado en mi sobrino y en todos esos chavales que se identifican con cierta idea de soledad y hacer las cosas bien sin saber cómo al no tener un referente», dijo el autor de esta serie que no busca dirigirse a un público de una edad concreta. Por eso, cuando se le pregunta si Battling Boy es un cuento para adultos que quieren ser niños o para niños que quieren ser adultos, aclara que «todos hemos sido niños y aún guardamos una parte de lo que fuimos».

viernes, 25 de noviembre de 2016

Dark Horse publicará las tiras cómicas de 'He-Man y los Masters del Universo'


Como parte del plan de labrarse una biblioteca respetable sobre He-Man y los Masters del Universo (o He-Man y los Amos del Universo en Latinoamérica), la editorial americana Dark Horse publicará un libro que reunirá por primera vez todas las tiras cómicas aparecidas en periódicos, porque el Príncipe Adam de Eternia, Skeletor, She-Ra, Orko y compañía también tuvieron durante años su propio hueco en la prensa. El libro, que se titulará He-Man and the Masters of the Universe: The Newspaper Comic Strips, llegará a las librerías anglosajonas el 16 de febrero de 2017 en formato tapa dura de gran tamaño, 520 páginas a color y blanco negro por un precio de 29,99 dólares.

Quizá la faceta menos conocida de esta saga de fantasía y ciencia ficción, ya que tan solo tuvo tirada en periódicos muy concretos y jamás se han reeditado —hasta ahora, claro—, estas tiras cómicas continuaban las historias de la mítica serie animada de televisión de 1983 (sus dos temporadas fueron emitidas en España una década después) y sirvieron como empuje para el relanzamiento de nuevos episodios —los de She-Ra, la Princesa del Poder—. Fue una de las sagas de fantasía pioneras en ampliar su universo en otros formatos como el cómic.

La idea del libro según el sello del caballo negro es la de enseñar por vez primera vez estos cómics a los muchos de los fans de He-Man que en su momento se quedaron sin leer las tiras cómicas —por aquello del corto alcance—. Pero Dark Horse no se ha limitado a recopilarlas y editarlas en un libro sin más, sino que estas tiras se publican restauradas para una calidad óptima y para causar buena impresión. Hablamos de unos cómics que tienen tres décadas aproximadamente, y el material seguro que no estaba precisamente en óptimas condiciones.

Por lo demás, los guionistas que dieron vida a estas tiras fueron James Shull, Chris Weber y Karen Willson, mientras que Gerald Forton se ocupó del apartado artístico —es también el artista de la portada del libro—.

Dark Horse completará así su biblioteca de He-Man junto a otros títulos ya publicados, como The Art of He-Man and the Masters of the Universe (por ahora el único que ha publicado ECC Ediciones en español), He-Man and the Masters of the Universe Minicomic Collection y He-Man and She-Ra: A Complete Guide to the Classic Animated Adventures

jueves, 24 de noviembre de 2016

El País:La segunda vida en viñetas


Hay una escena, en esa peli mala llena de ideas buenas que es Los Inmortales II. El desafío, en la que Connor MacLeod le cuenta a la chica de la peli (Virginia Madsen) todas las esposas que ha tenido a lo largo de cinco siglos. Es una escena en la que las irregulares dotes dramáticas de Christopher Lambert hacen clic y vemos en poco minutos lo que significa cargar en la mochila el peso de los siglos.

Esa escena es en sí una o varias películas. Es uno de esos momentos aleph borgianos en los que una ficción expande su dimensión temporal y es capaz de condensar en breves páginas/minutos/fotogramas todo un universo. Pues bien, en esa capacidad de las historias de ser mucho más grandes de lo que parecen reside el motivo de este artículo. Esa secuencia que recordamos de Los Inmortales II será ahora cómic.

Hace una semana, IDW —una de las editoriales independientes de tebeos que se reparten las migajas dejadas por Marvel y DC en Estados Unidos— anunciaba que en 2017 lanzará, de manera oficial, una nueva historia de Higlander. Esta historia, de la que aún no se ha revelado el título, nos invitará a descubrir cómo fueron esos siglos de vida de MacLeod, cómo vivió la Guerra Civil Americana en Pennsylvania o qué fue de sus aventuras en el Manhattan de los cincuenta. Brian Ruckley (curiosamente, escritor escocés) y Andrea Mutti serán, respectivamente, pluma y plumilla de esta resurrección.

Highlander lleva al menos una década queriendo renacer como película de Hollywood. Hasta tuvimos a un español, el tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo, cerquita, cerquita de dirigir el remake de esta cinta. Sin embargo, su nueva vida cuajará en viñetas. Y esto tiene mucho que ver con una cualidad del tebeo que comparte con la literatura. Solo se necesita una hoja en blanco para conquistar el Universo. Cualquier historia, da igual la escala de su ambición, cuesta exactamente lo mismo. Está, por así decirlo, al alcance del talento. 

Los cineastas se han ido percatando de esta cualidad del tebeo y han decidido que sus fracasos comerciales no mueran. Joss Whedon ha sido uno de los pioneros. Buffy, la Cazavampiros sumaba 144 episodios a la espalda cuando alcanzó el clímax de su séptima temporada. Hollywood le puso el semáforo en rojo y Whedon, hombre resistente a las catástrofes por haber vivido muchas, decidió que su historia podía contarse en otro medio. Buffy no viajó al cómic como mera expansión de sus universos. Buffy contó con la temporada 8, temporada 9 y temporada 10 en formato de viñetas. Así se llamaron para dejar muy claro que eran la continuación oficial de la historia. Con la ventaja ya comentada de que los tebeos no entienden de presupuesto.

Lo mismo ha pasado con la reimaginación de Star trek. Este año, hemos visto que Star trek beyond no acababa de cuajar en la taquilla. 343 millones de dólares para un presupuesto de 185 significa números rojos —como regla general, las películas tienen que doblar su presupuesto (y un poquito más) para ser rentables—. Será difícil que volvamos a ver a Chris Pine, Zachary Pinto, Zoe Saldanha y cía a bordo de la Enterprise. Pero sí podremos verlos en viñetas. IDW anunció que, con motivo del 50º Aniversario de Star trek, se animaba a continuar las aventuras de esta encarnación de la saga en formato viñeta. Star trek bodly go arranca justo donde termina Beyond. Otro ejemplo más de cómo el tebeo insufla vida allí donde el cine falla.

Michael Dougherty sabe bien cuánto puede ayudar el cómic a continuar de manera viable un fracaso comercial. Nunca me cansaré de decir que su Trick r' treat es una de las mejores películas de esta ola de nostalgia ochentera que estamos viviendo. Pero llegó, tal vez, adelantada a su tiempo, antes de que las Super 8 o Stranger things encandilaran al público. Trick r' treat nos sitúa en un pequeño pueblo de Ohio en el que colisionan todas las criaturas halloweenescas que imaginemos. Vampiros, hombres lobo, niños calabaza, espectros... La película, claramente, supone un primer vistazo a un universo fácilmente ampliable a una saga.

La película no cuajó porque ni llegó a estrenarse en condiciones debido a la desconfianza de Warner Bros en que aquello tuviera algún interés. Sin embargo, se convirtió en clásico de culto en DVD, y a finales de 2013 se anunciaba que una secuela estaba en marcha. Tres años después, nada sabemos de ella. Pero sí tenemos Trick r' treat: Days of the dead, cuatro nuevas historias en formato tebeo que nos permiten visitar este pueblito de Ohio en el siglo XVII, en el XIX o en los cincuenta.

Darkman, el Snake Plissken de John Carpenter, el Ash de El ejército de las tinieblas, el universo expandido de Star wars, 2001. Una odisea en el espacio, El club de la lucha 2... La lista es interminable. Y, sin embargo, no llegan todos los que quieren. La realidad es que Hollywood es implacable. Business is business es todo su mantra. Y así se explica que creadores como Daniel Knauf, que nos fascinó con su cancelada Carnivàle, no haya podido terminar su historia. Esta anécdota, que cuenta en una excelente entrevista A.V. Club, me parece el mejor colofón posible a estas líneas.

"Carnivàle es eso que... Odio decirle a la gente que no puedo. Hice una campaña de Kickstarter para BlackBxx [una miniserie online de terror que no consiguió la financiación por crowdfunding] y una persona me donó 1.500 dólares, una donación muy generosa, y tenía como recompensa lo típico de KickStarter, 'te invitaré a cenar'. Y lo hice, lo invité a cenar. Era el cumpleaños de su mujer y me dijo: '¿Podrías enviarle a mi mujer un email? Le darás un alegrón'. Así que me senté y pensé: 'Voy a conseguir que este tío se lo pase hoy bien en la cama'. Le iba a regalar mi email por su cumple, por navidades o por lo que fuera, y quería que le escribiera esta nota. Me senté y escribí una escena con Jonesy y Samson [personajes de la serie Carnivàle] en navidades, y fue como calzarme el par de zapatos más cómodos que haya tenido en mi vida. Fue como si, [suspira]. 'No me puedo creer lo bien que se siente caminar en estos zapatos'. El diálogo salía solo, y estaban vivos, tridimensionales. Los personajes aún estaban vivos y tenían tanto que decir y fue un auténtico placer escribirlo. Y enviárselo a otra persona que iba a tener un inmenso placer leyéndolo... Y fue como si [pausa incrédula]. '¡Qué coño! Vale, no tenía ningún sentido gastarse 3,5 millones de dólares por episodios. Hagamos una novela gráfica. ¡Contemos la historia!'. Pero son sus juguetes ahora [se refiere a Hollywood que ostenta los derechos de Carnivàle]. Es como hacer negocios con ese chico que vive calle abajo, al que sus padres le dan todo tipo de juguetes y el los deja, rotos y abandonados, sobre el jardín. Hollywood me enloquece".

miércoles, 23 de noviembre de 2016

ABC:Un coleccionista paga 1,55 millones de euros por una página de un cómic de Tintín


Un coleccionista ha pagado 1,55 millones de euros por el original de una página del álbum de Tintín «Objetivo Luna» en una subasta celebrada en París, lo que supone un récord para el personaje creado por Hergé, según ha indicado la casa de ventas Artcurial.

El original subastado, uno de los cuatro de ese cómic que hay en el mercado, está hecho en tinta china y gouache blanco y tiene unas dimensiones de 50x35 centímetros. En el mismo aparecen varias viñetas en las que Tintín, su inseparable perro Milú y el capitán Haddock vestidos con trajes espaciales y descubriendo la falta de gravedad de la luna. Es un original de un álbum de 1954 y su estimación inicial estaba entre los 700.000 y los 900.000 euros.

El precio alcanzado es, según Artcurial, «un récord mundial para una única página» de los álbumes de Tintín, personaje que refuerza su liderazgo en el mercado de subastas de cómic. En 2014 una doble página fue vendida por 2,6 millones de euros, mientras que al año siguiente se vendió otra doble de «El cetro de Ottokar» por 1,5 millones de euros.

En la misma subasta se vendió, por 1,2 millones de euros, un conjunto de cartas de felicitación firmadas por Hergé, en tinta china y acuarela, encargadas al dibujante belga en los años cuarenta y consideradas como el primer producto derivado de la saga Tintín.

martes, 22 de noviembre de 2016

ABC:Lucky Luke cumple 70 años


Este año Lucky Luke cumple setenta años. Para celebrarlo, se publican dos cómics homenaje y tienen lugar varias exposiciones así como la presentación de un libro que recopila los trabajos de Morris, el autor del mítico personaje.

El citado volumen tiene por título «The Art of Morris» y es una edición de lujo de Phil Defer que también verá la luz en formato digital. Uno de los dos álbumes homenaje ha sido diseñado por Matthieu Bonhomme, quien ha reconocido que aprendió a leer gracias a los cómics de Lucky Luke y que soñaba con escribir una historia sobre su personaje favorito. El otro es obra de Guillaume Bouzard.

Por último, el número especial que se acaba de sumar a la serie clásica, realizado por su actual ilustrador Achdé y su nuevo guionista Jul, «La tierra prometida», sigue copando las listas de ventas.

En este séptimo volumen, el vaquero solitario va a acompañar a través de las llanuras del oeste salvaje a una familia de judíos recién llegada de Europa.

domingo, 20 de noviembre de 2016

Una plancha original de Tintín, subastada por 1,55 millones de euros


Una plancha original del libro 'On a marché sur la lune' ('Aterrizaje en la luna') del historietista belga Hergé, ha sido vendida vendida por un precio récord de 1,55 millones de euros en una subasta organizada este sábado en París, según ha anunciado la casa Artcurial.

La plancha de 50 x 35 cm, dibujada en tinta china y gouache blanco, representa a Tintín, a su perro Milú y al capitán Haddock, vestidos con escafandra, mientras descubren la ingravidez en la luna y miran un "claro de Tierra". La pieza, que resume el título del volumen, superó ampliamente las expectativas ya que la valoración previa a la subasta era de entre 700.000 y 900.000 euros.

"Es una de las planchas más importantes de la posguerra que forma parte, al mismo tiempo que 'Tintín en el Tíbet' y 'Las joyas de la Castafiore', de un album mítico para muchos coleccionnistas y aficionados de historietas", había dicho antes de la venta Eric Leroy, experto del departamento historietas de Artcurial.

Otra plancha original de 'Aterrizaje en la Luna', en la que no figura Tintín ni ninguno de los otros personajes de Hergé, será subastada el martes por la casa Christie's de París. Esta plancha de 37 x 51 cm, dibujada con tinta china y gouache blanco, que interesa a los aficionados por los modelos de vehículos, está estimada entre 350.000 y 400.000 euros.

jueves, 17 de noviembre de 2016

EL Mundo:Dibujando la línea del horizonte


La culpa de todo la tiene Corto. Maltés, se entiende. El personaje creado por Hugo Pratt fascina a Paco Linares y a él le dedicó unas jornadas hace un año. Un año después, aquel proyecto de este gestor alicantino gana en continuidad y ambición y reúne a un súper equipo del cómic. Cuatro premios nacionales en esta categoría -Felipe Hernández Cava, Miguelanxo Prado, Juan Díaz Canales y Pablo Auladell- reflexionarán sobre la importancia del mar en sus obras desde este miércoles y hasta el viernes en Cigarreras.Las jornadas están planteadas también como un homenaje al editor Paco Camarasa, recientemente fallecido y a él se le dedica la conferencia inaugural y de clausura. El impulsor de Edicions de Ponent colaboró con Linares como este recuerda, «siempre tuve su apoyo», y también creía que en Alicante «se estaba creando un caldo cultural con mucha recepción para el cómic actual». Con la idea de que no hay mejor espacio para reflexionar sobre el mar que en una ciudad marítima, esta vez las aguas de los siete mares que surcó Corto Maltés cobrarían el protagonismo que el año pasado se les negó. A Linares dos nombres le vienen rápidamente a la cabeza cuando se plantea tratar este concepto. Por un lado, Miguelanxo Prado, «el que más y mejor ha trabajado el mar en sus cómics», por el otro, Pablo Auladell. Con ellos ya tenía claro que le permitirían comparar las aguas bravas del Atlántico con las tranquilas del Mediterráneo. Un océano y un mar que «condicionan al autor en su proceso creativo».

Era «inevitable» que se mantuviera la presencia del marinero errante. Esta vez en su nueva encarnación de la mano de Rubén Pellejero y Juan Díaz Canales. Ellos son los «dignos herederos» de la obra de Hugo Pratt, como apunta Linares «porque le han llevado a una altura muy importante después de la presión que tenían». «Por eso Alicante se merecía traer al Corto Maltés que tenía proyección de futuro», subraya.Linares se siente orgulloso de haber conseguido cuadrar las agendas de estos creadores y reunirlos en la mesa redonda que cerrará las jornadas este viernes. «No se ha podido hacer ni en el Saló del Cómic de Barcelona», comenta. En este encuentro fue precisamente donde aprovechó para ir hablando con ellos. Uno de los motivos con los que consiguió convencerlos fue el planteamiento del que partía. Reflexión. Frente a los multitudinarios eventos comerciales que se organizan en torno a las historietas, Linares buscaba la cercanía y el disfrutar de una buena charla. Para los dibujantes, cuenta, les resultó «novedoso que se hicieran unas jornadas sobre algo transversal». «Sin menospreciar los otros encuentros», puntualiza, «aquí queremos un contacto más directo con los autores, con entrevistas de teóricos, recuperando la esencia de escuchar un diálogo entre dos personas».Alicante, alejada de los polos de la industria Madrid y Barcelona, es de nuevo bastión de un proyecto singular. Como también lo fue con el empeño de Camarasa su editorial. Linares reconoce que «es complicado hacerlo» pero confía en que «la gente tiene hambre» de eventos de esta clase. Si montarlo admite que lo ha sentido como «si saltas al vacío», agradece la labor de años que eventos como Unicómic o el Cómic Jove del Centro 14 han impulsado y «ahora permite que llegue una cosa como la que planteo». Si Camarasa creó Ponent «e hizo cosas muy grandes con bajos presupuestos», Linares quiere poner en valor la trayectoria del editor. De él destaca su logro de que haya novela gráfica más allá de las grandes casas, permitiendo un ecosistema en el que también están presentes editoriales como Astiberri y otras que han abierto buscando un mercado más allá de los súper héroes y el manga.

El País:Las inquietantes fábulas de Anne-Marie Schneider


Dos rectángulos azules flanqueados por dos paredes acogen una cama, un armario y una mesita. El dibujo titulado Chambre (2012) es el claustrofóbico dormitorio de Anne-Marie Schneider (Chauny, Francia, 1962), la artista francesa a la que el Reina Sofía dedica su primera retrospectiva en España. Integrada por 250 piezas entre dibujos, pinturas y películas, la exposición es un inquietante recorrido cronológico por una obra que se mueve entre el humor negro, la crítica y el absurdo. La muestra se podrá ver hasta el 20 de marzo.


De Anne-Marie Schneider se saben muy pocas cosas más allá de que es violinista de formación y de que vive en algún lugar de Francia en el que sigue trabajando cada día en soledad. Nunca participa en actos públicos ni concede entrevistas. Manuel Borja-Villel, director del museo y comisario de la exposición, asegura que aunque no se ha personado en el museo, el contacto telefónico ha sido frecuente para que la artista conociera al detalle la manera en la que su obra iba a ser expuesta.

Y es en el recorrido por la amplia exposición donde se pueden encontrar elementos autobiográficos de la artista. Los dibujos aparentemente básicos y casi infantiles hechos con carboncillo, tinta o acuarela y las pinturas cargadas de materia recogen sus angustias y obsesiones, en un claro reflejo de sus propias palabras: “Trabajo con la conciencia y la inconsciencia al mismo tiempo mientras creo”. Lo mismo ocurre con sus películas. En una de las cuatro que se proyectan, Mariage (2003), a modo de diario animado, habla de la soledad, del matrimonio y de la maternidad.
Borja-Villel explica que toda la obra de esta artista tiene numerosas lecturas. “La apariencia de sus dibujos es primitiva, pero sus referencias están en literatura de Franz Kafka y Virginia Woolf. A partir de una tabla de planchar, por ejemplo, nos lleva a las reflexiones más altas. La sucesión de las imágenes de sus dibujos y viñetas son en realidad un recorrido por mundos que tienen que ver con Goya, Louise Bourgeois o Philip Guston”.

Pero las reflexiones vinculadas a la literatura no son lo único que preocupa a Anne-Marie Schneider. Por más que intente vivir alejada del mundo, hay algunos sucesos que le han impactado de tal manera que no ha podido resistirse a tratarlos en sus cuadernos. Es el caso del desalojo policial de un numeroso grupo de sin papeles en la iglesia parisina de Saint-Bernard en 1996. Impresionada, Schneider realizó una veintena de dibujos al carbón con impactantes imágenes cargadas de realismo en la que se puede ver como los policías expulsan a los refugiados como si fueran muñecos de trapo, como les pisotean con sus enormes botas, como arrastran las maletas o como uno le aproxima una pistola a la cabeza a un migrante. Con esta serie, expuesta en la Documenta X de Kassel (1997), la artista rompió con el universo intimista que hasta entonces había protagonizado su obra de manera exclusiva.

Otra parte importante de la exposición está dedicada a los cuentos, parábolas y fábulas sin moraleja que más le gustan a la artista. Con la recreación de La Bella y la Bestia, Schneider se adentró en el mundo del color con cuadros pintados hasta los bordes con gruesas capas de pintura de los colores más llamativos. “Le interesan las fábulas”, advierte el comisario, “pero sin moralejas. En esta serie ha reinterpretado el cuento popular desde su versión más horrible y tormentosa. La cantidad de pigmento es como la cantidad de piel con la que ella quiere impregnar sus historias”.

martes, 15 de noviembre de 2016

Mike Mignola y Chris Roberson escriben otro spin off de Hellboy


El Mignolaverso sigue coleccionando historias a pasos de gigante. La editorial americana Dark Horse publicará un nuevo spin off ambientado en el universo de Hellboy con guión firmado por los ya míticos Mike Mignola y Chris Roberson, En cuanto al apartado artístico, a los lápices estará Paul Grist (Grendel Tales) —quien debuta en el Mignolaverso— y Bill Crabtree al color.

El cómic se titulará The Visitor: How and Why He Stayed y narrará la misteriosa aparición de unos alienígenas que se remonta al momento clave más inesperado y extraño del pasado del demonio rojo, lo cual nos llevará hasta la primera aparición del personaje.

The Visitor será una miniserie de cinco números y empezará a publicarse el 22 de febrero de 2017 a razón de un número mensual, aunque antes se podrá leer un avance en el Hellboy: Winter Special 2017 que llegará a las tiendas en enero del año próximo.

"En Hellboy: Semilla de destrucción los lectores pudieron echar un pequeño vistazo a una tripulación de unos extraños alienígenas que supervisaban desde el espacio sus quehaceres sobrenaturales [de Hellboy]. Más tarde nos enteramos de que uno de esos alienígenas había sido enviado a la Tierra para matarle en 1944, pero en el último momento decidió perdonarle la vida", ha dicho Chris Roberson en una nota de prensa.

"En The Visitor vamos a explorar quienes son esos alienígenas, por qué enviaron a un asesino para matar a Hellboy, y lo que ha estado haciendo todos esos años desde entonces."

"Recuerdo cuando leí por primera vez Hellboy: El gusano vencedor", dice Grist. "A mitad de camino Mike Mignola presenta este personaje que había estado siguiendo la pista a Hellboy desde que llegó a la Tierra, luego muere de forma abrupta y es despachado por Hellboy con una única frase. Y pensé ¡NO! ¡No puedes hacer eso! ¡Debe haber más cosas en la vida de este tipo! Resulta que sí que había. Quiero agradecer a Mike por pedirme ayuda para contar ahora esa historia."

"The Visitor es la historia de un forastero en una tierra forastera", añade Roberson. "Varado en la Tierra durante más de medio siglo, un asesino alienígena observa las dotes de la humanidad para la compasión y la destrucción. Veremos la historia a través de sus ojos, cómo la experiencia de vivir entre humanos ha cambiado su forma de ser."

domingo, 13 de noviembre de 2016

El Mundo:Lucifer vs. Dios: el cómic


El paraíso perdido de John Milton parece haber encontrado su dios particular en la figura de Pablo Auladell. Este ilustrador de 44 años, galardonado ayer con el Premio Nacional del Cómic por su adaptación, ha sabido transformar los 10.000 versos épicos que relatan el pulso bíblico entre Lucifer y Dios en imágenes que tuvieran el tempo, la música y la intención del poema de Milton. «Es un poema muy rico en matices», explica. Y la verdad es que son múltiples las interpretaciones que uno puede sacar, tras observar que el cuento va mucho más allá de la serpiente y la manzana y que, al final todo depende de cómo se pinte: "Quizá Milton quería hacer una metáfora criticando la monarquía absoluta o se está burlando de Dios a través de adulaciones continuas". 

Desde el estudio de su casa, donde recibió ayer la noticia, reconoce que no esperaba el premio tras no conseguir ninguna nominación en el Salón de Cómic de Barcelona. "No pensaba en este tebeo desde la perspectiva de conseguir ningún premio", reconoce, mas cuando ha tardado más de tres años en fraguar un proyecto que comenzó a raíz de un encargo y que tras pasar por varias editoriales, finalmente, cayó en manos de Sexto Piso, quien lo sacó a flote en 2015. "Ha sido un trabajo accidentado y atípico, pues en el campo del cómic no suele haber este tipo de encargos. Al final me lo tuve que construir yo, con lo cual se ha ido convirtiendo en algo que siempre ha sido mío". 

Auladell es docente del Máster Ars in Fabula y de la AIF Summer School en Macerata, ha ilustrado más de 30 álbumes, novelas y cómics y su obra ha sido expuesta en galerías y ferias de Madrid, Barcelona, Roma, Bolonia y Ginebra. El jurado, en ese sentido, ha valorado "el gran valor artístico y la fuerza visual" de su última obra inspirada por la intemporal visión de Milton. "Quiero creer que había miembros del jurado que conocían el poema de Milton y que han sabido poner en valor la adaptación y lectura que yo he hecho. Otra cosa destacable, como ocurre con los clásicos resucitados por un moderno, es redescubrir nuevos matices. Es un clásico por el mero hecho de que siempre tiene algo que decir, pero para eso tiene que hacerlo a través de un medio, de un autor de ahora".

Si bien sigue manteniendo el efecto de la sorpresa, sí que reconoce que gran parte de su triunfo viene dado por el uso que hace del color. "Hoy se suele usar muy a discreción", apunta sobre todos esos proyectos de animación que utilizan acabados demasiados precisos y brillosos. En su caso, el color está utilizado narrativamente: pocos y con una razón de ser. 

"No hay que utilizar siempre toda la cajita de rotuladores. Todos los ilustradores que me gustan usan el color con mucha inteligencia. Así que espero que me haya pegado algo de todo eso". Este premio, concedido por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, está dotado con 20.000 euros y tiene como objeto distinguir la mejor obra de esta especialidad publicada en cualquiera de las lenguas del Estado durante el año 2015. "Mis amigos", concluye, "me han trasmitido que están especialmente contentos pues consideran que es un premio merecido. Eso me tranquiliza bastante".

jueves, 10 de noviembre de 2016

ABC:Pantallas y viñetas


Los últimos 25 años han sido una de las épocas más revolucionarias de la historia del cómic. Y todo empezó con una debacle: la gran crisis del sector en la década de los 90 hundió buena parte de la industria existente y provocó un enorme cambio. Comenzó el gran «boom» de las novelas gráficas. Nacieron muchas editoriales independientes (dos de las fundamentales, la canadiense Drawn & Quarterly y la francesa L’Association se fundaron en 1990, pero espero que me perdonarán el año de licencia), a veces precarias, pero que apostaban por nuevos autores y nuevos géneros. En internet aparecieron los «webcómics», que aportaban un espacio para el humor y las historias seriadas, que no siempre encajaban bien en el formato libro que empezaba a predominar en el papel. El manga –de lo más comercial a lo más experimental– empezó a distribuirse habitualmente fuera de Japón. Los superhéroes trasladaron su principal bastión a las pantallas de cine y televisión. Y el cómic se fue abriendo hueco en museos y suplementos culturales. El cómic actual es muy distinto del de los años 80 y tiene por delante un camino complicado, pero apasionante. Y de los muchos grandes títulos –en todos los formatos– de estos 25 años, destacaremos estos:

1.«The Sandman» (1989-1996), de Neil Gaiman y varios artistas.

2.«Ghost World» (1993-1997), de Daniel Clowes.

3. La revista «Nosotros somos los muertos» (1995-2007), editada por Max y Pere Joan.

4.«La ascensión del gran mal» (1996-2003), de David B.

5. «Bardín el superrealista» (1997-2006), de Max.

6.«Persépolis» (2000-2003), de Marjane Satrapi.

7.«Autobiografía» (2001), de Shigeru Mizuki.

8.«El gran vampiro» (2001-2005), de Joann Sfar.

9.«xkcd» (2005-), de Randall Munroe, por cómics tan innovadores como «Time» o «Click and Drag».

10.«Fun Home» (2006), de Alison Bechdel.

11. «Metralla» (2007), de Rutu Modan.

12.«Hark! A Vagrant» (2007-), de Kate Beaton.

13.«Una vida errante» (2008), de Yoshihiro Tatsumi.

14.«Preciosa oscuridad» (2009), de Fabien Vehlmann y Kerascoët.

15.«Notas al pie de Gaza» (2009), de Joe Sacco.

16.«SuperMutant Magic Academy» (2010-2015), de Jillian Tamaki.

17.«Grandes preguntas» (2011), de Anders Nilsen.

18.«Fabricar historias» (2012) y todo el conjunto de la obra de Chris Ware.

19.«Ojo de Halcón» (2012-2015), de Matt Fraction, David Aja, Annie Wu y otros artistas.

20.«Los surcos del azar» (2013), de Paco Roca.

21.«El gato perdido» (2013), de Jason.

22.«Tiempo de canicas» (2013), de Gilbert Hernandez.

23.«Las Meninas» (2014), de Santiago García y Javier Olivares.

24.«Aquí» (2014), de Richard McGuire.

25.«Chapuzas de amor» (2014), de Jaime Hernández.

lunes, 7 de noviembre de 2016

Publican dibujos eróticos inéditos de Osamu Tezuka


Casi un treintena de ilustraciones eróticas inéditas dibujadas por Osamu Tezuka, considerado el «padre del manga», ven hoy la luz por primera vez, tras haber sido encontradas veinticinco años después de la muerte del artista japonés.

Un total de veintinueve dibujos componen «Arte erótico de Osamu Tezuka», que ocupa la nueva edición de la revista mensual nipona «Shincho», según informó la editorial Shinchosha Publishing en un comunicado.

La hija mayor de Tezuka, Rumiko, encontró en 2014 unos 200 dibujos inéditos que el artista había guardado en cajones en su lugar de trabajo en Saitama, y seleccionó las ilustraciones que tenían una temática erótica, un factor importante en el trabajo del dibujante.

Osamu Tezuka, que falleció en 1989 a los 60 años, es conocido como el «el dios del manga», y de su imaginario surgieron series míticas como «Atom boy» (conocido en el exterior como «Astroboy») o «Nueva isla del tesoro».

Algunos de los dibujos publicados hoy muestran al cuerpo de la mujer y su transformación en el de un animal. «Incluso los animales e insectos son sexys, y sus transformaciones producen una atmósfera erótica. Esas son las características de los trabajos de mi padre. Cuando la gente los ve, sienten cómo se divirtió dibujándolos», afirma Rumiko en un ensayo publicado en la revista y que acompaña las ilustraciones.

«El erotismo no es solo un aspecto tóxico, sino también un aspecto atractivo de los trabajos de Tezuka», añade su hija.

Se estima que las ilustraciones, dibujadas en folios sueltas de diversos tamaños, podrían ser borradores de dibujos realizados entre los años sesenta y setenta, según el comunicado.

Un nuevo cómic de nuestro amigo Juanma Cañada


Daniel Sheyás es un director de cine que acaba de estrenar su primer largometraje con escaso éxito. La relación que mantiene con su novia, Sandra, no pasa por sus mejores momentos y, por si fuera poco, su mejor amigo, Raúl, es encontrado muerto, ahorcado en su vivienda.

Poco antes de que su amigo se suicide, envía un mensaje al móvil de Daniel con unos  números que lo llevarán a vivir una experiencia poblada de peligros.


Podéis ver más información en este enlace:http://nowevolution.blogspot.com.es/2016/11/los-ocultos-david-brana-y-juanma.html

sábado, 5 de noviembre de 2016

El cómic «155. Simón Radowitzky», de Agustín Comotto, narra la desgarradora historia de un idealista


Es uno de esos personajes tangenciales de la historia. Uno de los que se mueven en las sombras, que nunca alcanzan ningún poder pero sí que ejercen una gran influencia en el momento que les tocó vivir. Se trata de Simón Radowitzky, al que el historietista e ilustrador Agustín Comotto (Buenos Aires, 1968) llama simplemente «155» en el título de este formidable cómic que publica editorial Nórdica Libros.

Este es el número por el que se le conocía en la prisión de Ushuaia, en Tierra del Fuergo (Argentina), donde permaneció 22 años de internamiento, torturas y encierros en la llamada «heladera». No le podían matar, porque era un personaje relevante cuyo nombre salía en los periódicos gracias a una admiradora adinerada que luchaba por su libertad, pero sí podía recibir la ira de los guardias y del director de la cárcel por ese mismo motivo. Se encontraba allí por el asesinato del coronel Ramón Lorenzo Falcón, quien había ordenado a las tropas de infantería y caballería la represión de una manifestación, el 1 de mayo de 1909, en la Plaza Lorea de Buenos Aires, que dejó ocho muertos y más de cuarenta heridos. A Radowitzky le salvó de la pena de muerte su partida de nacimiento, presentada por un primo suyo, en la que se demostraba que era menor de edad.

La historia que nos presenta Comotto comienza en la cárcel, pero este es solo un capítulo más de su desdichada historia. Mediante el uso de flashbacks novs vamos enterando de la infancia de Radowitzky, en Ucrania, cuando los cosacos acosaban a los judíos, como lo era su familia, con la aquiescencia del Zar. Sobrevive a los progromos, y empieza a trabajar desde que era un niño en diferentes oficios, y en las fábricas empieza a tomar contacto con la ideología anarquista y vive su primera historia de amor.

Tras su salida de la cárcel, bajo la condición de que se marchara de Argentina, llega a España para luchar en la Guerra Civil. Hasta tal grado llega su compromiso por la causa que no se permitía un descanso. Allí será perseguido, como tal anarquista, tanto por las tropas nacionales como por los comunistas. Para retratar toda esta aventura, que es la de buena parte del siglo XX, Comotto utiliza un estilo crudo pero no exento de poesía, en el que predomina el blanco y negro con detalles en color que acentúan el dramatismo de lo relatado. Todo el libro pone de manifiesto la heroica resistencia de un hombre y su fidelidad a unos ideales.

Agustín Comotto ha ilustrado en Nórdica «La muerte de Iván Ilich», «Veinte mil leguas de viaje submarino», «La maravillosa historia de Peter Schlemihl» y «La caída de la casa Usher».

viernes, 4 de noviembre de 2016

Portada de la nueva aventura de Lucky Luke


Hoy ha salido a la venta el nuevo número de Lucky Luke en Francia.Os dejamos la portada para que la disfrutéis.

miércoles, 2 de noviembre de 2016

De 'Aladdin' a Allan Poe


Al sur de California hay una casa que guarda en su interior grandes tesoros. El primer dibujo animado de la historia, tiras de viñetas de periódicos antiguos, borradores originales de los creadores de Pluto, Pongo, Ariel o Hércules -entre muchos otros- y vitrinas llenas de figuras, tazas, relojes y demás coleccionables de todas las películas de animación imaginables. Llaman especialmente la atención dos sillas con orejas y patas de Mickey Mouse que descansan divertidas en el comedor.

Por el pasillo que conecta esta habitación con el resto de la vivienda, camina Raúl García Sanz, el dueño de la casa y primer animador español en Disney. Él se resiste a desentonar con la estética de su hogar luciendo una camisa negra con imágenes de la película de ‘Rompe Ralph’. Se dirige a su estudio, custodiado por el picaporte que condujo a Alicia al País de las Maravillas. Allí se encuentra todo su equipo de trabajo, herramientas que a lo largo de los años han evolucionado, desde los clásicos papeles y lápices, hasta una pantalla gráfica y un bolígrafo digital.

Ferviente admirador de Walt Disney, desde muy temprana edad sintió el deseo de dedicarse a la animación. “Siempre creí que al igual que hay abogados, médicos o camioneros, debía haber en algún sitio en el mundo alguien cuya profesión fuera la de hacer dibujos animados y yo quería ser esa persona”, dice con nostalgia. Uno de los obstáculos que encontró fue que en su época la industria de la animación en España era prácticamente inexistente, pero eso no le impidió encontrar su primer trabajo como dibujante en la serie de televisión ‘Los Picapiedra’ a los dieciocho años.

Tras ocho años de trabajo en España, se convirtió en animador trashumante y dio a conocer su talento en Europa. Pasó por países como París, Korea o Dublín, terminando en Londres, donde contribuyó en el experimento de combinar acción en vivo y animación que resultó en la exitosa película de ‘Quién engañó a Roger Rabbit’. Esta le abrió las puertas a Estados Unidos y a Disney, haciendo su sueño realidad. Le contrataron para animar personajes en tres películas, 'La Bella y la Bestia', 'Aladdin' y 'El Rey León', pero al final se acabó quedando 10 años. Cuando se le pregunta cómo se sintió en aquel momento, su sonrisa se vuelve inmensa. Sin embargo, también le supuso un fuerte shock emocional. “Fui el primer español que Disney contrató como animador, para mí era una responsabilidad gigantesca. Primero, cumplir mi sueño de infancia; segundo, estar en Disney; y tercero, mantener un nivel como representante de mi país”, explica.

Aunque el personaje de Roger Rabbit tiene un valor especial para él por el cambio que supuso en su vida, fue el diseño del genio de Aladdin lo que le colocó en el mapa de la animación. Fue una satisfacción a nivel personal y moral que no olvida. “El genio fue un personaje muy agradecido por el público. Nunca pensamos que fuese a ser tan popular porque en realidad no aparece hasta bien avanzada la película, pero es curioso que, después de los 90 minutos, de lo que más se acuerda la gente es del genio”, apunta.

Después de 10 años formándose y creciendo como artista, Raúl decidió dejar Disney y apostar por trabajar de forma independiente. Fue exactamente durante la transición de la animación en 2D a 3D. Los estudios crecieron a una velocidad incontrolable y esto hizo que, de alguna forma, se desencantase. “Empecé a verme como el Charles Chaplin de ‘Tiempos Modernos’, sin libertad creativa en la producción de mi trabajo”, expresa. “Cambiar el gran estudio por la producción independiente de presupuestos limitados fue arriesgado, quise apostar por contar mis propias historias”, añade.

Una apuesta terrorífica

Su afán por enriquecer el mundo de la animación le ha llevado a explorar una nueva técnica poco utilizada en este campo, el terror. “La industria de Hollywood ha acostumbrado a la audiencia a consumir animación como sinónimo de película infantil o familiar”, dice el artista explicando su postura. ‘Extraordinary Tales’ -basado en los cuentos de Edgar Allan Poe- es su primer trabajo y el resultado de querer innovar en un momento en el que es difícil diferenciar a qué estudio pertenece cada película de animación. “Toda la animación de 3D es prácticamente igual ahora mismo”, observa el director, “por eso quería hacer algo diferente”.

Este largometraje es una combinación de distintos estilos de animación poco convencionales que se ha creado en Luxemburgo, Bélgica y España. La buena acogida que ha tenido entre el público internacional no deja de sorprenderle. “La película gusta, las criticas han sido excelentes y, donde quiera que se proyecta, las entradas se agotan”, comenta entusiasmado. Sin embargo, trabajar de autónomo no es un camino de rosas. Además de la creación del film, encontrar la financiación necesaria, dar difusión y hacer publicidad de la misma es la parte más complicada. “Nunca tuve la maquinaria ni los recursos económicos para hacer saber al público general que la película existe”, señala. Por otro lado, ‘Extraordinary Tales’ se está convirtiendo en una película de culto, con proyecciones en el Museo de Edgar Allan Poe en Richmond, Virginia, o pases de media noche en universidades y cineclubs de Estados Unidos.

En la actualidad tiene entre manos otros dos proyectos. Uno basado en un libro de la escritora alemana Cornelia Funker, y otro llamado ‘Bitten’, ambos vinculados con la animación de terror. Raúl se muestra feliz porque hasta ahora ha conseguido todo lo que se ha propuesto y entre risas comenta que, por muchas dificultades que encuentre, una de sus frases por excelencia es: “¡Que no cunda el pánico... es solo una película de animación!”. Él aconseja a las futuras generaciones que sigan su pasión con perseverancia y paciencia, ya que “ser un buen animador o director no se consigue en un día, pero la recompensa de ver tus historias y personajes en la pantalla son impagables”, apunta.

martes, 1 de noviembre de 2016

ABC:La matanza de Bataclan, en cómic


El 13 de noviembre de 2015, tres franceses musulmanes irrumpieron en la parisina sala de conciertos Bataclan al grito de «¡Alá es Grande!», asesinando a tiros a 87 personas. Un año más tarde, un cómic reconstruye la historia íntima de una matanza que cambió el rumbo del terrorismo yihadista en Europa.

Fred Dewilde (50 años), grafista especializado en ilustración de libros médicos, apasionado del rock, desde la adolescencia en un suburbio pobre y multicultural, estaba en el Bataclan aquella noche, esperando escuchar un concierto del grupo Eagles of Death Metal.

Y pasó las dos horas más largas y trágicas de su vida haciéndose el muerto en la sala del Bataclan, donde tres franceses musulmanes irrumpieron a tiros y bombas, liquidando a machetazos a muchos heridos.

Padre de familia residente en un suburbio / banlieue multicultural, siempre, Fred Dewilde se tiró al suelo, fingiendo estar muerto, junto a una joven de 32 años, herida. La pareja unida por azar, durante dos horas, se dio la mano. Él intentó consolarla, esperando un fin que no llegaba, rodeados de cadáveres, cuerpos mutilados, charcos de sangre, alaridos criminales, tiros, aullidos, gritos de espanto y dolor.

Finalmente indemne, pero traumatizado, Fred Dewilde, volvió a la vida «normal» con cierta dificultad: «Me perseguían los espantosos recuerdos y fantasmas de aquella noche. Un buen día, un fin de semana, me descubrí, horrorizado, dibujando, intentando dibujar, recordar, con imágenes, las huellas intactas de aquella noche».

Así comenzó la historia de «Mi Bataclan», el libro - cómic que cuenta en forma cinematográfica, entre onírica y realista, aquella inmensa tragedia.

Los tres asesinos yihadistas están dibujados en forma de cadáveres armados, disparando con ferocidad sobre una multitud acribillada a balazos, durante una escena de infierno dantesco. El relato de Fred Dewilde oscila entre lo onírico y lo realista.

Los criminales son cadáveres ambulantes. Dominan la escena desde una atalaya panorámica. Las víctimas corren, caen, mueren. En un rincón, un hombre y una mujer, cogidos de la mano, intercambian cortas, breves, sencillas palabras. Están vivos.

El cómic de Fred Dewilde utiliza las técnicas clásicas del relato cinematográfico. Plano general, plano medio / americano, plano contra plano, primer plano… viñetas comentadas con breves diálogos o relatos, a la manera del cine mudo. Testimonio íntimo de un padre de familia caído por azar en una pesadilla ensangrentada que también fue una noche que cambió el rumbo de la historia de las matanzas terroristas en Europa.

La matanza del Bataclán (87 muertos) «solo» fue una de las matanzas encadenadas que se sucedieron en París, aquella noche, hace un año, el 13 de noviembre de 2015.

Otras 19 personas fueron asesinadas en el bar La Belle Équipe, en el cruce de las calles Faidherbe y Charonne. 14 fueran fueron asesinadas en el restaurante Le Petit Cambodge y el bar Le Carillon. Otras 5 fueron asesinadas en el Mac Donald de la calle Faubourg du Temple. Otras cuatro fueron asesinadas en las inmediaciones del Estadio de Francia, no lejos del barrio La petite Espagne, en Saint-Denis, donde se encuentra la basílica gótica donde están enterrados muchos reyes de Francia.

Han pasado doce meses. Los fantasmas de aquella noche trágica persiguen a muchas víctimas y protagonistas, no siempre accidentales. Fred Dewilde una dibujado un libro de cómic para intentar exorcizar aquella pavorosa noche.