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viernes, 28 de julio de 2017

Nuevo cómic de DC revela que Batman tenía súper poderes y cambia 78 años de historia


La noticia de que Batman ahora tendrá súper poderes está dando la vuelta en internet y generando varias dudas entre los miles de fans del héroe de ciudad Gótica. 

Resulta que en el comic Suicide Squad #22  Amanda Waller incluye a Bruce Wayne en su lista de metahumanos, lo que sorprendió a todos, porque una de las características de Batman es que no posee súperpoderes. El escritor Max Machado publicó en www.vix.com  que Rebirth borra la aptitud que lo transformó en leyenda. 

Además explicó  que en la historieta se remontaban a la trama de Dark Days: The Casting, último issue introductorio a Dark Nights: Metal y primer trabajo en conjunto de la dupla Snyder/Capullo desde el New 52.

Previo al inicio de Dark Nights: Metal —cómic en el que el Caballero de la Noche deberá enfrentarse a 7 versiones malvadas de sí mismo provenientes de realidades alternas—, cuenta que Green Lantern y Duke Thomas descubren a Joker encerrado en la Batcave. El Príncipe Payaso del Crimen no pierde tiempo y engaña a los héroes para poder escapar; pero, increíblemente, dice la verdad al momento de revelar el verdadero plan de Batman: descubrir el secreto del Dionesium, el metal que le salvó la vida.

En ese mismo capítulo del Cómic se da a conocer que issue #12 acompaña a Batman mientras se infiltra en la guarida de Bane y usa cada viñeta de forma excepcional el autor genera movimiento y acción, junto a sensaciones de adrenalina que nos hacen pensar, "definitivamente, esto es algo que Batman haría".

jueves, 27 de julio de 2017

El País:Carta a Hellboy, de un enamorado


Las grandes historias se niegan a morir. Hace poco más de un año, allá por junio de 2016, parecía que una de esas grandes historias en viñetas, la de Anung Un Rama, más conocido como Hellboy, llegaba a su fin. Su creador, Mike Mignola, tipo con talento donde los haya, decía basta. The Guardian, en una entrevista de Sam Thielman para enmarcar, se sacaba este titular de la manga: “¿Por qué termino Hellboy? Para ponerme a pintar acuarelas”. Maravilloso.

Llegando más allá de ese cartel de neón con el que nos peleamos cada día los periodistas, la cosa se ponía interesante. Mignola no sabía que su historia iba a terminar; siempre había dicho que se veía escribiéndola toda la vida. Fue la propia trama y su antihéroe, el maravilloso hijo de Satán y una hechicera de estirpe ilustre, los que le indicaron que llegaba el momento de decir adiós. “En principio, pensaba seguir para siempre [escribiendo sobre un Hellboy en el averno] y luego iban a ser cuatro libros, más tarde los condensé en tres… Creo que fue en el número ocho cuando me di cuenta: "Oh, esto es el final de la saga". Solo le queda una gran cosa por hacer. "A lo mejor dos”, indicaba el creador del personaje en dicha entrevista.

Hellboy en el infierno fue, desde luego, el mejor de los epitafios. Diez números cocinados a fuego lento durante tres años que Mignola volvía a asumir no solo como guionista, sino también como artista. Una maravilla capaz de conjugar el encanto pulp de este demonio detective con la profunda desazón que conjura Casa desolada, de Dickens. Mignola dijo que se quería dedicar a pintar acuarelas y que quien quisiera verlas que se pasara por su casa. Daba carpetazo y asumía, seguramente con sinceridad, que aquello era el último capítulo de Hellboy.

Pero las grandes historias se niegan a morir.

Into the silent sea. En la mar silente. En la mar callada. Qué bonito título. Mejor aún la dedicatoria de la reentré de Mignola, solo un año después de aquel supuesto retiro, en su personaje favorito: “Para John Houston, Ray Bradbury, Gregory Peck y Herman Melville, porque no podrían haberlo hecho sin él. Y, por supuesto, para William Hope Hodgson”. Después de tal arranque, es imposible que lo que sigue no sea maravilloso. En la mar silente, escrito a cuatro manos entre Mignola y Gary Gianni, este segundo también lo ilustra, cumple con semejante título y dedicatoria. Es maravilloso y me ha hecho escribir este artículo en el que intento transmitir tanto al ajeno como al conocedor —en uno busco el descubrimiento y en el otro la sonrisa cómplice teñida de cierta nostalgia— por qué este tebeo es uno de los imprescindibles.

Creo que hay que empezar por la primera viñeta. La primerísima. Una amplia panorámica de navíos descalabrados que se pierden en el horizonte. Y en una cartela, las siguientes palabras: “La gentil brisa sopló, la espuma blanca voló; el surco la siguió, libre; éramos los primeros en irrumpir, en aquella mar silente”. Debajo de ellas se nos informa de su autor, Samuel Coleridge, la quinta estrofa de la segunda parte de su Balada del viejo marinero.

En esta viñeta se sintetiza mucho de lo grande que tiene Hellboy. El hechizo de Mignola, su genialidad, no es tan epatante y evidente como la de un Alan Moore, un Warren Ellis o un Neil Gaiman. Cualesquiera de esos autores subrayan el enorme talento que poseen en cada esquirla de sus obras. Quieren que se los vea. Mignola pretende permanecer invisible y que la narración permee al lector con él como aparente mero intermediario. Es humilde hasta el punto de que muchas veces, los momentos más potentes de sus tebeos se nutren de la cita erudita, como por ejemplo esa inolvidable elipsis, tan fácil de pasar desapercibida si se lee con desaliño, del puñal pulcro y el puñal ensangrentado durante Hellboy en el infierno acompañada por las palabras de Lord y Lady Macbeth.

Pero lo suyo es mucho más que citar. Lo que hace Mignola es elegir con cuidado extremo una cita que ilustra e interpreta dentro de su tapiz narrativo con tremenda profundidad y poder fascinador. Aquí, con una imagen que epata, la de esos barcos hundidos, sin una sola figura animada sobre sus cubiertas ajadas, repitiéndose en la lontananza, transmitiendo como solo puede hacer el cómic, en una imagen, el peso de los siglos. Da la sensación de que el lector pueda quedarse embobado en esa estampa hasta tener un aspecto decrépito semejante al de los barcos.

Mignola se mueve pues en el arte de lo omitido, de la elipsis, de lo invisible. Muchas veces, a lo largo de Hellboy, él u otros personajes refieren hechos desconocidos que darían para relatos completos o quien sabe si incluso series inagotables. En la mar silente nace de uno de esos momentos. En Hellboy. La tormenta había una recapitulación de las cosas que le sucedieron al diablo humano en su periplo por el mar que encerraba uno de esos hilos narrativos de los que solo vemos la primera hebra. En ella se advertía a un Hellboy remando de espaldas en un esquife miserable mientras al fondo se veía a un gran navío, de aspecto espectral, que venía recto hacia él. El bocadillo de Hellboy en ese breve flashback de una viñeta contenía una sola palabra: “Mierda”.

De ese “Mierda” nace toda esta narración que arranca con el poema de Coleridge y que enfrenta a Hellboy a muchas cosas que no entiende y que le traen sin cuidado. Es lo que este héroe bastante expeditivo, de enorme corazón y partido en dos por su destino, destruir el mundo, se ha pasado haciendo toda la vida: deambular pegándole a cosas y sin entender ni la mitad de las veces por qué lo hace. Una situación de desconcierto análoga a la del lector ante las fuerzas mitológicas que rigen los destinos del mundo en que transcurre este tebeo. Un ancla en común que genera una enorme simpatía por el personaje cada vez que la trama le pone la zancadilla con otro misterio más, acompañado de un bicho bestial con ganas de cruzarle la cara por haberle ofendido por romper vaya usted a saber qué protocolo esotérico.

Las peripecias de estas cincuenta y pico páginas son constantes. Que si el secuestro por parte de una tripulación enloquecida, que si el rescate nocturno de un grumete, que si la obsesión de una racionalista por descubrir una deidad primigenia que habita en el inicio del mundo, que si una horda de seres imposibles que brotan del mar en manadas… Pero la peripecia en Hellboy es lo que subyace, el telón de fondo a ese nihilismo socarrón que tiene no poco que ver con el espíritu de nuestro Quijote. Hellboy pasa por tantas y tantas cosas y sin embargo sigue igual, no con una bacía de cobre por sombrero pero sí con ese par de cuernos que se lima para negar lo evidente: que es el hijo de Satán y que tiene que destruir el mundo.

El final de Por quién dobla la campana, el último número de Hellboy en el infierno, sabía a final. Pero el propio Mignola dijo que al personaje le quedaban un par de cosas por hacer. Este retorno del exilio para contar una aventurilla que se ha quedado en el tintero cuesta creérselo como una mera zambullida sin mayores consecuencias. Cierto que la idea partió de Gianni y no de Mignola, pero se ve en las palabras de cada cartela, en cada concepción visual de la historia, que el americano sigue enamorado de su criatura.

Ojalá la haga caminar, ya bajo el peso de su cornamenta, para resolver ese par de asuntillos pendientes. Porque este largo Gólgota, lleno de humor, al que somete a su antihéroe es de lo mejor que jamás ha dado el cómic en su ya no tan breve historia. Es ese Quijote sobrenatural que, al contrario que el caballero de la triste figura, ha sobrevivido a su propia muerte y a algo peor: a ser consciente de su locura. ¿No sería interesante fabular con un Quijote que sigue viviendo plenamente consciente de su locura? ¿Elegiría seguir desfaciendo entuertos o viviría aceptando el mundo que lo rodea? Mignola aún puede contestarnos allí donde Cervantes lo tiene difícil. Esperemos que le apetezca.

Y si es que no, pues hay nueva película en marcha. Reboot, que los llaman. Algo es algo.

miércoles, 26 de julio de 2017

Un cómic recupera la historia silenciada de las recoveras en Málaga durante la posguerra


Hace ocho años, en un taller de género que organizaba la asociación ASPA, una de las componentes de la ONG, Ana Mora, contó entre los asistentes la historia de su abuela, Gertrudis. Cuando terminó de narrarla, todos se quedaron en silencio, sobrecogidos. Luis Pernía, presidente de ASPA y de la Plataforma de Ayuda a los Inmigrantes, recuerda aquel momento perfectamente. Y supo que aquello no podía quedar solo en una charla dentro de la entidad. Su relato era la historia silenciada de muchas mujeres durante la posguerra. Madres de familia, viudas o esposas de represaliados de la guerra civil, que vivieron la ‘desbandá’ y que tuvieron que sobrevivir como pudieron, haciendo la recova, es decir, bajando productos desde la sierra hasta la frontera con Gibraltar, al abrigo de la noche para huir de los controles de la Guardia Civil, para poder venderlos o cambiarlos por tabaco, chocolate, queso u otros productos que escaseaban en los años más duros del franquismo.

Una caminata de 50 kilómetros en la oscuridad y con el miedo como compañero de viaje desde Casares que ahora revive Luis Pernía en el libro de cómic ‘Gertrudis, la recovera’, que se presenta esta tarde y que forma parte de las actividades con las que la asociación decana de Andalucía ASPA celebra sus 30 años. «Nos hemos desviado un poco de nuestro trabajo diario de cooperación al desarrollo y de lucha para dignificar la situación de los inmigrantes, pero creíamos que era importante también detenernos en este punto para hacer nuestra aportación a la Memoria Histórica», señala Pernía quien, además de su faceta en el mundo de la solidaridad, también es un aficionado al dibujo.

Ocho años ha tardado Pernía, con la colaboración de Ana Mora, en dibujar cada uno de los pasajes de ‘Gertrudis, la recovera’, una historia real de la esposa de un carabinero republicano. El libro cuenta cómo fue su infancia y adolescencia, ayudando a su madre viuda a principios del siglo XX, y cómo vivió el final de la República, el levantamiento fascista, la huida de Málaga, el fusilamiento de su esposo y la soledad tras la guerra, cuando además le arrebataron su única herramienta que tenía para poder buscar un futuro para sus tres hijos, su preciada máquina de coser. «Hubo muchas historias como la suya, el cómic trata de dar visibilidad al sufrimiento de las mujeres y de mostrar que la represión fue especialmente dura en clave de género», indica Pernía, quien no duda en calificar a estas mujeres como verdaderas heroínas de lo cotidiano.

Una ruta de 50 kilómetros
Además, el cómic trata de poner en valor la Ruta de las Recoveras, un proyecto de senderismo que va desde Casares a La Línea (Cádiz) de 50 kilómetros, pasando por distintos pueblos de la Serranía de Ronda. Un camino que realizaron estas mujeres hasta aproximadamente 1969, «cuando se cerró la verja», un día de ida y un día de vuelta y que guarda rincones espectaculares y que aún hoy día puede transitarse. Se trata de una senda que bordea el río Genal por la Cañada de Las Mentiras, hasta llegar a El Secadero, en el límite con el municipio gaditano de San Roque, según explican desde la asociación. Un recorrido que, según añaden desde ASPA, ya están realizando grupos de excursionistas y medioambientalistas y que, además de su valor paisajístico, tiene también un componente educativo para que el no se olvide a estas mujeres que fueron «exiliadas de sus vidas» y que fueron perseguidas por ganarse la vida con este oficio que se consideraba de estraperlo.

martes, 25 de julio de 2017

El ‘Diario de Ana Frank’ se convertirá en cómic y en película


El ‘Diario de Ana Frank’ se convertirá en novela gráfica gracias a una adaptación del cineasta Ari Folman y el ilustrador David Polonsky que se lanzará el mes de octubre y se llevará después a los cines con la versión "más fidedigna" de uno de los documentos más "estremecedores" de la literatura.

Penguin Random House adelanta este lunes que lanzará en octubre la novela gráfica del libro de Ana Frank, uno de los documentos "más fascinantes y estremecedores de la literatura" que ofrece "un punto de vista único a la barbarie más atroz de la historia de la humanidad".

l proyecto, orquestado de manera oficial por la Fundación Anne Frank, ofrecerá "la versión más fidedigna de la historia original" con un cómic y una película en la que han trabajado en conjunto el cineasta y guionista israelí Ari Folman y el del ilustrador David Polonsky.

Ambos autores, que trabajaron juntos en el filme de animación documental Vals con Bashir (2008) -merecedor de un Globo de Oro y un premio César y nominado a los Óscar en ese mismo año-, intentarán aportar una nueva dimensión a los diarios personales escritos por Ana Frank durante los dos años en los que permaneció escondida de los nazis.

La novela gráfica recogerá "bella y delicadamente" el "estremecedor" relato y lo convertirá en "una nueva oportunidad de acercarse" a la historia de aquella niña de trece años que narró sus sentimientos y experiencias relacionadas con el "horror y la barbarie nazi".

Además, subraya la editorial, el cómic permitirá al público "menos habituado a la lectura, o con especial devoción por la novela gráfica" aproximarse a un documento "imprescindible del siglo XX" y a "una lección moral que no debe ser eludida".

lunes, 24 de julio de 2017

El dibujante español Gabriel H. Walta gana un Oscar del cómic por ‘La visión’


El universo Marvel vuelve a tener tinta española. Gabriel H. Walta, uno de los últimos dibujantes españoles en dar el salto a la editorial estadounidense, ya cuenta con su premio Eisner —conocido popularmente como "los Oscar del cómic"— gracias a su trabajo en La Visión, colección escrita por Tom King que ha logrado este año el galardón a mejor serie limitada. Los reconocimientos más importantes de la industria del cómic se entregaron el viernes en San Diego dentro de la Comic-Con, macroevento de cultura popular que se celebra en esta ciudad californiana hasta el domingo.

La Visión, aplaudida obra de 12 números de King y Walta que ya se había llevado este año el premio a la mejor obra extranjera en el Salón del Cómic de Barcelona, aborda la historia más íntima de Visión, uno de los personajes más famosos del grupo de superhéroes Los Vengadores, creado en 1968 por Roy Thomas y que en el cine ha sido popularizado por el actor Paul Bettany.

En la singular aproximación de King y Walta al androide, tras años salvando el mundo y de ajetreados romances con La Bruja Escarlata, trata de comportarse como un ser humano más. Todo comienza con el héroe decidido a construirse su propia familia (con perro incluido) y mudarse a un barrio residencial. Una aventura que se aleja del habitual tebeo de superhéroes para convertirse en una trama de ciencia-ficción más cercana a La dimensión desconocida.

"Desde un principio, supimos que iba a ser especial para nosotros, aunque no estábamos nada seguros de que fuera a llegar a todos los lectores”, reconocía a EL PAÍS Walta tras conocer su nominación. Era la única serie de superhéroes en la categoría: "Nos alegra especialmente que le guste a lectores que no suelen acercarse a este tipo de tebeos".

Nacido en 1973 en la ciudad española de Melilla, la obra de Walta incluye, entre otros títulos, El Velo y El Bosque de los Suicidas, así como diversos trabajos para el gigante Marvel, que acaba de anunciarlo como el nuevo dibujante de Dr. Extraño. El premio a mejor serie limitada para Walta fue la única buena noticia para los artistas hispanos en la 29ª edición de los Eisner, ya que fue el único de los nominados iberoamericanos que se alzó con el triunfo.

El español Paco Roca no ganó con Arrugas el premio a la mejor edición estadounidense de un cómic internacional, mientras que sus compatriotas Emma Ríos (Island Magazine) y Santiago García (responsable de la recopilación que reúne a autores de nuevo cuño con caras reconocibles del tebeo patrio, Panorama - La novela gráfica española hoy) tampoco lograron el reconocimiento a la mejor antología. Otro español, Albert Monteys, conocido por su trabajo en El Jueves, era candidato al Eisner al mejor cómic digital por la epopeya de ciencia-ficción ¡Universo!, publicado por Panel Syndicate, mientras que el dibujante Pere Pérez optaba al galardón a la mejor nueva serie por la superheroína Faith y Florentino Flórez estaba nominado al mejor libro relacionado con los cómics por Ditko Unleashed: An American Hero, alrededor de la exposición dedicada al creador de Spiderman.

Al otro lado del Atlántico, la mexicana Eva Cabrera no pudo llevarse el premio a la mejor serie limitada con Kim and Kim, mientras que su compatriota Mauricio Caballero tampoco triunfó en el apartado de mejor cómic digital por Helm. Finalmente, el argentino Eduardo Risso no se llevó el premio al mejor cómic basado en la realidad por Dark Night: A True Batman Story como tampoco lo hizo el brasileño Rafael Albuquerque por Batgirl en la categoría de mejor publicación para adolescentes.

viernes, 21 de julio de 2017

Juanjo Guarnido, maestro del cómic, participará en la tercera edición de Granada Noir


El dibujante granadino Juanjo Guarnido participará en la tercera edición de Granada Noir, el festival multidisciplinar dedicado al género y que, patrocinado por Cervezas Alhambra, se celebrará entre el 29 de septiembre y el 20 de octubre.

Será el domingo 1 de octubre cuando Juanjo Guarnido protagonice un encuentro abierto con el público, para dialogar sobre el proceso de creación de uno de los personajes más singulares, atractivos y exitosos del cómic Noir contemporáneo: Blacksad.

Para Susana Vargas, responsable de Relaciones Institucionales de Cervezas Alhambra, patrocinadora principal del Festival: “Es un orgullo tener en Granada Noir a un dibujante granadino de la talla de Juanjo Guarnido que, además del excepcional trabajo realizado en la serie Blacksad, fue uno de los grandes talentos de Disney”.

Efectivamente, corría el año 2000 cuando Juanjo Guarnido y Juan Díaz Canales publicaban en Norma Editorial el primer álbum de una serie llamada a revolucionar el mundo de la historieta de género negro, elevándola hasta sus más altas cotas.

Con “Blacksad: Un lugar entre las sombras” nacía el personaje del gato detective que encabezaba un sublime reparto antropomórfico, retratando la Norteamérica de los años 50 a través de un documentadísimo y exquisito trabajo de ambientación que, desde el primer momento, enamoró a los aficionados al cómic y a los amantes del género Noir.

A Gustavo Gómez y Jesús Lens, directores de Granada Noir, la presencia de Juanjo Guarnido en el Festival “nos hace inmensamente felices”. De hecho, tal y como confiesan, “tener a Juanjo Guarnido en Granada Noir era uno de nuestros más anhelados sueños y, gracias a una afortunada concatenación de acontecimientos, va a ser posible disfrutar de su presencia en GRN3, compartiendo conversación y experiencias -y brindando con una Alhambra Especial bien fría- el próximo domingo 1 de octubre”.

Efectivamente, Juanjo Guarnido ha sido recientemente galardonado con la Medalla a las Bellas Artes de la Real Academia de Bellas Artes de nuestra Señora de las Angustias y estará en Granada, en otoño, para recibirla, lo que permitirá que el dibujante, afincado en París desde hace años, participe en una tercera edición de Granada Noir.

Tal y como señala el propio Juanjo Guarnido, “Me enorgullece mucho recibir este galardón, y aún más que la nominación fuera iniciativa del que considero uno de los más grandes pintores actuales de Granada, Jesús Conde, de quien tanto he aprendido pese a no poder contarlo entre mis profesores en la Facultad de Bellas Artes. El honor es por supuesto personal, pero en estas ocasiones en que el reconocimiento rebasa el estricto ámbito del cómic, tengo la agradable sensación de que nuestro querido género, que lleva tanto tiempo abriéndose paso, a menudo casi a codazos, hacia el espacio que simplemente merece en el espectro cultural de nuestro país, recibe el homenaje en su conjunto”.

En ese sentido, el festival Granada Noir, fiel a su espíritu multidisciplinar, también contará con un maestro de la literatura negra internacional como Petros Márkaris, con un cineasta tan importante como Agustín Díaz Yanes, III Premio Granada Noir a una trayectoria vinculada al género negro y con el proyecto Hnegra impulsado por Fernando Marías, entre otros muchos autores, dibujantes y diversas actividades.

BLACKSAD

“Blacksad me parece uno de los grandes personajes de la historia del género negro, a la altura del mismísimo Philip Marlowe”, señala Jesús Lens, quién afirma haber leído varias veces los cinco álbumes de la serie de Canales y Guarnido. “Que Juanjo Guarnido vaya a estar en Granada Noir me sirve como la mejor excusa para volver a entregarme a la serie completa, que “Blacksad” no se agota nunca y, con cada lectura, le encuentro nuevos matices y detalles tanto al minucioso y exquisito trabajo artístico de Juanjo Guarnido como al complejo arco argumental de los guiones de un Juan Díaz Canales, que consigue evitar el maniqueísmo en asuntos tan complejos como el racismo”.

¿Cómo se podría resumir en unas pocas palabras qué es “Blacksad”? Para el director de Granada Noir, “se trata de un cómic de género negro cuya acción transcurre en los Estados Unidos posteriores a la II Guerra Mundial, en escenarios tan reconocibles como Nueva York, Nueva Orleans o las míticas carreteras que tanto popularizaron los integrantes de la Beat Generation.

El protagonista es John Blacksad, un detective de corte clásico, basado en los personajes del hard boiled tradicional norteamericano. Pero con una particularidad: es un gato. O, siendo más precisos: Blacksad es una figura zoomorfa con cuerpo de persona y cabeza de gato. Y su antigua novia, Natalia, igual. Una Natalia que aparece asesinada al comienzo del primer álbum de la serie. John, empeñado en descubrir al asesino de Natalia, no dudará en enfrentarse a su buen amigo, el comisario Smirnov, un policía serio y honesto al que Guarnido dibuja con los rasgos de un señorial perro pastor alemán”.

Y es que todos los personajes que conforman el rico y abigarrado universo de “Blacksad” son igualmente zoomorfos. Y ahí radica la clave que hace de estos cómics una imprescindible obra de arte: cómo Juanjo Guarnido y Díaz Canales dotan de humanidad a animales como gatos, perros, comadrejas, buitres, búhos, gorilas, tortugas, caimanes, osos, búfalos, caballos, tigres y un larguísimo etcétera. Y, a la vez, en cómo las características físicas y conductuales asociadas a dichos animales se incorporan a los personajes y a la narración. Así, el gorila será un poderoso boxeador, la comadreja sirve para dar vida a Weekly, un sagaz periodista de sucesos con problemas de higiene y sudoración; el zorro será un taimado villano y la grácil gacela, una preciosa señorita. Los reptiles serán fríos asesinos y un níveo oso polar representará el racismo subyacente en la sociedad norteamericana que Canales y Guarnido denuncian en “Artic Nation”, tal y como señala Lens.

jueves, 20 de julio de 2017

Un cómic recrea la epopeya de Pedro de Valdivia en la conquista


El Centro Extremeño de Estudios y Cooperación con Iberoamérica, Cexeci, presentó ayer en Villanueva de la Serena el cómic La Araucana. Alonso de Ercilla sobre Pedro de Valdivia, de la ilustradora cacereña María Ramos. Se trata del sexto volumen de la colección Extremeños en Iberoamérica-Historieta.

En el acto de presentación, celebrado precisamente en la tierra natal del conquistador Pedro de Valdivia, a pocos metros de su estatua, participaron el director académico del Cexeci, César Chaparro; el alcalde de Villanueva de la Serena, Miguel Ángel Gallardo, y la autora del cómic.

El Cexeci quiere dar a conocer con estas publicaciones la historia y la intrahistoria de muchos extremeños que llegaron a América. En este sentido Chaparro dijo que «nos fijamos en los aspectos conquistadores, pero la labor de los extremeños en América fue también una labor cultural y evangelizadora excelente y eso hay que ponerlo en valor».

Por su parte, el alcalde de Villanueva destacó la importancia de aprender, cinco siglos después, del encuentro entre dos mundos, ya que «es inagotable la fuente de saber y el conocimiento por lo acontecido».

Gallardo afirmó que este cómic «nos aporta una página dramática y sangrienta de la batalla en la que murió Pedro de Valdivia y nos ayuda a comprender parte de nuestra historia».

La autora del cómic señaló que le interesaba mostrar el choque y contraste cultural y para ello se inspiró en los tres primeros cantos de La Araucana dedicados a Pedro de Valdivia. Para evocar ese poemario ha querido «añadir un contraste a lo que Ercilla podía escribir» y ella como ilustradora da un poco de contenido utilizando un dibujo de línea negra a un solo color, «intentando que sea algo muy evocador».

María Ramos ha escogido pasajes del poema épico-caballeresco La Araucana, obra de 1569 de Alonso de Ercilla, en la que se describe el mundo araucano-mapuche, sus paisajes y pueblos, según los cánones y los valores del Renacimiento europeo, por lo que su visión del Nuevo Mundo chileno aparece bajo la óptica europeizadora; aun así, los pueblos araucanos son realzados por su valor, independencia, fidelidad a sus leyes y dignidad en la lucha provocada por los españoles. Ercilla ya muestra cierto aspecto humanista y de proximidad hacia el pueblo indígena.

La Araucana, Alonso de Ercilla sobre Pedro de Valdivia adapta con ritmo febril y poético las palabras de Alonso de Ercilla en imágenes de gran belleza y elegancia. Entre los pasajes que ilustra está la Batalla de Tucapel, acontecida en Chile en diciembre de 1553, entre las fuerzas españolas dirigidas por Pedro de Valdivia y los mapuches liderados por Lautaro. Culminó con la derrota de los españoles y la muerte de Valdivia.

María Ramos estudió Bellas Artes en Salamanca y se especializó en ilustración en Madrid. Su trabajo se centra principalmente en la realización de comics y libros para niños. Ha trabajado para MTM, Mamut Comics, Sally Books, Fosfatina Ediciones y Walk With Me, entre otros. Actualmente también es docente del curso de ilustración en el Instituto de Diseño de Madrid.

miércoles, 19 de julio de 2017

Las Torres de Bois-Mauri Integral


Los aficionados al vivimos un momento inmejorable en cuanto a novedades comiqueras se refiere. El catálogo de las editoriales crece sin parar mes tras mes, poco importa si hablamos de cómic americano, ya sea Marvel, DC o independiente, manga o europeo. Es en este último grupo en el que habría que hacer especial hincapié, una “etiqueta” que históricamente ha dado algo de miedo el acercarse a estos productos. Por temática, duración, precio o complejidad de argumentos, la razón no importaba mucho y pocos eran los que pasaban por caja para hacerse con sus compras mensuales facturadas en el viejo continente.
Estos “prejuicios” están desapareciendo poco a poco gracias al buen hacer de algunas editoriales que han perdido ese mencionado miedo a la hora de programar sus planes de novedades y echan mano de relatos nuevos o antiguos, sin importarle el número de tomos publicados o por publicar. Yermo, Norma, Panini o Planeta, todas, en mayor o menor medida, han decidido incluir referencias de BD en sus catálogos, algo que las enriquece sobremanera de cara a un potencial comprador. Es precisamente la última la que se ha lanzado con una serie clásica, un título que siempre ha estado ahí y que ahora es recuperado en forma de atractivos integrales.

Las Torres de Bois-Mauri Integral #1 de Hermann Huppen supone unos de los máximos exponentes del eurocómic y ahora podemos disfrutarla en la inmejorable edición que ha publicado recientemente Planeta Cómic. El historietista belga está considerado como uno de los autores más prestigiosos que ha dado la BD, vivió las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial directamente en sus carnes, hecho que le llevó a trabajar junto al guionista Greg en su estudio. Una historia real como la vida misma, llena de calamidades que no hace más que engrandecer su figura.

En este primer volumen vamos a poder encontrar los tres álbumes con los que se abren la serie, una historia que tiene lugar durante los siglos X y XI, un retrato bastante realista de lo que es la Edad Media, tanto que por momentos parece que estemos ante un libro de historia. Aunque el peso de la acción recae sobre Armand de Bois-Mauri no podemos obviar a otros personajes como Sir Aymar, un noble errante que intenta reclamar su hogar, o Germán, un escultor que es sometido a juicio de Dios, la campesina Babette que aparece en las primeras páginas… una trama coral que desarrolla un argumento que crece en intensidad e interés a cada página que pasamos.

Se nota que Hermann realiza un trabajo de investigación bastante concienzudo, su narración nos muestra aquellos días tal y como eran, con toda su crudeza y violencia: campesinos, villanos, señores feudales, supersticiones, oscuros movimientos de poder… Para todo aquel que no ha podido disfrutar aún de esta obra, entre los que me encuentro, por el motivo que sea, está de enhorabuena. El tiempo ha tratado de maravilla a Las Torres de Bois-Mauri y esta ocasión se antoja inmejorable para poder leer uno de los pilares fundamentales del comic europeo. Lo dicho, son publicaciones como esta las que certifican el buen momento que vive el cómic en nuestro país. Que dure mucho.

martes, 18 de julio de 2017

EL País:Un cómic que se lee sin mirar


Apoyas las dos manos sobre el papel. Las yemas de los dedos palpan una superficie en relieve. Tocan líneas rectas y otras curvas y se siente algo que parecen dibujos abstractos difíciles de identificar. En la parte superior de cada página, hay un pequeño comentario escrito en braille: Un viaje en barca, dice. El resto es ilustración, una sola viñeta que guarda figuras que buscar contar una historia, pero que no son del todo inteligibles al mirar. Solo con el tacto. El lector está sintiendo el primer cómic narrativo para personas invidentes o con baja visión, un experimento primigenio que hace el arte en viñetas a la accesible.

"En el proceso tuve que descartar uno a uno recursos propios del cómic. Los tenía casi todos vetados. Eran como las obras que hacían los autores de Oulipo. Trabajar con todas las restricciones posibles fue difícil, pero apasionante", cuenta el dibujante, guionista y colaborador de este periódico Francesc Capdevilla, conocido como Max (Barcelona, 1956), que se lanzó a esta frontera inhóspita sin paracaídas. Pese a la alegría final, el autor no esconde que hubo ocasiones en las que estuvo a punto de tirar la toalla: "Es un primer peldaño". Solo cuenta la simple historia de un viaje en barco en los canales de Venecia, "pero su forma demuestra que el cómic, como arte joven, está muy lejos de encontrar sus límites", ratifica. De hecho, esta primera prueba ni siquiera está a la venta, sino que es parte de la presentación del Instituto Ramon Llull en la Bienal de Venecia, en el marco del proyecto Catalonia in Venice 2017. Allí, en la ciudad italiana que sirve también de protagonista, estará presente hasta noviembre.

"El tebeo exige un esfuerzo de los ciegos. No se entiende de manera automática y necesita concentración, pero parece que este paso funciona", respira tranquilo Max, que tuvo que diseñar varias pruebas para que su trabajo llegara a buen puerto. Para hacer la experiencia más inteligible, por ejemplo, tuvieron que introducir en la primera página un glosario de términos que explican cada dibujo en relieve y cada onomatopeyas, elemento clásico del cómic que sí pudo usar, aunque con pictogramas, sin letras. Así, si aparece un recuadro con puntos significa luz; si hay líneas onduladas tocas el agua, y si las líneas son rectas es un muro. Pero también se representan figuras sin forma como sonido, los motores, olores o el eco.

El proceso no fue simple. Max y Mery Cuesta, comisaria de Catalonia in Venice 2017, enviaron durante meses las pruebas a lectores invidentes que probaban si las partes cuadraban. Expertos como Anna Morancho, gerente de la Fundación de discapacidad visual Cataluña, respondían con correcciones tras probarlo: "Al principio todas las muestras eran blancas. Las personas con poca visión no lo distinguíamos. Por eso se creó el contraste entre negro y blanco."

Había que crear casi desde cero una técnica sin probar. Describir, por ejemplo, un puente para una persona que nunca ha visto la forma de uno. "Para los videntes, lo que da vida al cómic es la sutileza de gestos y movimientos. Eso no lo captan. Yo trabajo mucho con personajes y sus respuestas y eso no lo pude explotar", recuerda Max, que, acostumbrado a contar historias y chistes en solo tres pequeñas viñetas, tuvo que reducir a una gran viñeta por folio su historia. Con la ayuda de las yemas de los dedos, los invidentes no captaban un tamaño menor. "Probé con personajes muy simples, pero los lectores no llegaban a la sutileza. Así que me desanimé, y me pasé a la abstración". Pese a las injerencias, el dibujante reconoce que resultó una experiencia provechosa que le obligó a "ejercitar la mecánica cerebral, emocional y a quitar tics habituales". Pero ¿es un trabajo de Max?: "La personalidad no se pierde y, aunque no se parezca en nada al resto, me dicen que se nota que es mío".

Para Morancho, escudriñarlo es como un puzzle: "Cada uno lee de una manera. Lo bueno es que no tiene muchos elementos que confundan. Algunos lo hacen con una mano, otros con dos; algunos desde el centro, y otros primero leen el braille y, con esas pistas, sabes lo que buscar. Pasas de lo grande a lo concreto. Poco a poco revelas el dibujo inteligible".

El resultado es un primer acercamiento todavía extraño, como aquel tren que llegaba a la estación en una de las primeras películas de los Lumière. Hoy el canal sustituye a las vías. "Estoy esperando la respuesta de los lectores sin visión para ver si es útil y aprovechable por ese público", apunta Max, consciente de que un proceso así no pueda llegar todavía al mercado: "La tecnología actual no da para imprimir a precio razonable en relieve. La esperanza son las impresoras 3D". Morancho lo tiene claro: "La cultura accesible, es inclusión social".

lunes, 17 de julio de 2017

‘Batman: The Dark Prince Charming’ es el próximo cómic de Enrico Marini


El pasado mes de junio os informábamos que Francia iba a tener su propia novela gráfica protagonizada por Batman con Enrico Marini al frente del proyecto como dibujante y guionista. Una de las incógnitas que nos dejaba la noticia, aparte de desconocer su título e historia, era que no había una confirmación por parte de Dargaud, la editora en Francia, y DC Cómics de que el cómic pudiese publicarse en más países. Ahora sabemos que ‘Batman: The Dark Prince Charming‘, título con el que se conocerá la obra, será traducida al inglés en un lanzamiento previsto para el 1 de noviembre.

Compuesta de dos volúmenes, podemos ir haciéndonos una idea de lo que encontraremos en el primer número, ya que también tenemos una sinopsis oficial:

¿Qué conexión secreta comparten Batman y el Joker con una misteriosa y extraña joven? Después de haber sido secuestrada por el Joker, Batman deberá sumergirse en el submundo de Gotham y embarcarse en una carrera contrarreloj para averiguar donde está siendo retenida. ¡Las apuestas son altas, y para Batman, es algo personal!

Parece que el nuevo enfrentamiento entre la clásica pareja va a tomar un cariz más cercano, viendo que esa misteriosa joven puede tener algún tipo de pasado compartido con el Caballero Oscuro. Lo que sí sabemos es que esta nueva aventura del superhéroe no será una historia más de las que estamos acostumbrados a ver en el género, y es que el autor de ‘Le Scorpion’, ‘Eagles of Rome’ y ‘Gipsy’ es reconocido por dejar en sus obras una gran impronta personal influenciada por el estilo de cómic europeo.

El segundo volumen tiene previsto su salida en primavera de 2018. 

domingo, 16 de julio de 2017

El País:La maqueta del ‘Unicornio’ de Tintín, subastada por 39.000 euros


La maqueta del Unicornio, el barco de un antepasado del capitán Haddock cuya reproducción ocultaba un pergamino que acabó llevando a Tintín hasta el tesoro de Rackham el Rojo, es real. El creador del intrépido periodista, Hergé, mandó construir en 1942 un modelo de la goleta para inspirarse en los dibujos de uno de sus álbumes más emblemáticos, El secreto del Unicornio (1943). La maqueta ha sido subastada este lunes en Bruselas por 39.000 euros, en una venta de más de 200 objetos de coleccionista vinculados al universo del reportero del tupé.

Se trata de la pieza estrella de la subasta anual dedicada al mundo del cómic en la Galerie Moderne de Bruselas, en la que durante más de tres horas se han vendido un total de 527 objetos con pujas en línea, por teléfono o en la sala, donde finalmente se ha adjudicado el reconocible buque de El secreto del Unicornio. Con un precio de salida de 12.000 euros, la maqueta era ya conocida por los expertos, aunque estuvo desaparecida durante décadas y ha visto la luz de manos de los nietos del veterinario de Hergé, que cuidaba de sus gatos siameses y a quien se la cedió en 1960. El modelo, de unos 55 centímetros, con tres mástiles, cincuenta cañones y velas de lino, había permanecido hasta entonces en el despacho de Georges Rémi, el verdadero nombre de Hergé (acrónimo formado por sus iniciales escritas al revés —R.G.— y pronunciadas en francés).


Al avanzar en las páginas del álbum, que fue publicado originalmente por series en el diario Le Soir entre 1942 y 1943, el meticuloso autor decidió encargar al maquetista Gérard Liger-Bélair una reproducción del misterioso buque del caballero de Hadoque, antepasado del capitán Haddock, ya que quería más precisión para las viñetas de la batalla naval en la que el barco aparecía con detalle. El encargo, sin embargo, llegó tarde, y ante la presión del editor del periódico, el dibujante no pudo finalmente utilizar la maqueta acabada para retocar las más de 90 viñetas protagonizadas por el buque, aunque sí los planos del maquetista, ha explicado el biógrafo de Hergé, Philippe Goddin, durante la subasta.

"Hergé fue modificando poco a poco los dibujos que iban apareciendo en el periódico. El Unicornio evoluciona y cada vez está más perfeccionado, hasta convertirse en el que hoy conocemos en el libro, con dos filas de cañones, en lugar de una, o más detalles en la decoración", añadió. Para el experto, el hecho de que la maqueta "solo fuera empleada por el autor como referencia en el último momento es una prueba de su autenticidad", lo que la convierte en una pieza de museo.

"Es un barco mítico, forma parte de nuestra infancia", expresó el comprador, un belga ajeno al coleccionismo que prefirió mantenerse en el anonimato; "simplemente un enamorado del mar, inseparable de Haddock y de Tintín". El nuevo dueño del Unicornio, que bromeó con "romper el mástil" para encontrar el tesoro escondido en el pergamino —como ocurre en el cómic—, se mostró dispuesto a prestar la pieza a museos y exposiciones y "orgulloso" de que este icono de Tintín, que ha recibido ofertas de Canadá o Estados Unidos, entre otros países, se quede en el país de su creador.

El secreto del Unicornio también estuvo presente en la subasta con la venta por 2.200 euros de uno de sus primeros ejemplares, dedicado por el autor con un dibujo de Tintín y Milú y fecha de 1952. La segunda pieza más cotizada después de la maqueta del barco fue uno de los cien ejemplares únicos de Las joyas de la Castafiore (vendido por 21.350 euros), que Hergé regaló solo a amigos y conocidos, todos dedicados, en 1963. Otras pujas señaladas fueron las del ejemplar de Vuelo 714 para Sidney (1968), vendido por 7.900 euros, o tarjetas de felicitación navideñas firmadas por Hergé, una de ellas por 2.200 euros.

Muchos de los objetos vendidos pertenecen a coleccionistas, pero también a familias que los han encontrado por casualidad en el desván y han decidido separarse de ellos, explicó el experto de la Galerie Moderne, Johnny Kindt. Entre ellos destacan también figurines, alfombras, papeles de regalo, miniaturas de coche, vitolas de puro y sellos subastados entre los 100 y los 800 euros, así como una serie de placas esmaltadas vendidas alrededor de los 1.000 euros. Tintín, Haddock, Tornasol y otros compañeros de las aventuras de Hergé estuvieron acompañados durante la subasta por otros héroes de la historieta belga como los Pitufos, de Peyo, o Spirou, de Rob-Vel.

sábado, 15 de julio de 2017

Jessica Jones, una superheroína que triunfa en el cómic y la televisión


Tras el éxito de la serie de televisión Jessica Jones, basada en el personaje  de Marvel y protagonizada por Krysten Ritter, y el inminente estreno de Los Defensores (que unirá a los personajes de las series televisivas), el personaje vuelve a protagonizar su propio cómic con el mismo espíritu del original: argumentos de serie negra en los que lo más importante son los personajes y las relaciones entre ellos, aunque siempre con superhéroes rondando por ahí. El primer tomo Jessica Jones: ¡Desatada!, acaba de ser publicado en España por Panini.

Y Jessica lo va a pasar bastante mal, como ya le sucedió en su primera colección. De hecho, al comienzo de la historia la joven se ha visto obligada a dejar Los Vengadores (en una situación deshonrosa) e incluso ha roto su matrimonio con Luke Cage, con el que tiene una niña pequeña. Su única salida ha sido reabrir Investigaciones Alias, su antigua agencia de detectives. Pero detrás de todas estas desgracias hay motivos ocultos.

Una excelente serie con la que uno de los personajes femeninos más interesantes del cómic de superhéroes recupera el protagonismo que merece.
Un personaje rompedor

En 2001 la editorial Marvel quiso lanzar una línea de cómics enfocados a un lector más adulto, que compitiese con la exitosa línea Vértigo de su principal competidora (DC) y la serie elegida para abrir fuego fue Alias, del guionista Brian Michael Bendis y el dibujante Michael Gaydos, con David Mack ocupándose de unas impactantes portadas pintadas, que dieron a la serie un aspecto diferente, más realista. Alias era un cómic de serie negra, ambientada en el Universo Marvel tradicional, sobre una superheroína retirada, Jessica Jones, que montaba una agencia de detectives (Alias) para ocuparse de casos que se salían de lo normal.

Desde el primer momento la serie recibió excelentes críticas y acabó convirtiéndose en la punta de lanza de esa nueva línea editorial, aunque el éxito hizo que Marvel reclamase a Bendis para ocuparse de sus series más famosas (como Los Vengadores o Secret Wars), gracias a las que acabó convirtiéndose en uno de los guionistas estrella de lla editorial. Por cierto que Bendis no renunció a Jessica Jones y se la llevó a Los Vengadores donde la casó con Luke Cage y los hizo padres de una niña.

Del cielo al infierno
La serie original de Alias partía de una premisa muy interesante. Tomando como ejemplo la carrera cinematográfica de la actriz Sean Young, que de un día para otro pasó de ser una estrella (Blade Runner) a ser completamente olvidada,  a Brian Michael Bendis se le ocurrió la idea de que eso mismo le pasara a una superheroína. Y pensó en Spider-Woman (Jessica Drew). pero al final no pudo usar el personaje y creó a otra joven, que también se llamaba Jessica pero que se apellidaba Jones, y que tiempo atrás había sido una superheroína conocida como Joya.

Jessica dejó la carrera de superheroína después de su encuentro con el Hombre Púrpura, un villano de segunda de Daredevil que en manos de Bendis se convirtió en un tipo terrorífico. El Hombre Púrpura tenía el poder de controlar a los demás, por lo que convirtió a Jessica en su esclava y amante, estableciendo una relación enfermiza con ella de la que Jessica nunca se recuperaría. Un argumento que también fue el tema de la primera temproada de la serie de televisión, en la que El Hombre Púrpura fue magistralmente interpretado por el estupendo actor británico David Tennat (Doctor Who).

Durante 28 números Jessica resolvería casos sórdidos, en su mayoría relacionados con superhéroes, al tiempo que nos desvelaba su pasado sombrío y volvía a enfrentarse con el Hombre Púrpura. Después, como comentábamos, la serie se canceló y Jessica se incorporó a los Vengadores donde se casaría con Luke Cage y tendrían a una niña. Pero esos 28 números fueron un  hito en la historia de Marvel. Por cierto que Panini los ha recopilado en cuatro tomos de Marvel Saga. Jessica Jones.

El futuro
Tras este interesante primer tomo que recupera el escenario, el ambiente, los grandes personajes y los estupendos diálogos que hicieron famosa a la serie, auguramos nuevos éxitos para Jessica Jones. Aunque también nos tememos que el personaje lo va a pasar francamente mal. Pero estamos convencidos de que el día que Jessica se recupere volverá a la grandeza, porque hay pocos personajes de Marvel tan interesantes como Jessica, que tiene una inquebrantable fuerza de Voluntad.

Y no olvidemos que, además de todos los problemas que se avecinan, Jessica tiene que cumplir con sus principales obligaciones: las de cualquier madre con una niña pequeña.  Una serie de esas que marcan época.

Coincidiendo con el lanzamiento de Jessica Jones y la inminente serie de Los Defensores, que comentábamos antes, Panini también recupera (en un grueso tomo de su colección Marvel Gold de más de 700 páginas), la mítica serie Power Man y Puño de Hierro, que en los 70 unió a dos de los personajes más singulares de la editorial.

Juntos formaron Héroes de alquiler, una agencia mediante la que se ofrecían a resolver problemas a cambio de dinero, aunque siempre por causas que les pareciesen justas (Cage ya había sido el primer superhéroe en alquilar su sus servicios).  La unión del primer superhéroe afroamericano en tener su propia colección y el experto en artes marciales surgido a raíz del boom de los 70 (Bruce Le, Kung-Fu), fue un éxito artístico, con grandes historias que hoy en día ya son clásicos. 

Destacar la larga etapa con guiones de Mary Jo Duffy, que indagó en los orígenes de los protagonistas, aparte de potenciar a los personajes secundarios, sobre todo a la detective afroamericana Misty Knight y a la experta en artes marciales Collen Wing, que se convirtieron en co-protagonistas de la serie. 

Lo curioso es que en el cómic el nombre de Los Defensores pertenecía a otro grupo formado, originalmente, por Estela Plateada, el Doctor Extraño, Namor y Hulk. Y no como en la serie de televisión en la que sus integrantes sean Luke Cage, Puño de Hierro, Jessica Jones y Daredevil.

Un gran cómic imprescindible para comprender de dónde sale el universo televisivo de Marvel.

viernes, 14 de julio de 2017

Benoit Peeters: "Las grandes ciudades corren el peligro de convertirse en museos para ricos"


Hay autores de cómics que recrean a la perfección el mundo en que vivimos, pero hay otros visionarios que consiguen crear una nueva realidad, como Benoit Peeters y François Shuiten, que llevan 35 años dando vida a un mundo paralelo al nuestro al que llaman Las ciudades oscuras (Norma Editorial), una de las sagas más premiadas del cómic europeo. Benoit (Bélgica, 1956) ha estado en Madrid, para dar una conferencia en el Instituto Francés, y hemos hablado con él sobre ese universo y sobre la última obra del dúo: Volver a París (Norma Editorial), un relato futurista donde esa ciudad se ha convertido en un museo para ricos.

“Las ciudades oscuras -nos cuenta Benoit- es un desplazamiento en el espacio, como si hubiese una falla que nos lanzase a un universo diferente. Mientras que Volver a París, escribe un ciclo nuevo, al que podíamos llamar Las ciudades futuras, ya que la acción transcurre en nuestro mundo, en París, pero en el año 2156. Por lo tanto, reconocemos la ciudad de París, aunque es poco probable que en un futuro sea como la imaginamos. Pero como nuestros lectores no estarán allí para comprobarlo, no hay problema”.

“La protagonista de la historia –asegura Benoit- es una joven heroína que ha vivido toda su vida en una colonia espacial muy lejana de la tierra. Pero está fascinada por la ciudad de París, por razones que se irán descubriendo poco a poco. Durante toda su vida recopila imágenes sobre ella y reconstruye en su mente una imagen de París que mezcla realidad, sueños, imágenes de Julio Verne… Y cuando por fin viaja a París se pregunta si lo que descubrirá se parecerá a lo que ha imaginado. Al principio sufrirá un shock, porque llegará a un páramo. Y tendrá que merecerse París, irla descubriendo poco a poco. Y adaptar su imaginación a la realidad”.

París convertido en un museo
En ese futuro utópico la ciudad de París se ha convertido en un museo gigantesco. Y es que, según Benoit, las grandes ciudades se están convirtiendo en eso: “No solo París, sino también Barcelona, Amsterdam y otras ciudades europeas están saturadas por los turistas, hasta el punto de que es dificil llevar una vida cotidiana normal. Por ejemplo, los pequeños puentes de Amsterdam, que no están preparados para el continuo flujo de turistas”.

“Llevando eso al límite -continúa- imaginamos que en varias ciudades europeas la economía se ha vuelto únicamente turística, y que los turistas cada vez exigen más: Quieren que haga buen tiempo, que la luz sea perfecta… que los parisinos vistan como uno se imagina que tienen que vestir, que el agua del Sena sea pura y te puedas bañar… y por tanto esas ciudades acaban convirtiéndose en sitios donde no se puede vivir y los residentes desaparecen”.

“Por eso –continúa- el centro de esas grandes ciudades turísticas y la periferia son tan diferentes: vivir en París es imposible para una familia con ingresos normales, y es en el extrarradio donde se forman los barrios de la gente con menos recursos. Eso pasa en todas las grandes capitales. La gente normal no puede vivir en el centro y tiene que residir muy lejos, con los consiguientes problemas de transporte, atascos…”.

“Por eso pienso que este cómic –añade- no es una historia de ciencia ficción sino de anticipación. Jugamos con el tiempo y el espacio para hablar de los problemas de hoy y a donde nos pueden llevar si no los solucionamos. Y es que ese París vitrificado del cómic, por muy bonito que parezca, es una crítica y una pesadilla que parte de la situación actual”.

La ciudad futura ideal
Peeters y Schuiten llevan desde 1982 construyendo ese mundo paralelo de Las ciudades oscuras, en una quincena de álbumes de cómic, objetos, discos e incluso falsos documentales. Tras ese largo estudio… ¿Cómo sería para el la ciudad ideal?

“Lo primero –asegura Benoit- sería deconstruir ese concepto de la ciudad ideal, que a menudo corresponde a una planificación. La Utiopia de Tomás Moro es una planificación. Creo que la ciudad ideal realista debería acoger la complejidad, la diversidad, la contradicción… y esa mezcla extraordinaria de pasado, presente y futuro que construye una ciudad. En la que convivan sus memorias estratificadas y la proyección futura”.

“Creo que lo fundamental –añade Benoit- es que nos replanteemos la escala ideal de las ciudades. Las actuales ciudades gigantescas son una locura. Habría que plantear microciudades relacionadas entre ellas. Y que tuvieran una mezcla de lo rural y lo urbano. Porque nos gustan esos dos polos. De vez en cuando necesitamos un poco de aire puro”.

“Cuando pienso en ciudades gigantescas –continúa- , como Pekín, Seoul, Sao Paulo, creo que esas ciudades se han convertido en gigantescas maquinarias contra sí mismas. Las razones que esa poblaciones tienen para estar juntas se ven anuladas por el grado de gigantismo de las urbes”.

“La ciudad ideal para mí, que no tengo responsabilidades políticas, sino solo ensoñaciones, tendría una escala que correspondería a la del cuerpo humano –comenta el autor-. Una ciudad media, con una parte peatonal importante, y que se pueda atravesar a pie o en bicicleta sin dificultad. Pero al mismo tiempo –asegura- la imagino en constante movimiento, con interacciones entre habitantes que desplacen los centros urbanísticos y los lugares tan compartimentados que tenemos ahora”.

Ciudades vivas
Las historias y los protagonistas de cada historia de Las Ciudades Oscuras son diferentes y pueden leerse en cualquier orden. Pero todos comparten la idea de ciudades inabarcables, casi como si estuvieran vivas y creciesen. Y en las que se mezclan presente, pasado y futuro; y todo tipo de estilos arquitectónicos.

“Nuestras historias son fábulas, metáforas –asegura Benoit- Cada una de nuestras ciudades lleva una idea hasta el límite… como las ciudades obsesionadas con el trabajo y el crecimiento continuo, las ciudades que reniegan de su memoria… Son ideas que dibujadas quedan muy bien, pero si se cumpliesen serían auténticas pesadillas”.

“La ventaja que tenemos frente a los arquitectos urbanistas es que nuestras ciudades son imaginarias, nadie tiene que vivir en ellas. Por eso podemos llevar al extremo los elementos positivos y los negativos, como pasaba en Metropolis, de Fritz Lang, o Brazil, de Terry Gillian. Son ejemplos perfectos que han contribuido mucho a la reflexión sobre las ciudades pero, precisamente, porque son contramodelos”.

Además, los libros de Peeters y Shuiten “Nos permiten viajar a bajo coste –asegura Benoit- y descubrir nuevos conceptos de ciudades, cuyas arquitecturas las hacen muy seductoras. Es una ambigüedad, porque al ver nuestros cómics pensamos que serían ciudades muy bonitas y agradables. Pero cuando leemos las historias, la cosa cambia”.

“Recuerdo una anécdota de un viaje a China –asegura el autor- cuando presentamos nuestros álbumes y, al salir, se nos acercó un hombre que nos dijo: “Esa arquitectura es formidable. Hay que construirla en China". Era un promotor inmobiliario que quería construir nuestros edificios. Y para nosotros era una idea horrorosa. Porque quería coger nuestras imágenes monumentales, desmesuradas, y construir esos edificios tan locos para que las personas viviesen dentro. Ese contrasentido nos hizo reflexionar mucho porque, que algo se pueda construir no significa que deba hacerse. Era un homenaje envenenado, en cierta manera”.

Un dibujante excepcional
Guionista y dibujante son amigos desde los 12 años y siempre soñaron con trabajar juntos. François Schuiten (Bruselas, 1956) pertenece a una de las familias de arquitectos más famosa de Bélgica y, aunque no estudió arquitectura, como su padre y sus hermanos, diseñó el Pavillion de l´Utopie para la Expo 2002 de Hannover y se ha encargado de la decoración de sendas estaciones de metro en París y en Bruselas.

“Schuiten –asegura Peeters- es un dibujante excepcional. Dedica una semana a cada página de Las ciudades oscuras y dos o tres años a cada álbum. Y le gusta experimentar en cada trabajo, por eso algunos álbumes son en color y otros en blanco y negro. Es una forma de experimentar y transformarse que impide que se canse del trabajo y conserve intacta su energía. También cambiamos de personajes, de ciudades y por lo tanto adapta su estilo en cada trabajo”.

“Los originales de Schuiten –comenta Peeters- Son espectaculares. Hay que destacar que todo lo hace él, frente a otros dibujantes que usan ayudantes, desde el dibujo al entintado, y que no trabaja con el ordenador, sino con herramientas tradicionales.

“Por ejemplo –continua- cuando añade el color, reinventa el dibujo. A veces no sabe cuáles van a ser los resultados finales por lo que experimenta. Además, se preocupa de todos los detalles, desde los bordes de las viñetas hasta el diseño final de los libros. Eso ralentiza muchísimo su ritmo de trabajo pero, afortunadamente, es algo que podemos permitirnos, porque nuestros álbumes funcionan muy bien. En cierta forma somos vestigios del pasado”.

Uno de los mayores expertos en Hergé
Además de guionista de cómics, Benoit Peetes ha escrito ensayo, biografía, historia ilustrada, fotonovela, cine, televisión y teatro radiofónico. Y es uno de los mayores expertos en la obra de Hergé (Tintin), sobre el que ha hablado en el Instituto Francés de Madrid.

“Es una cuestión generacional –asegura-. Cuando yo era un niño Hergé era el gigante del cómic y me fascinaba. Luego tuve la suerte de conocer a Hergé y entrevistarle. Y sin darme cuenta me convertí en un experto en su obra; y siguen pidiéndome libros (lleva escritos tres) y conferencias sobre él”.

“Lo que más me influyó de Hergé –confiesa Benoit- es que demostró que el cómic podía hablar de todo, desde la guerra hasta los sentimientos; además de conquistar la luna, viajar a países lejanos, mezclar la aventura y el humor (algo que hizo mejor que nadie). Además, hizo crecer el lenguaje del cómic en una época en la que no había especialistas, ni críticos. Y contribuyó a la idea del cómic como arte y como negocio, porque su éxito disparó el sector. Hergé es una inspiración para cualquier dibujante o aficionado al cómic”.

Benoit reconoce también su deuda con Julio Verne, al que ha homenajeado en su obra en varias ocasiones: “Verne es un hombre de grandes mitos, como De la tierra a la luna, La vuelta al mundo en ochenta días, 20.000 leguas de viaje submarino… Por eso, aunque no se lea tanto como antes, construyó arquetipos que permanecen en la memoria colectiva. En cierta forma novelaba el saber de su época. Otra cosa fascinante de Verne –asegura- es esa mezcla de texto y grabados de sus libros, que casi son inseparables, y que convierten a esas ediciones en auténticas joyas".
Sus proyectos

Sobre sus proyectos Peeters nos comenta que: “Schuiten está realizando un álbum por su lado, que será una variación personal de los personajes de Blake y Mortimer. Y yo trabajo con una joven artista, en un cómic de comedia en torno a los experimentos de mi juventud como cocinero a domicilio, para pagarme los estudios.

En cuanto a proyectos comunes con Schuiten, preparamos una exposición sobre Winsor McCay, el creador de Little Nemo, que se verá en Normandia durante todo el verano.

Y sobre el próximo álbum de Las ciudades oscuras: “Con tanto trabajo no podremos planteárnoslo hasta dentro de dos o tres años” –asegura Peeters-.

jueves, 13 de julio de 2017

Netflix anuncia serie de The Umbrella Academy


The Umbrella Academy es uno de los cómics más interesantes de los últimos 10 años. Escrito por Gerard Way (ex-vocalistas de My Chemical Romance) e ilustrado por Gabriel Ba, cuenta la historia de una disfuncional familia de superhéroes, quienes han sido entrenados para evitar una amenaza que acabará con el mundo en el futuro.

Ahora, esta historia llegará Netflix en forma de serie live-action; según lo dejó ver el propio Way en una publicación en su Instagram.

El proyecto contará con 10 episodios, siendo Steve Blackman el líder del proyecto, y Jeremy Slater el escritor del episodio piloto. Se espera que se mantenga fiel al material original, después de ver lo logrado con otras obras del ramo, como las series de Marvel.

Se estrenará en algún punto de 2018.

miércoles, 12 de julio de 2017

El País:La balada de Corto Maltés cumple 50 años


Charles de Gaulle, el presidente que refundó la República francesa tras la II Guerra Mundial, afirmó una vez que su único gran rival era Tintín. Preguntado sobre el asunto, François Mitterrand, el más maquiavélico, leído y poderoso de los presidentes franceses, se decantó por otro héroe de tebeo. "Yo tengo una debilidad por Corto Maltés. No es que me parezca al héroe de Hugo Pratt, pero no me aburriría en la piel de este aventurero lacónico, solitario, espíritu libre en el que confluyen numerosas culturas". Aquel marino que tuvo la capacidad para saltar de las viñetas a la sociedad cumple hoy 50 años: un 10 de julio de 1967 se publicó la primera entrega de La balada del mar salado en la revista Sergent Kirk, en la que Corto aparecía abandonado a la deriva en el Pacífico. Medio siglo después, el viaje continúa y el próximo septiembre se publicará una nueva historia de Corto, Equatoria, la segunda firmada por los españoles Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero.

El marino, con sus patillas, su aro en el lóbulo izquierdo y su eterno cigarrillo símbolo de unos tiempos en los que los héroes podían fumar, se ha convertido en un icono inconfundible (y un negocio tremendo, ya que sus volúmenes siguen vendiendo miles de ejemplares en todo el mundo). Existe un Corto Maltés que da nombre a bares y que se vende en forma de pósteres en casi todas las tiendas de cómics, un personaje que aparece hasta anunciando un perfume de Dior, una línea de relojes... Pero todo ese merchandising no ha logrado descafeinar al personaje original, heredero de los relatos de Jack London y Robert Louis Stevenson, el último gran héroe del mar, sobre el que Umberto Eco escribió: "Cuando quiero relajarme leo a Engels, cuando quiero algo serio leo a Corto Maltés".

En estos 50 años se ha convertido en un personaje muy importante de la cultura europea", explica Juan Díaz Canales, el autor madrileño que junto a Rubén Pellejero recibió el encargo de resucitar a Corto Maltés. Tras la muerte de Hugo Pratt (1927-1995) se produjo un largo silencio durante el que, a diferencia de otros héroes, nadie retomó las aventuras del marino errante. El nuevo tebeo, Bajo el sol de medianoche, creó unas enormes expectativas, pero su publicación en 2015 recibió el beneplácito de los viejos lectores y enganchó a una nueva generación de fans. La agencia que lleva los derechos de Pratt indica que más o menos se venden 100.000 copias cada año, pero en 2015 se vendieron 220.000 ejemplares del nuevo título y se triplicaron además las ventas de todo el catálogo de Pratt.

"Corto Maltés era hijo de Mayo del 68, de esa filosofía que rompió tantas barreras", prosigue Díaz Canales. "Su publicación significó un cambio de paradigma en los cómics, tanto por el contenido como también por el continente, con historias mucho más largas. No supuso una ruptura total, porque se inscribe en una vieja tradición de cómics de aventuras, pero sí marcó un antes y un después". Aunque la publicación arrancó en Italia, fue en Francia donde el personaje alcanzó su cénit, cuando comenzó a aparecer en historietas en la revista Pif.

Corto nunca ha dejado de protagonizar exposiciones —actualmente puede verse una en la estación de Austerlitz en París—, tesis doctorales, hasta novelas —como Querido Corto Maltés, de Susana Fortes—, pero sobre todo es un personaje que ha logrado ser fiel a sí mismo durante 14 aventuras, doce dibujadas y escritas por Pratt y dos por sus continuadores. Pratt se inspiró en parte en su propia vida, casi tan aventurera como la de personaje, pero también en los clásicos de la literatura de viajes.

Hijo de una gitana de Sevilla y de un marinero de Cornualles, Corto Maltés nació en Malta un 10 de julio de 1887. Su primera aventura, La balada del mar salado, transcurre en 1915, durante la I Guerra Mundial, aunque en un tebeo posterior Pratt le situó en 1904, en Manchuria, en la guerra ruso-japonesa donde se cruza con un joven escritor y aventurero, Jack London. Recorrerá todos los escenarios que marcaron el primer tercio del siglo XX, desde la batalla del Somme hasta la lucha por la independencia de Irlanda, el final del Imperio Otomano, Siberia, las selvas de Centroamérica o Buenos Aires. La mayoría de sus aventuras transcurren durante la I Guerra Mundial.

Sobre su final se sabe muy poco. Un personaje de Las Etiópicas, Cush, asegura en otro álbum de Pratt sobre su compañero: "Parece que desapareció durante la Guerra Civil española". Su creador siempre dijo que no había sitio para Corto en un mundo crecientemente tecnológico y en su última aventura incluso le envío a descubrir la Atlántida. "Corto Maltés se irá porque en un mundo en el que todo es electrónico no hay lugar para un tipo como él", afirmó Pratt en una entrevista.

Corto Maltés se grabó en la mano con una navaja una nueva línea de la vida porque la que tenía no le gustaba y, cuando alguien intenta leerle la buenaventura, responde: "No quiero conocer mi futuro porque entonces no me interesaría vivirlo". Es imposible imaginar al marinero entre teléfonos móviles y redes sociales, pero han pasado 50 años y sigue ahí, esperando una nueva aventura.

martes, 11 de julio de 2017

Un cómic para celebrar un aniversario 'Beatle'


Andan The Beatles de aniversarios sonados. Hace unas semanas vio la luz el nuevo disco remasterizado de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band con motivo de sus 50 años de existencia, y ahora su incursión cinematográfica más aplaudida también tendrá lo suyo. A tiempo para su 50 cumpleaños saldrá publicado un cómic sobre los personajes de Yellow Submarine, el filme de 1968.La comedia animada, estrenada en plena era de la psicodelia de los 60, dio vida a personajes de dibujos de Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr, con temas inéditos de los cuatro de Liverpool y cameo de los principales protagonistas. El título tuvo una buena acogida de público y crítica y ayudó a entender la animación de forma más seria.

Del homenaje a ese trabajo se encargará uno de los grandes aficionados de la cinta, Bill Morrison, el creador de los Bongo Comics y nuevo editor de la revista MAD. La serie de dibujos llegará al público bajo el sello de Titan Comics basada en la cinta del 68."Estamos encantados de publicar The Beatles: Yellow Submarine con motivo del 50 aniversario de esta fantástica película", indicó Chris Teather, director de Titan Comics. "No podemos esperar a que los fans de los Beatles puedan disfrutar de esta adaptación oficial".Es un acuerdo que ha contado con el visto bueno de Apple Corps, la entidad que controla los derechos de imagen del grupo británico, y que explotará aún más la nostalgia por la película con una colección de muñecos.Curiosamente, ninguno de los cuatro componentes de la banda recibieron con emoción la posibilidad de hacer la película, desanimados ante el resultado de Help! en 1965, dirigida por Richard Lester. De hecho, lo del cameo de la última escena lo hicieron por que así se estipulaba en el contrato con United Artists. Sin embargo, el experimento les salió bien.

lunes, 10 de julio de 2017

El Joker debe salvar a Gotham en el cómic ‘Batman: White Knight’


Tenemos entre manos un nuevo enfrentamiento entre la pareja más icónica de DC, pero las tornas han girado, ya que esta vez Batman no debe salvar a Gotham del Joker, sino que es este quien debe salvaguardar a la ciudad del murciélago. Pero antes pongámonos en situación. El Joker se ha curado de su locura y con él su compañera Harley Quinn, quienes querrán hacer algo por todo el daño que han causado a la ciudad. ¿Cuál es la mayor amenaza que vive en ese momento Gotham? Bruce Wayne y toda la élite que le rodea. Con esta premisa, DC Comics lanzará el 4 de octubre ‘Batman: White Knight’.

Escrito y dibujado por Sean Murphy, ‘Batman: White Knight’ se tratará de una miniserie del que aún no se sabe de cuantos números constará. Por su parte, Murphy ha realizado una entrevista para el medio Wired, donde ha aprovechado para comentar sus impresiones sobre el proyecto y qué podemos esperar de él:

Ver Gotham por primera vez con una mirada más limpia, su psicosis curada, él empieza a entender el absurdo de tener a un vigilante y cómo las acciones de Batman solo contribuyen a un ciclo interminable de crimen. Mi principal objetivo fue deshacer los tópicos recurrentes de los cómics  transformando Gotham de una ciudad de cómic a una ciudad de verdad, una ciudad que se ocupa de movimientos como “Black Lives Matter” o las desigualdades salariales, pero en vez de escribir un cómic sobre esas desigualdades, he dado esas ideas al Joker, quien lidera una especie de lucha mediática contra la élite de Gotham ganándose a la gente con sus potentes observaciones y retórica

Si bien es un aire fresco al mundo del cómic, dándole una trama de implicaciones actuales, está por ver si se tratará de una obra más aleccionadora y de discurso o veremos algún tipo de acción, ya que Murphy ha retratado a un Joker muy distinto al que estamos acostumbrados a ver:

Sabemos que el Joker es un genio, sabemos que es implacable, y sabemos que puede jugar con la gente, así que, ¿por qué no le convertimos en político? Frank Miller lo modeló tras conocer a David Bowie, Chris Nolan lo mostró como un sociópata controlable. Yo veo al Joker con Don Draper

No sabemos si finalmente veremos al Joker convertirse en un buen ciudadano o si volverá a su redil de locura, pero lo que sí sabemos es que Murphy tiene entre manos un proyecto en el que tocará temas muy delicados y de actualidad.

domingo, 9 de julio de 2017

Marika: "El lenguaje del cómic es machista, pero se han empezado a romper estereotipos"


Hacia 1973 aún dibujaba historias románticas. El franquismo tenía a la mujer por una menor de edad. Sólo cuatro años más tarde, en los balbuceos de la democracia española, hacía ya viñetas con bocadillos concluyentes: "...Y cada día una mujer es violada por un extraño...". María del Carmen Vila (Barcelona, 1949), más conocida por su nombre artístico, Marika, debatió ayer junto al dibujante argentino Iñaki Echeverría sobre la violencia de género en el cómic. "El lenguaje del cómic es machista, pero en los últimos quince años se han empezado a abrir grietas y a romper estereotipos", aseguró antes la ilustradora catalana.

Algunos de sus trabajos -de Marika y de Echeverría- se incluyen en la exposición "Visualizando el maltrato", una de las apuestas de la trigésima edición de la "Semana negra". Hay obras también de Una, Susanna Martín y Gabriela Cabezón. Esta última es la guionista de "Beya", la relevante historia publicada en 2013 e ilustrada por Echeverría. "Mi gran miedo era cómo hacer algo bello con una tragedia, tratar la desnudez del horror". Captar el clima de un maltrato.

"Poco a poco, el cómic ha ido aceptando a la mujer, lo que antes no ocurría; es un cambio que ha costado mucho", indicó Marika. Recordó esa lenta y paulatina evolución de un arte que es "androcéntrico" y ha venido siendo cuestión de varones, según el especialista avilesino Norman Fernández.

Marika fue una de las mujeres que, desde los pioneros dibujos feministas de la también barcelonesa Núria Pompeia, más conscientemente ha trabajado en la búsqueda de lenguajes coherentes con la problemática de género. Sigue en esa pelea. "Empiezo haciendo historias románticas, pero no estaba de acuerdo con el mensaje; era un mundo absolutamente masculino", subrayó.